2.25.2006

Book @ 無所事事的藝術


當全世界都在催促你奮力往前衝時,「無所事事的藝術」卻反其道,教大家怎麼拖延、怎麼深呼吸、怎麼打哈欠打瞌睡……。譯者胡因夢形容本書「表面上看來是一本都會菁英生活指南,但細細地領略箇中深意,卻蘊藏著禪與正念的終極真理」,透過簡單易行的處方,幫助疲憊身心紓解壓力。

在此摘錄「打哈欠的藝術」,作者對打哈欠的精準描述令人會心一笑,還提供對付連天哈欠的妙方。

身體內部突然產生一股力量,讓肌肉由裡向外舒張──這就是打哈欠。對那些天生懶散(而且毫無悔意)的人來說,這不但是種令人神清氣爽的運動,更是很有效的健身方式。那些工作表現總是「過於良好」的人,也不妨嘗試一下。

打哈欠最初的感覺,是頭部中央有一股小小的壓力渦,然後這股壓力渦會像旋風一般散佈全身:它會使你的咽喉、鼻孔及支氣管擴張;它會令你的眉毛和肩膀往上提;它會讓你腹部的橫膈膜下降,肺部得以擴大;它會令你的心跳加速,增加頭部的血液流量;它會迫使你的舌頭向後縮,下顎朝向兩旁及下方移動。

這一切都會在不到六秒鐘的時間裡完成。當它結束時,你可能有一點搖晃不定,但卻輕鬆多了。…

字典上則說,打哈欠是人們感覺到疲倦及乏味時的不自覺反應。如果這個觀點屬實,那麼世間萬物就能不費吹灰之力地撼動我們消沉的意氣,以確保人生沒有一刻是無聊的。

因此,當腦中的疲倦感已經堆積成滯留不去的低氣壓時,不妨盡情地打哈欠,直到心滿意足了為止。拉開你的下顎,把嘴巴張得越大越好。這麼做,可以釋放體內幽禁的隱形能量,淨化部分被堵塞的煙囪和隧道──耳咽管、鼻淚管、淋巴腺,以及像氣管和肺這樣的排氣孔。這些迷宮般的內在通道與外在世界之間的壓力一旦達成平衡,你就會感覺耳朵裡突然出現「砰」的一聲。…

不想張嘴 那就從腳釋放

若想克服打哈欠的慾望,就必須設法開啟另一個艙口。但如果你受制於禮貌因素,無法釋放這股內在的壓力,你還有另一項選擇:將它排到地面。

將你的身體想像成一支避雷針。透過你的腳,你可以把多餘的能量導入地面。你可能已經注意到了,許多人回到家後的第一件事,就是踢掉腳上的鞋。藉由這個動作,我們重新跟地面接觸。在釋放雙腳的同時,我們也釋放了痛苦的緊張感。

在社交場合裡,要讓腳接觸地面可能有點困難。但是在餐廳裡,女人會趁著服務生介紹今日特餐時,小心翼翼地脫掉她們的高跟鞋,讓收攏的腳趾放鬆一下。男人則會將他們的腿伸出去(小心,別讓他們不經意地壓扁了妳拋在桌下的高跟鞋),伸展他們那雙阿契里斯的腳踝,然後把鞋跟緊緊踩在地面。

腳底按摩 舒緩身體疼痛

腳底按摩,這種中國古老的治療方法,也是根據同樣的原理發展出來的。這種另類療法的工作者藉由按摩腳底的某些穴位,來幫助病人重新暢通身體能量的流動。按腳底的這裡,你背部的疼痛就能減輕;按那裡,你的胃痛就會舒緩,或者你的頭痛就能痊癒。通常,經過幾分鐘專業的腳底按摩之後,你會感覺很放鬆,甚至睡著了。

扭動腳趾(這可以說是窮人的腳底按摩)也同樣有效。試試以下的方法:把每根腳趾頭盡量張開,保持這樣的狀態十秒鐘,然後放鬆下來。重複這個程序三、四回。請留意這個動作是如何影響了你的上半身:你不用費什麼功夫,鼻子似乎就暢通無阻了,呼吸也均勻多了,前額也放鬆了,你的耳朵(如同你的腳趾一樣)則有一種刺刺的快感。

對付哈欠 戲弄一下頭腦

對付哈欠連天的最好方法,就是戲弄一下你自己的頭腦。以下這些「腦部遊戲」的靈感,都是源自於日本的禪宗公案。這些心智謎題原本是為了幫助禪門徒生解脫他們對理性世界的一些基本假定和執著而設計的。

※擾亂時間感:現在是星期一下午嗎?請假裝此刻是星期五下午──只要幾分鐘就夠了。

※改變你的命運:找一本你最喜歡的雜誌,把占星專欄中某個人的星盤當成是自己的。

※向文字挑戰:把「紅」這個字,想像成是耀眼的藍色字體;把「河」這個字拼出來,然後在你的心眼裡將它想像成小鵝卵石的形狀;寫下「嘴唇」這個字,但是卻把它想像成一朵雲。

※堅守文盲的立場:學著說:「我不知道。」不知道乃是無知的反面,每一次當你說「我不知道」時,你的好奇心就會增長──宇宙也因此而擴大。

※質疑父權體制:輕鬆地詢問一對夫婦,看看他們可曾考慮過冠用彼此祖母的娘家姓氏,然後坐下來安靜地傾聽答案。

※練習慈悲觀:別忘了,對地球上的每個人來說,都曾經存在過一個無法看到自己肚臍以下身體的孕婦。

+書名:無所事事的藝術(The Art of Doing Nothing)
+作者:薇若妮卡.魏訥
+譯者:胡因夢
+出版社:遠流


@邱淑宜?邵冰如+2006/02/25 聯合晚報

Design @ 創意有風格 精緻公仔新潮流

QEE公仔造型尺寸多變,價錢從200元?7800元不等。記者 徐世經/攝影

QEE公仔造型尺寸多變,價錢從200元?7800元不等。記者 徐世經/攝影

跳脫卡通人物為題材的來源,設計師公仔以簡單的形體搭配豐富多變的圖騰,創造出意想不到的迴響。同樣選擇在台北信義商圈開店的香港QEE、新加坡Trexi及台灣SoWhat公仔系列,用創意為基礎,串聯藝術、設計、流行、實用等概念,延伸出多元的表現形式;有些甚至由全球各地設計師與藝術家進行腦力激盪,共同創造出精緻玩具新潮流。

富設計感的公仔,不僅受到收藏迷的喜愛,也十分得到眾知名品牌的青睞,而結合其品牌的精神創造獨特的公仔。與香港的QEE合作設計公仔有DKNY、MITSUBISHI、Sony Ericsson、swatch等知名品牌;據傳,與adidas合作的2吋QEE還傳出1,000美元(約台幣3,2400元)高價。

新加坡Trexi在二代公仔中,與MOTOROLA、Nike、o.d.m.的首席設計團體一起設計款式。而在Trexi一代的隱藏版,則是跟可口可樂及新加坡當地設計師所共同創作。代理Trexi的野獸國經理李昇峰透露,今年5月將再度與可口可樂攜手合作新款公仔,就請收藏迷拭目以待。

+ 圖片提供/野獸國(Trexi) / 協力拍攝/Patchwork(QEE)

@吳雨潔+2006/02/25
星報

Food @ 中村雅彰 甜甜圈獅的創造者

波堤創始者中村雅彰。記者林怡秀/攝影

在Mister Donut甜甜圈中,台、日銷售都奪下第一的波堤,一向以女性為消費大宗,其實,波堤的發明人是位男士,這個近三年來在市場吹起一股波堤風的「小兵立大功」明星產品,整整「坐了3年冷板凳」,在不經意的機會下,被從塵封已久的櫃子中取出,重新設計外觀,一炮而紅。

