在台灣遇見伊東豊雄@People

建築就是界定人跟環境的關係 建築大師伊東豊雄和台灣的關係密切，主持包括高雄世運主會場、台中大都會歌劇院與台灣大學社科院新大樓等三建案。伊東豊雄自由奔放、充滿生命力的流動線條結構，未來可望成為台灣新建築代表。

撰文／謝光萍

三月十四號星期五的晚上，北美館的大廳擠滿人潮，每個人仰頭枯站兩個小時，看著模糊的視訊轉播，不時寫著筆記。這場景不是熱門偶像的演唱會，而是日本建築師伊東豊雄的演講。

近年來建築成為新顯學，是因為它反應了時代的慾望，成為生活表徵。而建築大師伊東豊雄和台灣的關係尤其密切。他在台灣北、中、南各有高雄世運會主會場、台中大都會歌劇院與台灣大學社會科學院新大樓等三個建案，前兩者即將在二○○九年落成。未來談起台灣的新建築，除了高聳的台北一○一大樓，伊東的作品可望成為新地標。

模糊界線　與自然共生

伊東豊雄建築的最大特色，就是具有生命力的流動線條和結構。他認為建築要派得上用場，就是能讓人入內感到舒服，就算面對不同空間需求的設計案，唯一的共同命題就是界定人跟環境及自然的關係。

擔任台灣大學社科院「在地建築師」、協助伊東發展設計細節的建築師邱文傑認為，就像鄰家歐吉桑有著可親近氣質的伊東豊雄，每個作品都希望遵循自然的法則，所以總是盡可能地拒絕一分為二，讓界線模糊化。「從他的作品，你可以看到一種純粹，你可以看出他很在乎人們怎麼生活，」邱文傑剖析。

要重新界定建築和自然的關係，伊東靠的卻是人工智慧─電腦設計演算法，是指在座標圖上，由數學邏輯來控制點的運動。在《伊東豊雄的建築冒險十則》中，伊東說明他喜歡設計演算法的原因，因為它就像作曲，透過規則將一個音調定下，然後在某個框架上，一點點地去調整移動，在「安定」中製造一種「不安定」。伊東認為新世紀建築必須擁有「做出不安定狀態」的企圖。

而透過設計演算法所做出的建築線條，不只是將大自然裡的樹枝、葉子等不規則線條，轉化成便於建築物使用的幾何線條，它的本質也和大自然的法則相似，依循一個固定的邏輯，從一個點開始，然後延展開。

電腦演算　還原自然邏輯

舉例來說，在東京表參道上的精品店Tod's，伊東就把店外行道樹櫸木樹枝的剪影放入座標圖，透過數學邏輯，不斷地在圖上重疊剪影，再依照這個圖樣設計建築物的結構與外觀。如此一來，Tod's的牆就像是由一根根樹枝組成，和街道上真實的櫸木相互輝映。

負責世運主場館的在地建築師劉培森認為，伊東豊雄和其他建築師最大的不同在於，他有很強的結構與系統技術，這讓他除了具備一般設計師的觀察力，更能全方位實踐自己的意志，並追求細節的完備。「真誠親和的人格特質也是伊東的優勢，他從來沒有身段，總是誠懇地與人溝通，這讓他不僅可以成功率領一個平均年齡不到三十歲的團隊，也能說服業主採納他各種前衛的提案，」劉培森說。

「不論多好的設計案，都必須在連影子和形體都不存在的階段去說服對方，所以建築的表現包括了思想意象和技術的傳達，」伊東在《伊東豊雄建築論文選：衍生的秩序》裡再次強調溝通的重要性。體育界常用的「意象訓練」，藉由在腦海中不斷想像某動作，使比賽時能順利表現；運用在建築上，伊東透過此概念說明來創造意象，並和業主、工程師、居民建立相同的願景。

追求自由一向是伊東建築的信仰，他認為，一旦被形式左右，人類的生命力與豐富性等特質就會流失。那麼能夠享受自由的建築會是什麼樣子？這賦予他創造建築的衝勁與原動力。可以期待不久的將來，台灣老百姓不用買機票飛到東京，也可以親身感受到伊東豊雄的自由建築。