波堤的創造者中村雅彰,在日本已成媒體爭相報導的對象,雖然中村曾在一年多前為了台灣第一家Donut,前來檢視台灣甜甜圈製作水準,但對台灣民眾來說,中村這個名字仍很陌生。

波堤是2003年元月在日本上市,銷售初期,單店每日平均賣出835個,是其他甜甜圈的近三倍,上市三年以來,在日本已累積賣出5.4億個,即使到現在,仍有單店一日賣出500多個,其中,蜜糖波堤是第一名,台灣在一年多前引進Mister Donut,已賣出400萬個波堤(包括五種系列商品),占所有甜甜圈的三成以上,與日本人一樣,蜜糖波堤也是台灣人的最愛。

中村曾擔任日本甜甜圈創始店大阪箕面店副店長,以及其他店店長,常對甜甜圈設計提出想法,進入商品研發部後,以一種類似巴西起司麵包的QQ嚼勁口感設計了甜甜圈,但當時未受注意,設計草圖在抽屜裡躺了三年。

直到2002年,Donut想找一種具QQ口感的新商品,才想到這個被遺忘已久的設計,中村從合作製粉公司所擁有各種機器中,試了數十種甜甜圈外觀後,最後,類似嬰兒手搖鈴的波堤甜甜圈拍板定案。

波堤帶動的效應是,大阪、京都、神戶所屬的近畿地區,連製作波堤的原料、機器都缺貨,這倒是Mister Donut始料未及。

@林怡秀+2006/02/25 聯合晚報

Fashion @ Stella McCartney跨界 H&M全歐狂銷

Stella McCartney for H&M服裝秀上讓名模們大玩起遊戲?「搶椅子」,名模們個個孩子氣地妳爭我擠賣力演出,掌聲不斷掀起服裝秀的高潮。(圖/H&M)


緞面連身七分褲裝 £39.99(約NT$2,300)銀灰色金屬晚宴提包 £29.99(約NT$1,800)(圖/H&M)

Stella McCartney擅長將昂貴及平價的材質組合搭配,創造極具風格化的裝扮,而這個理念也真實地傳達在整組Stella McCartney for H&M的系列上。

Stella McCartney頂著披頭四成員保羅麥卡尼(Paul McCartney)及知名攝影師琳達(Linda Eastman)愛女的光環,無疑是當下最具話題性的新銳設計師,著名的瑞典零售業集團Hennes and Mauritz(以下簡稱H&M)繼去年成功地與Karl Lagerfeld合作創下良好銷售業積後,也看好Stella McCartney的國際市場行銷潛力,力邀為其設計Stella McCartney For H&M精選系列!

遊戲秀場大風吹

該系列於10月26的在倫敦東南區的St. Olaves舉行上市發表會,高達700位時尚界名流、時尚編輯、造型師、媒體記者都聚集於這所由學校改裝的服裝秀場,場面熱鬧非凡,就像她在巴黎時裝週的春裝發表會一樣。服裝秀以「搶椅子遊戲」取代美麗的Catwalk秀,模特兒們身著Stella McCartney fro H&M新裝曼妙地隨著音樂優雅進場,並環繞著舞台上排好的椅子行走,音樂一停名模們個個妳推我擠地搶椅子坐,動作不夠靈敏者便慘遭淘汰,遊戲到最後只剩一個模特兒留在台上,而她就是今晚的贏家。向來酷勁十足的名模們顧不得形象在舞台上演出肉搏戰,讓人驚艷於她們可愛俏皮的一面,服裝秀也在歡笑聲中「秀玩」整組系列,搏得滿堂喝采。

名牌設計 街頭價格

Stella McCartney擅長將昂貴及平價的材質組合搭配,創造極具風格化的裝扮,而這個理念也真實地傳達在整組Stella McCartney for H&M的系列上。Stella McCartney在發表會上開心地表示:「很多人說過喜歡我的設計,但是永遠也買不起!但這次與H&M的合作,無疑可以將品牌觸角延伸到更寬廣的客層,讓人們更清楚了解我以及我的設計!」

的確,一件原本近8百英磅(約新台幣4萬6千元)的Stella外套可以用十分之一的價格在H&M買到,無怪乎Stella McCartney for H&M一上市就造成瘋狂搶購熱潮,許多經典款式更是在幾小時內便已銷售一空。不僅如此,記者在上市第三天親自走訪倫敦市中心所有H&M專賣店,訝異的發現Stella McCartney for H&M的櫥窗展示己經被撤換,店內也都找不到陳列該系列的專區,詢問店員才得知原來整個歐洲地區的Stella McCartney for H&M系列幾乎在短短兩天內就己經全部賣光斷貨,能夠即時搶到一件的人絕對是時尚幸運兒。

@BRAND名牌誌2005年12月號+Cynthia Tseng

Fashion @ 英國Vintage Fashion正風行!


倫敦的迷人之處在於擁有前衛時尚外,同時也保有具藝術與歷史價值的傳統古董跳蚤市集,近年英國盛行的「Vintage Fashion(古著時尚)」,更是成為啟發國際時尚設計師的靈感泉源。

倫敦的迷人之處在於擁有前衛時尚外,同時也保有具藝術與歷史價值的傳統古董跳蚤市集,近年英國盛行的「Vintage Fashion(古著時尚)」,更是成為啟發國際時尚設計師的靈感泉源,就讓我們一起走進倫敦的Vintage World吧!

何為Vintage Fashion?

所謂「Vintage」,是指「過去某年代、某時期的生產品」,如18世紀女性束腰馬甲、60年代的迷你裙、70年代的龐克T恤等。這些物品依照「創作年代遠近」、「收藏價值高低」及「使用的程度」也分別等同於「二手」或「古董」,然而在英國,時尚人士絕不說「Second Hand」,而是以「Vintage」一詞,對這些深具歷史價值與文化意涵的服飾表示尊敬與推崇。

倫敦Vintage精品店主要分處於4大區域,一是環繞Spitalfields Market四周的東區、二是以Portobello Market為主的西區、三是Camden Town Market周遭的北區、四是以Covent Garden為主的市中心。東、北區主要針對大眾市場的超大型批發倉庫店面為主,以平價的二手古董服飾為大宗,年代及產品範圍廣大,但較少有具收藏價值的古董設計師品牌;而西區及市中心則以個人經營的小型精品店為主,常可以找到特殊年代或獨特品牌等具收藏價值的高品質古董服飾。

西區Top 1?RELLIK

有人曾說:「在倫敦,如果妳不知道RELLIK,那麼妳一定不是時尚圈內人。」,這句話或許過於誇張,但也足以說明RELLIK在倫敦時尚界的知名度。翻閱每月的國際時尚雜誌,如VOGUE、I-D、POP、Wonderland等,很難不看到RELLIK的名字,超級名模凱特摩絲(Kate Moss)、歌手碧玉(Bjork)、DOLCE&GABBANA設計師等,也經常出入RELLIK。加上RELLIK是收藏及販賣Vivienne Westwood古董服飾品的大本營,所以在日本是家喻戶曉的時尚名店。RELLIK的商品隨著年代及品牌而有不同價格,從10英鎊的飾品、65英鎊的洋裝、350英鎊的稀有設計師品牌都有,所以不管妳喜歡何種風格、預算多少,在RELLIK都可以被滿足。

東區Top 1 Hurwundeki

對於喜好古董及名牌二手服飾的精打細算族來說,Hurwundeki無疑是倫敦東區二手潮流的新天堂樂園,這裡所販賣的二手服飾相當多元,除了大量的二手女裝及鞋子外,還有了男裝、皮帶、帽子、領帶、吊帶、太陽眼鏡、包包等配件及飾品,而它最吸引人的地方在於不但有大量獨特罕見、品質良好、價格合理的古董設計師品牌服飾配件,如大量的GUCCI、LV包包及鞋子,HERMES領帶、PUCCI太陽眼鏡、BURBERRY風衣、珍貴的70年代YSL、CHANEL及Ossie Clark洋裝外,還會提供學生折扣、不定期舉行折扣特賣,在這裡永遠有5英鎊以下的超值出清品,讓妳不管任何時候都有驚喜的發現。

@BRAND名牌誌2006年2月號+Cynthia Tseng

Fashion @ LV旗艦概念店 洞洞包坐鎮

名模林嘉綺為LV台中旗艦概念店展示新款商品。記者高智洋/攝影

呼應春天來臨,LV新一季Monogram洞洞包使用輕薄的帆布,再利用雷射打出洞洞。全系列從2萬到6萬5,000元。記者高智洋/攝影

亞太地區第一棟獨棟自建MAISON的LV旗艦概念店,昨天在台中中港路揭幕,整棟3層樓、挑高的建築,以LV方格系列的編織格紋包裹,店內展示皮件、時裝、太陽眼鏡、珠寶、手表、鞋款等難見商品,LV Monogram Perforation系列今夏主力的「洞洞包」也首次曝光。

LV台中旗艦概念店規模僅次於紐約第五大道、日本六本木,23到25日對VIP開放,26日全面對外開放。LV所屬LVMH精品集團主席兼行政總裁卡思爾(Yves Carcelle)自法國飛到台灣,親自主持開幕儀式,在在顯示對於台中市場的重視。

百年來LV最經典的Monogram系列,這一季大膽地換上「洞洞裝」,並在內裡襯以色彩鮮豔的絨布,若隱若現出現在印有LV LO-GO的皮革之間,這些洞洞是在包包製作完成之後才打上的,展現精緻手工,共有橘、綠與桃紅3色,價格介於約3萬至7萬元間。

整棟樓地下一層、地上三層,展售空間約523平方公尺,店內到處展示超大LV旅行箱,見證品牌的傳統與歷史。一樓門面挑高4公尺,展示皮件與最新太陽眼鏡系列,地下樓為男士區,二樓則為仕女天堂,除了完整的女裝、女鞋,還有其他門市不易見到的珠寶與手表,頂樓則為超級VIP區。

LV這次特地展出目前全球僅一只的陀飛輪高級訂製腕表,消費者可依個人喜好量身訂製,另外展出的高級珠寶與飾品系列,包括LV替巴黎香謝麗舍專門店設計的珠寶,也是LV唯一一次針對區域性推出的商品。

卡思爾 炒紅奢侈股

主導LVMH集團16年的靈魂人物卡思爾,多年來成功營造LV精品形象,並為LV創造高經濟效益;這位曾經在LV曼谷店開幕時,當場大聲斥責一位帶著一只假LV包的法國駐泰辦事處官員,其熱愛品牌的言行令人印象深刻。

這位年近60歲的企業家,花了20年時間在業界打出名聲,他在1990年被LVMH精品集團總裁伯納?阿諾(Bernard Arnault)相中,從此改變奢侈品與消費者間的關係,並讓LV所屬的LVMH精品集團,股價在5年內上漲了34%,足足高出半導體業3倍,讓「奢侈品股」成為股市大熱門。許多專業人士分析,這情況將延燒好一陣子。

這位經營大王認為,傳統與創新絕對不能脫節,從卡思爾這位舵手手中,LV推出時裝系列,成功走出包包以外的另一片天。1997年卡思爾大膽延攬來自美國紐約的設計師Marc Jacobs擔任藝術總監,開出時裝與鞋的產品線,至今太陽眼鏡、珠寶和手表等商品相繼問世。他並把充滿前衛藝術感的元素,帶進這個百年皮件老牌,與其說Marc Jacobs大膽,不如說卡思爾更大膽。

@
http://udn.com+龔莉+2006/02/24 聯合報

Fashion @ 台中旗艦概念店開幕 LV總裁:讚!

Louis Vuitton全球主席及行政總裁Yves Carcelle(右二)和亞太地區行政副主席狄方華(Francois Delage,右起)、名模林嘉綺、台灣區總經理雷冠伯(Guillaume Thery)難得在台中相聚,一起擺出逗趣手勢拍照留念。記者唐郡威/攝影

路易威登(Louis Vuitton)全台第三家獨立旗艦概念店在台中開幕,說起台中消費者對時尚的品味與消費實力,昨天親自主持開幕典禮的LV全球主席及行政總裁Yves Car-celle直誇「全球有目共睹!」
Yves Carcelle指出,LV來台灣已20年,早在10年前就已進駐台中,選在此時在台中開全新概念店,自然是對這個城市的精品市場已有相當的把握。
說完,他指著一只在店內陳列的Tambour陀飛輪表說:「我知道很多鐘表玩家就住在台中,他們的消費力驚人,願意為了一只好表砸大錢!」LV並將全台尚未上市的迷你Tambour珠寶表和Perforation(俗稱洞洞包)搶先在台中展示。
令人矚目的是LV管理團隊的「三劍客」此次聯袂出席開幕典禮。Yves Carcelle溫文沈穩,是LV的掌舵人,也是內斂的典型紳士,能為台中旗艦概念店開幕共襄盛舉、逗趣演出,讓台灣LV的工作人員大呼感動。亞太地區行政副主席狄方華Francois Delage多年前曾經是LV台灣區總經理,由於台灣業績表現亮麗,職務也更上層樓。喜愛東方文化的台灣區現任總經理雷冠伯Guillaume Thery,則是台灣LV近年來快速成長的重要推手。


@ http://udn.com+陶福媛+2006/02/24 民生報

Fashion @ 秋冬女裝 華麗搖滾vs.優雅細膩


Emporio Armani的套裝腰身、肩線依舊是重點。美聯社

壞女人vs.好教養,是23日米蘭時裝周女裝的兩大角力,Gucci以華麗搖滾的「壞女人」(evil wom-en)對上Emporio Armani優雅剪裁,兩派勢力豐富多樣。
Gucci女裝創意總監Frida Giannini把2006秋冬女裝系列回到無邊界、富於創造力的搖滾年代,「每個人的流行意識不容低估」,Frida說,大量的華麗搖滾元素,讓系列服裝豪華、時髦,充滿活力。
Frida Giannini大量運用光滑的布料表現細節,讓女性的身體充滿活躍與自信,性感是Gucci永不放棄的精神。晚裝的線條延續春裝,寬口袖子、性感低V的領口依舊,但是比例更加誇張,配上不是寬版就是極窄的褲型。
Frida Giannini運用金色或銅色來襯托此一系列服飾,也有獨特的紅、紫及黑色。印花圖案運用老虎條紋的幾何圖案和生動的圖案,在閃亮布料上呈現游移的金色及光澤的黑色,而針織布上鑲有極細小的亮珠片,猶如身上有著華麗的流星。
Emporio Armani格外強調腰身和肩膀線條,上半身多以厚重卻閃亮的布料呈現女性專業質感、對應不規則裙襬的短裙,呈現細膩、華麗、優雅風格,有如好教養家庭女孩的風情萬種。