@Source: 2008.04.15 數位時代電子報

安藤忠雄：孤獨，也要讓夢想開花@People

去年6月9日，他在台北小巨蛋的演講創下史上紀錄，1萬3千名聽眾入場，另有1萬多人報名未能如願入席聽講，成為日本社會與全球建築界的話題。他，是全球最多人風靡，且仍活躍於各地的建築大師--安藤忠雄（Tadao Ando）。

文／藍麗娟　特約攝影／謝進益

出身貧困、高工畢業的安藤忠雄；他自學建築，54歲榮獲建築界諾貝爾獎之稱的普立茲克獎（Pritzker Architecture Prize）肯定；他的奮鬥歷程，就是一條追尋夢想之路。

「在日本的菁英教育社會裡，我是個走不同路的人，」3月時在日本，安藤忠雄向從台灣來的196位建築愛好者演講時說。

從興趣中找到夢想

在日本這個學歷至上的國家，大多數人直到上大學，才有機會摸索自己的興趣是什麼？尋找可能的夢想。

但是，安藤忠雄不然。

1941年，安藤忠雄在大阪出生，從小由外公外婆養大。後來，外公過世，安藤忠雄與外婆必須獨立生活。因此，當外婆開了雜貨店，他就幫忙顧店。每當鄰家的木匠帶著設計圖出入，不僅會跟他玩，也會教他削木頭。懵懂之間，安藤忠雄覺得很喜歡用木頭做東西的感覺。

13歲時，安藤忠雄與鄰家的木匠合作增建家裡的二樓。當他在幽暗的長屋開了一個天窗，第一次，他體驗到自然光線的魅力，小小心靈中，愛上建築。

隔年，當鄰家有個失怙少年需要地方住，安藤忠雄自己設計施工，為少年蓋了一個7坪大的加蓋小屋。第一次，他興起自己的夢想：從事建築業。

發現夢想並不容易；但是，該如何去做，努力實現夢想，卻是大的挑戰。

國中畢業後，安藤忠雄遇到第一個夢想的阻礙。當他決定進木工工廠工作時，卻慘遭家人反對。

於是，他轉念高工機械科，從此走上自學之路。課餘，他勤跑學校的設計教室，閒暇時就搭電車到京都、奈良等地，親身參觀日本傳統建築，從中了解何謂建築。後來，他聽說打拳擊可以拿工作簽證出國比賽；為了出國看建築，他只花了兩個多月練習就拿到職業拳擊賽執照，如願的，隻身到曼谷比賽。

孤獨一人，也要讓夢想開花

高工畢業了，安藤忠雄渴望進大學念建築。這一次，雖然家人並未反對，但在龐大的經濟壓力下，他必須放棄念大學建築系的正規管道。

他清楚地知道夢想只有一個，但是，邁向夢想的道路卻有很多途徑。

「所以，我決定，好！我一個人要朝這個方向努力。因此，一個人走上這條孤獨的道路。」安藤忠雄在演講中比喻，「康莊大道上綻放許多花朵，但是，我一個人卻走著這條大家都看不見的路；於是，我對自己說，我要讓這條路也能開花結果。」

於是，他透過工作與讀書，繼續自學建築。

他先到室內設計公司擔任助手、後來協助大阪市立大學教授進行商店街調查與開發；不工作時，他就讀書。有一次，他在一個舊書攤看到《柯布（柯比意，Le Corbusier）作品全集》時，心中震撼不已，於是，他每天都到舊書攤報到，甚至央求書店老闆暫先保存該書，等他存夠錢，就會把書買下。「再怎麼沒錢吃飯，我都要讀書，」他說。

後來，他終於買了書，隨後天天研究柯布的設計圖。有一整年，他甚至一早讀書直到凌晨3點鐘，就這樣，將建築系教科書研讀完畢。

「一個人要成功有兩個條件：意志力和熱情，」安藤忠雄說。

旅行，成就了建築家

刻苦自學只是實現夢想的初體驗，後面還有不屈不撓的奮鬥歷程。

24歲時，日本開放出國觀光的第二年，安藤忠雄就是無法壓抑想用敏銳的五官與身體來感受空間的好奇心。於是，他存了微薄的旅費，從搭貨輪開始，踏上一個人對建築的摸索之路。經西伯利亞鐵路到莫斯科，然後從北歐進入中歐、南歐、直到印度。

當他目睹廣大的海平面，與在西伯利亞鐵路上連續5天看著窗外一望無際的濕地草原，他比建築系學生更直接體驗何謂「水平」；當他在希臘仰望巴特農神殿時，他親身體會何謂「垂直」。