@鄭嘉蕙+ http://udn.com

2.20.2006

Arch @ 讓人感到驚喜的性格--卡拉卓瓦「雕塑變成建築」作品展


卡拉卓瓦(Santiago Calatrava, 1951-)出生於西班牙東部的瓦倫西亞,八歲時就開始在美術和工藝學校接受正規的基礎教育;1968年進入瓦倫西亞的高等技術建築學院,畢業後又在研究所加修城市計畫課程;1979年拿到瑞士的蘇黎世聯邦技術學院土木工程的博士學位。1983年他接獲第一個設計競圖工程——蘇黎世的史塔德哈芬火車站辦公廳。國際聲譽肇始於1984年,巴塞隆納奧運所委任的巴克迪羅達橋。從此之後,他的建築事業平步青雲。重要的代表作品計有雄厚壯觀的法國里昂機場車站(1989-1994)、大捲浪篷頂的西班牙珊塔克魯斯歌劇院(2003)、具有多重功能的雅典奧運總部 (2004)、日暮後彷如一顆夜明珠的瓦倫西亞藝術和科學城(2004)、將於2006年公開的瑞典瑪摩住宅大廈《扭轉的軀幹》等。在他所擁有的眾多獎項中,2005年又添加了一個美國華盛頓DC建築學院所頒贈的金牌獎。

當卡拉卓瓦利用動力學原理,為美國威斯康辛州的米瓦基美術館(the Milwaukee Art Museum)設計了一個可以開閤運作,如一隻大鵬鳥舉翅振飛的玻璃中庭後,米瓦基美術館的訪客人數立即躍升至50多萬。這個卡拉卓瓦在美國所樹立的第一個地標,不僅贏得《時代》雜誌「2001年最傑出的設計 」佳評,同時也成為他設計紐約世貿中心轉接站的踏腳石。已經破土,預定於2007-2009年間完工通行、將聯繫紐約和紐澤西的市區車站,也有著一個像飛鳥般的造型,卡拉卓瓦說它的靈感是來自於一個小孩放生一隻鳥兒時的瞬間動態。象徵自禁錮中釋放、凌空翱翔的意喻,貼切地為四年前紐約世貿中心的911慘劇畫上一個美麗的句點,為人們重新帶來希望和活力。除了看似翅膀又像魚鰭的透明車站外,卡拉卓瓦還為紐約南街設計了一個高250公尺、由一條垂直的主軸幹串接12個方塊錯開疊起如階梯的住宅大樓;而喬治亞洲的亞特蘭大交響樂團,也在最近委任卡拉卓瓦為他們設計一個音樂廳。


紐約市80號南街12個方塊住宅大廈。

短短數年裡,卡拉卓瓦在美國的因緣像連環炮一樣相繼迸發,威勢之猛烈,使得大都會美術館不得不在2005年的秋天為他舉辦一次個展。命名為「雕塑變成建築」的展覽內容除了以20多件大理石雕、銅塑、及12個建築模型,作為卡拉卓瓦的藝術創作和建築設計的主題外,還包括他長年累積的手繪圖稿,提供觀者一個近距離的角度,檢視卡拉卓瓦從橋樑、車站、機場等交通運輸樞紐,到摩登的公寓大樓等建築物,與他著名的飛鳥、豎琴、太空船、眼睛、波浪等造型設計間的結構組合關係,和他緊密聯結個人的雕塑藝術和公共建築的非凡創意。

時間的容器

從小卡拉卓瓦就立志作一個雕塑家,但在看到德國建築師凡德羅(Mies van der Rohe, 1886-1969)的作品後,便改變了主意。不過他對創作的熱情始終不減,總是在百忙中抽空,把他的平面圖繪整治為立體雕塑,接著又以它們為雛形,注入筋血氣脈,擴增成一個個龐碩的現代建築物。在這次的展覽裡,美術館出示了《眼睛》、《母與子》、《音樂之星》、《橋》、《鳥》、《水果》等多件卡拉卓瓦早年的雕塑作品,從其中可以清楚看出,卡拉卓瓦對等分數據的精確掌握,和他對彎弧造型的偏愛。事實上,彎弧線可以說是卡拉卓瓦最經常使用的創作語彙,除了橋樑外,我們還可以自他用穹窿圓頂作為外牆的比利時TGV車站、和畢爾包的珊迪克機場、里昂機場、上述的米瓦基美術館、紐約世貿中心的轉接站等一系列飛鳥作品中,看到卡拉卓瓦將流暢的動線造型,落實為磅礡建築物的獨具匠心。

法國里昂機場車站。

曾於千禧年出盡風頭的《時間的容器》,這回則是以它的黑色花崗岩原型列席亮相。1998年,卡拉卓瓦把他根據花朵、對折的方圓幾何造形,和達文西象徵宇宙運行的放射狀人體圓輪,所發展而來的球體雕塑,送去參加《時代》雜誌所主辦的「時間的容器」設計比賽,結果他的有機苞囊從來自12個不同的國家、包括名建築師莎哈.海蒂(Zaha Hadid)在內的48件參選作品中脫穎而出。接著主辦單位便以六萬美元的預算,將他的設計稿放大為長寬高皆是150公分、重達兩噸的不鏽鋼雕塑。

《時間的容器》可以對開成兩半,然後再對開成四瓣,上面的四瓣和下面的四瓣中間夾著栓片,能夠開閤折疊;每一個切塊都是空心的,八塊總計有50立方英尺的容積空間,裡面存放著CD、書籍刊物、超市的條碼、跑車的廣告、手機、電池、私人證件、毛髮的採樣、保險套、越戰英雄的紫心勳章、銅幣、蘋果的種子、減肥雜誌、家長手冊、Beanie充填玩偶、相片、狗牌、網路資訊、足球隊的運動服、停車票、健保卡、電話卡等代表21世紀時代精神的各式物件。密封後的大寶庫已交由美國的自然歷史博物館永久收藏,要等到一千年後才能開啟面世,這個集合了物資、記憶和影像的時間捕捉器,將是21世紀人類送給未來新生代的厚重見面禮。

琴韻淙淙的橋道

土木工程的學歷背景,是卡拉卓瓦在建築界裡出類拔萃的主要原因之一,紮實的專業智識,助長了他融合美感和機制,將直覺想像力和邏輯理性充份發揮的才華。最明顯的例子是他大膽張狂但優雅諧韻的橋樑設計。對卡拉卓瓦而言,橋樑的建造雖然有功能和安全訴求上的限制,可是仍舊有表現造型設計的空間,有時候是橋塔、鋼纜和橫梁的架構向度,有時候是取決於橋身懸垂的方式。他說:「我們可以賦予橋樑一個讓人感到驚喜的性格,使它們成為藝術作品、令人嚮往的事物。」於是卡拉卓瓦舉世聞名的不對稱橋樑,譬如為1992年西班牙塞維亞世界博覽會所設計的阿拉米羅橋、畢爾包的瓦倫坦步行大橋(1994-1997)、荷蘭阿姆斯特丹的哈里門密爾橋、橫跨法國羅亞爾河的奧林斯橋、美國加州海龜灣的日晷橋等,即成為他裝置於自然景觀中的大型戶外雕塑。無論是以傾斜的角度與水面拉鋸,或是翻轉起伏如波浪拋物線,這些看起來像是弦樂器線條組合、兼具力與美的長廊道,不但巧妙地克服了地心引力抗衡水平方位的困難挑戰,而且又以它們奇特的造型延展了人們的視野,並同時加強了濱水城市的地理位置,和天光水流的萬象動態。

新舊交替

年輕時就拒絕開車,至今不曾考過駕照的卡拉卓瓦,卻馬不停蹄奔波歐美兩地,設計了許多與交通系統有關的建築物。他雖然堅信手繪圖稿有一種電腦科技無法取代的視覺力量,能夠傳達人們對色彩、陰影、氛圍的直接認知,和自發性的審美感應,可是卻又表示:「傳統總是在持續發展的狀態中,因此你也可以選擇回頭,但我的基本建築理念是向前推進。」然而他又在近年裡回到瓦倫西亞老家,嘗試已傳承兩千年的古法陶藝,並於紐約的蘇菲亞女王西班牙語文學院同步開展。因此從今年開始,身兼建築師、藝術家、工程師、都市計劃學者的卡拉卓瓦,將再被冠上一個陶藝家的頭銜。或許就是在新舊交替、一進一退的緩衝過程中,卡拉卓瓦的極簡雕塑逐漸孕育成熟,最後變成為令人欣喜雀躍的現代建築物。


+ 卡拉卓瓦「雕塑變成建築」作品展
+ Santiago Calatrava: Sculpture into Architecture
+ 展地◎紐約大都會美術館
+ 展期◎2005.10.18-03.05
+ 相關網址◎大都會美術館:
www.metmuseum.org
+ Santiago Calatrava:www.calatrava.com

@劉明惠+典藏今藝術2006年2月號

2.19.2006

Design @ 「neon」 Design by Naoto Fukasawa








「au design project」2006年第5彈「neon」 Design by Naoto Fukasawa深澤直人

neon的基本理念以“摺疊了一塊板的形式為概念”為出發點,把板子分為兩片,再把它重疊在一起,就變成了一支simplicity的摺疊手機,方整的積木外型,初看到會以為是一塊積木,但當打開是一支手機,令人愛不釋手,手機外觀上搭配LED,背面16段的紅色LED配置,郵件來信和FM無線電的頻率,時刻等的文字會有不同的LED花樣浮起,創造出不同的視覺效果,整體方方整整表現出,看似沒什麼設計,但"平的四角形”表達出極簡風格,附有禪意的設計,堪稱"ZEN-DESIGN"的代表作之ㄧ。所以,越是平凡不起眼的幾何造型,越能表達出精鍊的設計,讓我想起密斯的"LESS IS MORE"這句話,越是我們忽略的事與物,當她散發出他的光芒時所釋放出的能量,是我們無法估計出來的震撼。
 
+ 詳細規格
+ au design project
+ au design center

@au by KDDI + itmedia

2.18.2006

BookDesign @ THE CULT OF MAC

一群MAC的愛好者,封面設計搭配這個背景照片形容的真好,不知道台北的MAC迷哪時會以這樣的造型出現在台北街頭中走動,期待中^^

@ Amazon.co.jp

2.17.2006

Arch @ Omotesando Hills in Tokyo ( 安藤忠雄)

Omotesando Hills in Tokyo (日本澀谷區表參道)

(設計理念 : 都市的記憶 by 安藤忠雄)

「表參道HILLS」的前身是知名的建築「同潤會青山公寓」,於1927年興建,是當時最現代的建築物。日前由於老舊不堪,森建設公司特地聘請知名的安藤忠雄建築師重新設計,並於2003年8月動工,建設費189億日圓。

日本首相小泉純一郎在二日的開幕典禮上致詞:「出生前,我父母就曾住過同潤會青山公寓,希望這裡能變成足以誇耀世界、並傳遞流行資訊的新街道」。

安藤建築師表示:「新建築物的完成彷彿表參道又多出了一條街道,希望由這裡向世界傳遞出最新的流行資訊」。

入夜後的「表參道HILLS」約兩百五十公尺長的外牆有光雕設計,利用發光二極體(LED)設計讓情侶們的腳步可大大的輝映顯現,預料這裡將是2月14日西洋情人節的最佳去處。








表參道Hills開幕 湧進大量人潮

日本各大媒體競相報導甫於2月11日開幕,位於東京澀谷的「表參道HILLS」(Omotesando Hills)開幕盛況,這棟複合式建築由名建築師安藤忠雄打造,內部有高級名店、住宅,營業目標訂在一年吸引一千萬名顧客上門。

2月11日也就是日本建國紀念日開幕這一天,估計至少湧進四萬人,原定上午11時正式營業,但由於排隊人潮太多,業者提早15分鐘開門。等待已久的消費者蜂擁而入,跑步搶購限量商品,但店外仍排滿擠不進去的人龍,周遭交通大受影響。


業者表示,初期營業目標為一年吸引一千萬人上門,並能締造營業額一百五十億日圓的佳績。位於東京澀谷的「表參道HILLS」設有世界知名品牌的服飾、珠寶等專櫃店、藝廊、餐廳等九十三家店鋪,另外也有三十八家住戶,面積共134061平方米,其中地上3層及地下3層規劃為商業區,地下有可容納216輛車的停車場。







表參道同潤會公寓的記憶將被安藤忠雄取代 +

同潤會公寓可以說是二次世界大戰前後,代表日本昭和時代最有力的建築物之一。1923年關東大地震的震後復興計畫一環,有別於獨門獨棟的住家,為日本第一批集合式住宅,其中成為表參道(澀谷區神宮前與港區北青山地區周圍)代表景觀的同潤會青山公寓(東京都澀谷區神宮前4-12)於幾年前結束了其歷史使命。

同潤會公寓建於1927年(昭和2年),1970年代前就有重建的計畫,但由於居民的反對而作罷,經過長達8年的協商在2002年達成重建的協議,儘管建築物已日趨老朽,但由於其作為歷史景觀具有獨特的價值,不少民間團體大力疾呼要求保存,所以協商花費了不少時間,日本因為在到處都是具有保存價值的歷史建築而往往在新舊之間產生許多紛爭,歷時如此之久的協商過程可能跟禎文彥當年的 Hillside Terrace 一樣該被收錄到教科書裡頭吧!

作為神宮前4丁目地區的再開發規劃案之一部分,同潤會公寓解體後,約6000平方米用地和一部分居民入住的森大樓將被建設成為集住宅和商業功能為一體的綜合大樓。施工總預算約170億日元,由安藤忠雄設計。

安藤忠雄說︰「對現存建築進行外牆翻新及最大限度地利用地下空間,以便盡可能保留已銘刻在人們記憶深處的景觀。控制地面建築的體積,重視與臨街的光葉櫸樹的協調,希望成為都市的一道新風景線而流傳於世。」



再開發組合的計劃是住宅分西樓(地上3-4層)和東樓(地上4-6層),計劃住戶為38戶人家。該設計案的特徵如下:

1.設施的上層為住宅區,確保充足日照和居住環境的寧靜。
2.商業區的店舖一半設在地下,保留中間地帶,以便采光。四周採用螺旋狀坡度設計與表參道的坡道相呼應,演繹新奇多變的都市風情。
3.重視景觀、街道的協調性,地面高度計劃為5層(住宅的一部分為6層)。建設與光葉櫸樹相和諧的寧靜的街道。
4.綠化外部四周和屋頂,和從明治神宮延續至表參道的櫸樹林蔭道相映成趣,創造綠色環境。

建築物是鋼筋混凝土製,同潤會公寓的一部分將被復原。另外,建築物的高度不超過表參道的林蔭樹的高度也是它的一大特點。(地面高度限制部分將轉移至地下,計劃挖掘到6層),在丸之內、品川、六本木等地摩天大樓相繼聳立,地區歷史景點不斷消失之中,為了維持當地特有的風貌和氣氛的此開發項目值得借鑒。除了屋頂花園之外,在環境保護方面所採取的措施還未加公開,請大家拭目以待2006年1月竣工的那一天吧!