透過旅行，全世界的建築鉅作都跳出教科書，成為他的老師。

回日本之後，他勇奪一項大阪城公園設施設計的競圖，似乎，旅行，已隱隱造就了一位建築家。

隔年，他再度以旅行摸索建築。回國之後，他毅然開設自己的建築師事務所，決心以建築為本業，養活自己與家人。

沒想到，他周遭的人都說：「你沒受過正規的教育，怎麼能成為一個建築家？」

在日本菁英主義的環境下，這些質疑的確為真；但是，安藤忠雄追尋建築夢的熱情與意志力卻更為深刻。

有一就會有十

他深信一句日本諺語：「只要有一，就會有十」。

開業初期幾乎毫無案子上門，於是，任何親友介紹的案子，儘管再微不足道，他都懷著感恩之心去做。

沒有案子的時候，他讀書，或是到戶外空地設身處地思考，如果是他自己的案子，他會怎麼做。藉此鍛鍊思考能力。

他鍥而不捨，就是不放棄。

他曾向大阪市政府提案，希望把屋頂全部綠化。結果，市政府毫不理睬。但是，他仍不斷加入新的創意，持續提案3、4次，最後，大阪市政府很困擾，甚至威脅他：「安藤先生，你以後再帶這種提案來，我們要逮捕你喔！」

為了將想法實踐，他的提案儘管屢戰屢敗，他就是從不放棄。

後來，對環境、綠能也很關注的京瓷公司（Kyocera）看到他的提案，覺得很有趣，終於加以採用。

這個成功讓安藤忠雄更堅信，「如果沒有發聲，就不會有任何機會……如果你有一個想法，你必須要一直說，一直說。因為，菁英分子不容易被說服。」

得獎後，仍不斷參與國際競圖

35歲，安藤忠雄在大阪近郊設計「住吉的長屋」。狹窄的房屋中間有著天窗與自有的庭院，創新的設計，讓安藤忠雄終於在日本建築業界嶄露頭角。接著，安藤忠雄慢慢接下比較有規模的案子，也開始在海外成名，41歲，法國就首度為他出版作品集；5年後，連美國耶魯大學、哥倫比亞大學與哈佛大學，都相繼邀請他擔任建築系客座教授。

隨後，「光之教會」、「真言宗本福寺水御堂」與西班牙萬國博覽會日本館等名作，陸續在國際上聲名大噪。那幾年，他也受邀在美國紐約當代藝術館，與法國龐畢度中心舉行個展。

1995年，安藤忠雄才54歲，終於獲得建築界最高榮譽的肯定：普立茲克獎。

然而，他的夢想之路，卻不因為受獎等身而特別順遂。

兩年後，東京大學邀請他擔任建築系教授，日本社會拿他高工畢業的學歷做文章，成為當時話題。儘管如此，他依然贏得日本社會的敬重、全球各界最廣大的崇拜族群，與絡繹不絕的工作合約。

然而，他不因委託案多而自滿；他渴望進步，渴望對話，於是，他數度參與國際競圖。

「在這條建築路上，我常常一個人不安的摸索著，」他把每一次筋疲力竭的競圖當作磨練思考、激發潛力、跟國際知名建築師觀摩交流的拳擊場。終於，2001年10月底，他陸續贏得法國等地的重要國際競圖，記者問他：「如果不是做建築家，你會做什麼呢？」

他回答：「如果我不做建築家，我的人生就很失敗，沒什麼好說的。」

現在，67歲的安藤忠雄，儘管早已晉升國際大師，仍然秉持著熱情與意志力，追尋著他的建築夢。

不同的是，與40多年前相比，當初那條沒人看見的孤獨路，現在，已經綻放出滿徑的繽紛花朵。

真言宗本福寺水御堂

本福寺是真言宗的一個分院，原本老舊、破落，連臨近居民也不太常接近。1989年，本福寺的壇家代表打算回饋宗門，延請安藤忠雄重新修建寺院。

安藤忠雄希望突破既有的佛教建築傳統窠臼，創造一個感性的，活用現代技術的寺廟。

他說，「印度神話中，開天闢地以來，最先出現的是水，隨之是蓮花。而在佛教中，蓮花象徵開悟的釋迦牟尼佛。我曾在印度看過一整面被蓮花覆蓋的池塘，當下，我彷彿看見了極樂淨土的泉源。因此，我在思考，是否能在蓮花池下蓋一座御堂，包容諸佛與眾生。」