表參道不僅是流行中心,而且也是東京都內屈指可數的美化地區。世界一流名牌(古奇、香納兒、路易威登等)紛紛落戶表參道,也與此地美麗的歷史景觀有關吧。有關部門制定條例,禁止在此地區開老虎機行和色情館所,當地居民動手開展日常清掃活動,正是由於高度重視地區文化的居民和商店的努力,景觀才得以保存。隨著同潤會公寓的消失,新的地區象徵物的出現也是大家關心的問題。



+詳細建築資料

+森集團 Mori.co

+Omotesando Hills

+
同潤會青山公寓重建相關資料

@準建築人 + Omotesando Hills + Mori

Food @ 新都里 正統懷石 精緻優雅

吟竹聽風,壽司台巧妙融於景中。記者陳立凱、陳再興、徐世經、黃義書/攝影

櫻花掩映生魚片,是美的饗宴。記者陳立凱、陳再興、徐世經、黃義書/攝影

特性︰正統懷石精緻優雅風格︰禪風美感朱宗慶最愛︰生魚片 鮮腴可口

「新都里-瀧四店」最讓朱宗慶欣賞的就是整體優雅精緻的氛圍與服務。經過錦鯉池踏進透明地板鋪成的「雲台」,深木色空間基調中,迎面而來的是三邊環繞的竹林,充分展現「瀧月流光、吟竹聽風」的意境。而隱身在竹林間的壽司台,座位相當寬敞舒適,所有食材、刀具、器皿井井有條,一目暸然,衣著整潔的師傅與侍者,親切有禮地等著為客人服務。

這裡走的是正統懷石路線,餐具與盤飾都充滿禪風美感。櫻花枝旁的「綜合生魚片」,鮮腴柔潤不在話下,朱宗慶喜歡配著大吟釀享用。「慈菇牛肉」將慈菇炸成近似洋芋片的口感,配上慈菇泥和燒牛肉,集脆爽嫩於一爐。「手工豆腐」用的是每天研磨的德國有機黃豆漿,師傅現場澆上藻鹽滷,5分鐘後就成了細緻香甜的豆腐,吃原味或者沾醬料都很棒。

店裡還有各種規格的包廂,有的可以觀覽魚池,有的靠近枯山水庭園,在此用餐的確讓人心曠神怡。如果真的喜歡店裡的風格,陶瓷展示區有各種雅致的杯盤壺盞,可以讓你將這股簡約禪風打包帶回家。

@http://udn.com+錢欽青

Culture @ 義大利經典時尚 50年風貌演變

義大利時尚王國半世紀典雅風貌巡迴全球展覽,明日起於台北市當代藝術館展出。 陳宏佳/攝影
時尚就是生活!台北當代藝術館更換經營團隊後重新開張,第一檔展覽即以「時尚」打頭陣,推出〈時尚義大利--義大利經典時尚50年〉展覽,從歷史演變介紹義大利半世紀以來的時尚風貌演變,也從高級訂製服與成衣來看時尚風潮,更展出亞曼尼、古馳、凡賽斯、范倫提諾等名牌的經典設計,向義大利的時尚設計師致敬。
此檔展覽由台北市立美術館策畫,新改組的台北當代藝術基金會執行完成。當代館新任館長賴香伶表示,未來當代館將以「當代美學」、「城市空間與建築」、「創意設計」、「跨領域創作」為策展方向,目前除了〈時尚義大利〉,館內還展出〈當代風景展〉,展出國內當代藝術家的創作。
〈時尚義大利〉呈現1950年以來的義大利時尚發展,義大利原以細緻的布料與縫紉手工著名,但最早義大利時尚也曾和廉價、仿冒品劃上等號,專門模仿法國時尚品味,經過一連串時尚品牌優質形象重塑及設計師的努力,歷經50年發展成現今面貌。北美館館長黃才郎表示,現今時尚與前衛藝術的關係早已發展到淋漓盡致。
此展由義大利加拉加諾工作室策劃,策展人Fiorella Gal-gano與Alessia Tota皆是時尚記者出身,Galgano指出,早期義大利畫家拉菲爾、米開朗基羅都曾為教宗設計服裝,後來的重要畫家更常為女皇或宮廷侍女設計服裝,現今不少時尚設計師也跨出服裝領域,跨行藝術創作,因此時尚與藝術的淵源其來有自;而50、60年代高級手工訂製服更是獨一無二,每件都是藝術品。
義大利時尚半世紀分成男裝、女裝、品牌故事和時尚配件來介紹,女裝又從「高級訂製服」和「成衣」兩區塊來呈現主題,展出不少早期製作訂製服的舒伯特(Schuberth)、卡迪諾尼(Gattinoni)等設計師特別為電影女主角打造的戲服。而亞曼尼、朵伽迦巴納、古馳等名牌成衣及好萊塢女星鍾愛的高級女鞋Salvatore Fer-ragamo都在展出行列。展覽自18日展至6月4日。


@ http://udn.com+劉郁青

2.15.2006

Culture @ 鈴木忠志鼓勵發展自我文化特色

日本劇場導演鈴木忠志以主題「在全球化時代當中文化是什麼?」首度來台演講。 記者林弘斌/攝影

日本著名劇場導演鈴木忠志昨天說,全球化、資訊化時代,「非動物性能量」的使用大於「動物性能量」,人與人溝通不依賴口傳或身體接觸,而係透過電子、電器等媒介。溝通看似便捷順利了,但人際關係事實上倒退、陌生化。他認為,戲劇是少數必須堅持使用「動物性能量」表現的文化內容之一,全球化的時代,文化差異更重要,戲劇作為文化特色因其堅持的動物性能量,而更能抵抗全球文化同質化,「永遠有人會回到這個本質」,戲劇也就能繼續存在下去。

鈴木忠志應日本交流協會邀請來台進行生平首度訪台之旅,昨天於台北藝術大學演講「在全球化時代當中文化是什麼?」。鈴木原本預定只講15分鐘,隨即開放發問,但透過翻譯,比預定時間稍長;他也說,想多一點發問是因為想知道更多台灣情況,包括他非常羨慕台灣有北藝大這樣的藝術大學,在日本,藝術大學只有視覺與音樂系,沒有表演藝術系。

鈴木闡釋他的「動物性能量」觀點指出,石油、燃媒、電子科技這些東西是非動物性的,身體、器官、語言是動物性的;非動物性能量愈多被認為愈文明,反之則不文明。但非動物性與動物性能量應該有分別扮演的角色,動物性能量如果加以鍛鍊、昇華,即形成文化特色,不同人種、民族、區域的動物本能不同,發展出來的文化即各有差異,這就是文化可貴之處。因此每個國家地區應根據自己的傳統發展出自己文化特色。

鈴木說,二、三千年來人類使用「身體」這個動物性能量發展戲劇、舞蹈、表演,這是人際溝通很重要方式,也是豐富人類文明一大貢獻。當全球都迷戀非動物性工具,政治人物尤其熱衷,我們更應該告訴下一代,人是什麼?人的動物本能是什麼?這是活在現代社會找出差異性的重要功課,也是全球化時代文化的重要課題。

鈴木說,東西方面對文化態度不同,西方是學習借鏡,東方卻往往全盤置換掉。全球化時代由於經濟與文化滲透,彼此差異愈來愈小,但戲劇反而更要思索這些差異;只要深入挖掘,動物性能量的呈現一定不同。他說,他珍惜戲劇,因為只要戲劇存在一天,人與人之間直接的溝通就存在,這不是任何電子產業可以取代,也是他至今仍愉快地從事戲劇的根本信念。

@紀慧玲+
http://udn.com

2.14.2006

Culture @ 當代館時尚義大利 走出時空伸展台

將於2月18日開展的「時尚義大利:義大利時尚經典50年」,將把台北當代藝術館佈置成米蘭的街道,展現文藝復興風格的走秀場。

展場設計邀請到近年在設計領域極其活潑的實踐大學工業設計系任教的程文宗,他是義大利米蘭布雷拉(Brera)藝術學院建築碩士,為義大利文學大師伊塔羅.卡爾維諾(ItaloCalvino)的學生,他也擔任近年台灣最爆紅的時尚雜誌《La Vie》藝術指導,更常透過藝術創作與建築設計,來實踐自己在21世紀仍是文藝復興人的角色。

程文宗的藝術觀點在其著作《游離文件》中,清楚地表達「抽離與游移」的趨勢,他認為概念性的思考解讀實質空間,以及由文學的想像來認知城市紋理與人文歷史,是相當有趣的途徑。對於在當代藝術館這座日治古典建築將展出「時尚義大利」,他說:「透過抽離與游移中,我再回文藝復興的米蘭街道,透過服飾來窺望時尚的走秀。」
程文宗常藉由看建築、看街道、品味藝術與美食,回頭豐富創作的視覺內涵,並長年往返義大利領略最新藝術時尚。因此由他來把玩這場「時尚義大利」的展示,可說是藉「空間符號」來為台灣民眾展現對義大利時尚的認知。

由於被認為是個從古老繪畫中走出來的文藝復興人,程文宗藉精通義大利歷史文化精髓與喜愛巴哈的賦格音樂來悠遊時空,被譽為就像是義大利的老祖宗達文西般,是個多才多藝的設計師,他閱讀建築,同時也書寫空間;也從建築師卡羅.史卡帕,理解服裝設計師山本耀司,又從雷諾汽車談到文學家羅蘭巴特的作品;實踐大學建築系副教授李清志打趣說,程文宗於研究義大利歷史文化期間,顯然被某個文藝復興的幽靈所附身。

而義大利名牌近年對台灣民眾的誘惑又日趨白熱化,這位具備文藝復興人骨氣與品味的設計人,為我們提出一個窺視「義大利」的時尚走秀場。

在這次設計中,當代館二樓走道將化身為米蘭的文藝復興式老街,因此拉斐爾與米開朗基羅的畫作躍為主題,藉此隱喻台灣民眾由此進入羅馬文化的演進。

他說:這次時尚義大利展,是藉服飾與飾品來理解義大利從戰後的蕭條到塑造名牌的過程,意義在於體會從地方的傳統產業轉化為世界性的文化創意產業,更塑造出「Made in Italy」的設計價值。

從手工到量產、從費里尼電影的訂製服飾到今日高級成衣,時尚義大利的展品,程文宗將之以「模特兒走秀伸展台」來串連,只是透過抽離與游移思維的大挪移,他以「時空伸展台」讓展出服飾置於觀眾席,走秀者反而是來當代館的民眾。他認為,此次設計展場,是以時間伸展台讓台灣民眾認識義大利,藉由逆溯虛擬時空情境看到文化創意產業意義。

@丁榮生+news.chinatimes.com

Fashion @ 藝伎風》和風罩袍 性感擺第一

把Kimono罩袍扯下一邊,效法日本藝伎露出最性感的頸線和肩線。Kenzo/提供

日本Kimono的單品,也是這一季的必Buy單品之一。這一季的和風罩袍,其實款式是介於英式風衣和日式罩衫之間,以往風衣不時興繫緊腰帶,不過這一季的風衣則是特別刻意強調腰線,並且要不經意地露出後頸、肩部的線條,多少也是為了呼應東方人對女人身體的審美觀。
日本藝伎雖然全身包裹得密不通風,唯一裸露的身體部位,即是後頸和一部分的肩線,因為在日本男人眼裡,後頸和肩部的線條是日本藝伎最性感的身體曲線。一款Dolce & Gabbana的紅色和風Kimono罩袍,就刻意讓一邊的肩袖掉下來;Kenzo一款針織和風Kimono罩袍,也是敞開前襟、讓一邊的袖子自然垂墜,十分性感。


@陶福媛、鄭嘉蕙+ http://udn.com

Fashion @ 藝伎風》花朵刺繡 日式圖騰應用廣

日本和風印花布洋裝,色彩繽紛但不減優雅。Blumarine /提供

放眼這一季的Dries Van Noten、亞曼尼 (Giorgio Armani)、Comme des Garcons等,也可找到東洋風的影子。近幾季設計風格充滿濃郁東方味的亞曼尼,持續從東方的花朵刺繡和強調女人腰身的剪裁擷取靈感,開高叉的緊身晚禮服,外搭和風花朵刺繡的Kimono罩衫,十分東方味。
日本和風的印花圖騰,也散見各家時尚精品的服飾作品當中。例如Blumarine、Diesel等,都大量運用以日本菊花為設計主軸的和風印花布料。古馳 (Gucci)本季也以日本祥鶴為印花設計繆思,風格優雅而內歛。


@陶福媛、鄭嘉蕙+http://udn.com

Fashion @ 浪凡 簡化主義當道

浪凡本季以東洋藝伎為繆思,小洋裝精繡蘭花、腰繫日式腰封,十分唯美。Lanvin/提供

中性的時代,已經過去了。女人,就應該要有女人味,就像「藝伎回憶錄」中的藝伎一般,勇於追求美,也勇於追求愛情。華服美裳,是女人最珍貴的資產;時尚品味,則是女人擄獲男人真心的不二法門,日本藝伎之美,訣竅就在這裡。
浪凡(Lanvin)本季就以日本東洋風為設計主軸,日本寬鬆罩袍(Kimono)、寬版腰封 (Obis)和東方味濃郁的蘭花,串連整個設計。一款秀場上壓軸的短洋裝,以亮片和珠飾精繡大朵蘭花,腰際繫上寬版腰封,勾勒女人的腰身,纖細而優雅,多少呼應了日本藝伎身上的華麗和服之美。
浪凡設計總監艾爾巴仕(Alber Elbaz)在巴黎時尚周結束後,於後台接受記者訪問,他表示,他這一季的作品所要倡議的服裝哲學是「簡化主義」(Minimalism),因為現代女人太忙碌了,在家要當個好媽媽、好太太,出外又要做個女強人,因此浪凡這一季的服裝作品幾乎沒有扣子,而以日本腰封和拉鍊來代替,因為扣扣子要花太多時間了。
「穿上寬鬆的Kimono,把腰封一繫、拉鍊一拉,就能迅速著裝出門!」艾爾巴仕笑說,設計一件讓全天下的女人都愛穿的衣服,即是他心疼女人的最好方式。


@陶福媛、鄭嘉蕙+ http://udn.com

Fashion @ 植村秀 法式甜點腮紅

法國甜點蕾絲紙包裝的粉櫻花限量腮紅

走向越來越國際化的職村秀,連歐美女明星的相當喜愛這個品牌的彩妝,今年春天推出法式甜點專用的蕾絲鑲邊紙限量包裝彩妝品,有別於以往極度專業但卻有些單調的白色透明包裝。

@仝澤蓉+http://udn.com

2.12.2006

Arch @ Dior Building in Tokyo


famous dior architecture
Originally uploaded by Yuki.
時尚的外皮
Design By 乾久美子

Fashion @ Kenzo法式貴族氣派


如果要數日本最具名氣的設計師,必定會想起高田賢三,因為他是首位進軍巴黎時裝界的日本人。70年代由他所統領的Kenzo,雄踞時裝界,風頭一時無兩,無人不識,無人不愛。可惜時移世易,現其受歡迎程度已遠不及Issey Miyake…… 為了挽回領土,Kenzo不斷改朝換代,尋求突破。而最近,Kenzo終於有突破性的新搞作,不少時裝雜誌紛紛以其新裝大做文章,令時裝界又再重新留意此名。風起雲湧的背後原因是Kenzo另找猛將,在總監Antonio Marras的領導下,成功引來各界關注,一洗昔日頹風。而在全新陣營下,氣派十足的秋冬時裝系列,又一次在鎂光燈下發放一幕幕令人難以抗拒的魅力。


Marras令Kenzo起死回生

 自2003年加入由設計大師高田賢三創立的Kenzo後,Antonio Marras以Haute Couture的創作,再次提升Kenzo的知名度。他之所以受到時裝界普遍的讚賞,就是他既將Kenzo的傳統特色保留,亦同時加入自己原有的風格,令Kenzo在新舊元素的撞擊下,誘發出無限驚喜。久而久之,他的名字更升級至殿堂級位置。日前,Antonio Marras更首度來港,他除出席國際金融中心的旗艦店開幕外,還帶同最新的秋冬時裝,亮相人前。