結果，他的提案遭到本福寺僧侶與信徒反對。

沒想到，安藤忠雄的說法，打動一位高齡90幾歲的真高僧。他向安藤忠雄說：「回到佛教的原點，進入蓮花的中心，這是很棒的構想，請你一定要實現。」得到高僧支持，水御堂從設計到完工只花了1年10個月。

水御堂的特色有三：1.幾道清水混凝土高牆作為繞行路線，阻絕參訪者的干擾。2.長40公尺，寬30公尺的橢圓形蓮花池作為御堂屋頂，一反傳統大屋頂的佛教建築陳規。3.在御堂西方開窗引入自然光，四周表面漆上朱漆，夕陽西下時，自然光線從佛像背後穿出，紅色光暈染紅御堂，彷彿成為包容諸佛與眾生的殿堂。

淡路夢舞台

21萬3,930平方公尺（約4座台北市中山足球場大）的基地，原是大自然禮讚的山頭。1980年代，日本政府為了填海造陸，興建關西國際機場，淡路島因地近機場預定地，成為大型的採砂場，相當於東京巨蛋500倍的土，就此挖空。

1993年，安藤忠雄看見這個黑土一片、花草不生的基地時，心中非常難過。他說服兵庫縣政府買下這塊地，興建國立公園、溫室、國際會議中心與飯店，想要這塊土地恢復原有的綠意。興建前5年，安藤忠雄向加拿大學習綠化做法，向伊朗沙漠學習雨水循環灌溉設計，植下300萬棵樹，等到樹木成長，才開始施工。

值得一提的是，1995年阪神．淡路大震災的斷層線切過，設計圖被迫修改。為了紀念震災死傷者，在斷層線上興建了名為「百段苑」的100個紀念花壇。

淡路夢舞台最為知名的安藤作品，還有將天花板割畫十字的，讓自然光線凸顯十字架的「海之教會」，與由100萬片扇貝貝殼鋪成的「貝之濱」。

1999年年底，淡路夢舞台完工，受難的土地湧出生生不息的流水、滿山遍野茂密著綠意與紅色鬱金香；安藤忠雄恍如雕塑的幾何形建築群林立。

2000年，花卉博覽會在夢舞台舉辦，湧入700萬人，謙卑地表達對天、地與受難者的敬意。

@Source: CHEERS快樂工作報 2008.04.16

10個玩時尚的藝術家@Fashion

或許是從 Marc Jacobs 與村上隆合作開始，藝術與時尚的完美結合才被大肆渲染。但是，關於 Damien Hirst 的鑲鑽骷髏頭、村上隆的櫻花包，或是 Agnes b. 的白色櫥窗裡展示的藝術品呢？或許，時尚與藝術之間，已經沒有界線。
Vanessa Beecroft－裸女的告白，LV 買單

義大利代表 Vanessa Beecroft，2005年就跟龍頭老大 Louis Vuitton 沾上邊，在巴黎旗艦店開幕之際，找來她一貫愛用的裸女，全身只穿丁字褲與一雙綁帶高跟鞋，另類地展示最新時尚作品。這位藝術家習慣性喜歡以行動藝術劇來創 作，首先她會徵求女性自願者，然後遵守著不說話、不笑、不跟觀眾互動、不能刻意演出的一些規定，就像假人一樣站立著完成表演。每一次的場景設定自然有所不 同，但作品名稱全都以名字縮寫「VB」加上數字來做名稱。 目前 Beecroft 已經在韓國、法國、英國、美國、巴西等數不盡的國家表演過，不過最出名的作品，無疑是在柏林展出的 VB 55，裡頭一共動用100位裸女，所有人都是只穿一雙肉色絲襪，是陰柔而浩大的藝術之美。 www.vanessabeecroft.com
村上隆－藝術就是商業