時裝show華麗貴氣

 用「華麗」二字來概括Kenzo的05年秋冬服裝,最適合不過。大會為了配合時裝show的華麗感覺,在會場的每一角落都布置得華麗堂皇。當嘉賓進入大堂時,眼前竟呈現一座巨大花園,花園內的植物,無論形態和線條均與會場環境互相協調,令在場賓客都不禁稱讚設計者的布局心思。當花生騷開始的一刻,先有模特兒在進行狩獵、馬球和賽車活動,但當鏡頭一轉,又是另一番景象。巨大的洋燭如瀑布般垂下,花邊吊燈、彩色玻璃和耀眼的鑽石裝飾,營造出華麗和貴族氣派。在這個灑遍秋冬色彩的花園?,也等同Kenzo在05年最新的秋冬系列,透過翠綠、朱紅、青銅、青芥、泥黃、銀色、金色、烏黑和翡翠等五彩十色,綻放出無盡繽粉。

以情與結營造風格

 於服飾方面,由縫紉和色丁組合拼湊成的衣裳、塔夫綢、繡花錦緞、提花織物,配以印花圖案、阿拉伯式花飾、茄士咩幾何圖案和裝飾藝術,均充滿60年代的懷舊風格。每一件的服裝設計都耐人尋味,令整個花生騷展現?一幅洋溢幸福城堡的瑰麗畫面。一直求變的Marras,雖然在時裝界上不斷尋求突破,但他的心依然植根於Sardinia的家鄉。「我最欣賞Kenzo的地方,在於它的現代感和多姿多采的感覺。我最愛以個人風格去配搭它的服飾。所以擔任設計師一職,也是一份情與結,一種真正的挑戰。」

@司華力+singpao.com

Fashion @ Kenzo糅合傳統文化 創作總監立下新論


時裝傳媒愛以「民族色彩」、「民族服」來形容法國時裝品牌Kenzo,這個說法縱然普遍,但不代表百分百全中。日前,Kenzo第三代設計師Antonio Marras來港出席品牌的秋冬預展,為品牌重新立下定論,他說「民族」二字太狹隘,反之「糅合傳統文化」才是品牌的根本。

從事藝術創作的,多少帶點脾氣。Antonio Marras接受本報專訪前,原來已進行了兩個以上的訪問,緊密的行程和工作,疲態和煩躁盡寫在面上﹔但只要話題落在他喜歡的創作事業上,這位天才設計師還是滔滔不絕,耐心講解設計的點滴。

憑天分踏上時裝路

說Antonio Marras是天才設計師,原因是他從沒接受過正式的時裝設計課程,他只是自小在祖父的時裝店成長,因而踏上時裝路。1996年,Antonio Marras設計了一系列高級訂做服﹔1999年,他以個人名義推出Laboratoire女裝,以華麗、飄逸、充滿民族氣息的風格見稱。但數他事業上的一個高峰,則非2003年獲LVMH集團邀請,出任Kenzo藝術總監一職,主理Defile系列(法文解作花生騷)。Marras的時裝路如此暢順,證明外界肯定他的創作天分。擁有如此驕人成績,他有何感覺﹖他只是聳聳肩,謙虛地說﹕「有些人需要學術的支持讓自己得到成長(時裝知識),而我可能屬另一類,我是由心而發,從事時裝設計可能是一種呼喚吧。」記者追問,這即是天分﹖他即連聲說「no﹗no﹗no﹗」不易於滿足,大概是自我成長的推動力。

民族只是元素之一

有說Kenzo和Antonio Marras的個人同名品牌Antonio Marras有?一個共通點,便是同樣散發?濃厚的民族情懷,風格別樹一幟。對於民族這個形容詞,他卻不大認同,認為「民族」風格太局限,正確來說,應該是「糅合傳統文化」,「民族只是其中一個元素,我會抽出不同文化的精髓,加上花卉、圖案、條紋等元素,混和一起再重新組合,運用心思設計出另一面貌,這才是Kenzo的風格」。Marras對品牌有這樣的見解。那Kenzo和Antonio Marras的分別何在﹖他即耐心解釋,謂Kenzo擁有廣闊的世界觀,融合成獨特的色彩﹔個人品牌Antonio Marras則展現了意大利小島Sardinia(他的出生地)的手工藝和紡織業的傳統工藝。

為Kenzo撥開雲霧

Kenzo在80年代紅極一時,至90年代卻沉寂下來,Antonio Marras在2003年接手Kenzo後,第一個作品是2004年秋冬系列,作品在米蘭時裝展演出後,獲得一致好評,為Marras注下強心針之餘,亦為他帶來不少壓力。究竟接手這項任務,遇到什麼挑戰﹖Marras說﹕「品牌曾經紅極一時,現在卻被人忽略了,恍如被迷霧遮住,希望自己可以讓品牌撥開雲霧,再度在國際時裝舞台顯露出來。Kenzo的設計大方向,既保留創辦人Kenzo Takada的精髓,同時結集時尚和流行元素,叫大家肯定它的地位。」Marras以堅定的語氣回答。

計劃遊越南和西藏

至於品牌發展,Marras並不如一般生意人般滿肚密圈,只專注女裝的創作,「將來的事不知道呀,大都是跟女裝項目有關,說不定會推出其他副線。」問他下一個目標時,他則有明確的回應。他說旅遊是他的一個計劃,其中包括越南和西藏,「我只從書本和電影看過這兩地的資料,但已非常吸引我,我希望在這兩地被現代文明改變前遊覽一下。」這兩片土地之吸引力,與其獨特的文化和特色有關吧﹖心事被看穿,Marras笑?回答﹕「對。」


Kenzo小檔 80年代當紅 90年代沉寂

Kenzo在70年代由日本設計師Kenzo Takada(高田賢三)創立,較川久保玲、山本耀司更早拓展巴黎市場,是第一個進軍巴黎的日本設計師。品牌在80年代紅透國際,到90年代卻沉寂下來,後高田賢三把品牌賣給LVMH集團,在1999年宣布退休,創作大權交由助手Gilles Rosier接棒。2003年,LVMH集團宣布由Antonio Marras出任創作總監。

@史維達+梁小玲+
明報

2.11.2006

Arch @ Ban's Nomadic Museum Opens in Santa Monica



After spending much of last spring in New York, Japanese Architect Shigeru Ban’s Nomadic Museum, a temporary art exhibition space, opened on January 14 next to Santa Monica, California’s historic pier. The museum contains a traveling show called Ashes and Snow, featuring large-scale photographic works by artist Gregory Colbert.

The museum is composed of 152 steel cargo containers stacked and secured in a checkerboard pattern 34 feet-high. The exhibition was packed into 12 of those containers as it traveled from New York. The remaining containers were borrowed in Santa Monica, along with recycled paper tubes for the roof and reusable wooden planks, and gravel and sand for the floor. Most of these elements will be recycled after the show.

The Santa Monica Nomadic Museum design team includes Ban, who is the principal architect; Gensler, the associate architect; the RMS Group, the general contractor, and Arup, the structural engineer. The 56,000-square-foot museum will be disassembled and then reconstructed as the show travels to other destinations including Tokyo, Berlin, and Paris. The Santa Monica exhibition will be on display through May 14.
This iteration of the museum will include a large column-free theater space and a bookstore made entirely of paper. The theater will continuously show a film by Colbert. Varying sizes of stackable cardboard tubing serve as stools for visitors watching the film.

@archrecord.construction.com+Sam Lubell

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