唯一一個敢大刺刺烙出「藝術就是商業」，還公開演講的藝術家，當然就是村上隆。因為村上隆曾經苦過，因此他深諳運作藝術於商業此道，也了解藝術寄之於流行 與商業才能賺錢、發揚光大。阿隆的創作自漫畫插圖、時尚精品、唱片封面、雕塑都有，最出名的當然莫過於櫻花包，那顆大花頭與燦爛的笑臉，讓精品界貴婦趨之 若鶩；巨乳美少女〈Miss Ko2〉、噴乳跳繩美少女〈Hiropan〉則是作成強化性徵的雕像，之前還來北美館展出。村上隆最有趣的地方在於他去親近那些主流導向的流行文化，很多 人可能對御宅族斥之以鼻，可是阿隆要做的卻是去承認與發揚最本質的日本文化，櫻花包畢竟是櫻花，巨乳美少女畢竟還是源自日本。一小個美少女竟然可以賣到 50萬美金，讓人想起 Jeff Koons 的「俗」文化，兩位美金當袈裟的藝術家，同樣都擁有代表當代流行的力道。 www.takashimurakami.com

Jeff Koons－麋鹿也能上封面？

前幾個月的《Wallpaper》週年慶時，做了個雙封面。他們沒有選名模、明星，反倒是選了非常代表當代的兩位藝術時尚人士－Hedi Slimane 與 Jeff Koons 來為之。那一期的封面，就是 Jeff Koons 出名的作品一隻大麋鹿。 1955年生於賓州的 Koons，基本上是一個被八○物質世代給影響很深的藝術家。他的作品並不像 Damien Hirst 那般有距離感，他的猴子就像一般卡通或玩具上會出現的臉；他的作品〈Elvis〉就像某製作不宜的老牌色情雜誌，上面有巨乳女郎與一隻龍蝦充氣玩具；他的 氣球狗系列，活脫像公園裡阿伯販售的造型氣球，唯一只是 Size 變超大、顏色變金屬色。但是，偏偏他就有一種親切感，沒打算要把慾望與俗氣的渴望給隱藏起來，然後用天價把作品賣出，狠狠把衛道人士踩在腳底踐踏一番，而 且時尚雜誌、時尚設計師就是會吃這套。 www.jeffkoons.com

Julian Opie－Blur 樂團的封面設計

Julian 在台灣最廣為人知的作品，應該是 Blur 合唱團2000年發行精選集的那張封面，主唱 Damon 眼睛被化為一個只剩芝麻大小的瞳孔；或是2005年，U2的世界巡迴演唱會，用 LED 大銀幕來播放 Julian Opie 走動的男人。但，其實Julian 先生大約自八○、九○年代開始，便大紅大紫，直至如今。他習慣用視覺系素材來創作，又特別愛利用電腦來加工，譬如短片、攝影、用電腦軟體做出的人形來表現 藝術，妳可以從他的網站上看到明顯由電腦製作出的女人身型跳舞、走路的樣子。而'07年走動人型的作品〈Julian and Suzanne〉，躍上美國鳳凰城博物館 的 LED 銀幕，將成為永久的展出作品。 www.julianopie.com

Julie Verhoeven－遊走音樂與時尚之間

接連幫 Mulberry、LV 設計繪圖包款，為許多英倫樂團 Kasabian、Primal Scream 設計封面，甚至拍 MV 的才女是哪位？ 是 Julie Verhoeven。八○年代，她曾經John Galliano 的助手，但是隨後她跟著在 Martine Sitbon、Guy Laroche 等大師身邊待久了之後，越發光彩，服裝設計、插畫、多媒體創作都有了得的作品。'02年，Marc Jacobs 先突發奇想找她幫 LV 創作「童話包」，讓睡美人與灰姑娘都躍上手包。2007年，Julie 則在 Stuart Vevers 離開之前，為 Mulberry 設計包款，以玫瑰為基調，拼貼人像圖案，作出弔詭又甜美的包。而她在知名網站 showstudio.com 上面的創作，有點像東洋浮世繪，參雜一些被綑綁的裸女、「陰陽女」，露出乳房與男性器官，背景音樂卻配著古典樂。這女人真的怪怪的，可是又有一種衝突的美 感。 www.historyofashion.com/historyofashion/verhoeven.html

草間彌生－圓點點的瘋狂世界

全亞洲，有誰可以跟 Andy Warhol 一起參展，跟女畫家歐姬芙通信？ 是草間彌生，一個從10歲開始便見到幻覺的女人。她不是一個年輕的中生代，而是1957年到美國發展的老牌藝術家，在反戰、嬉皮的年代中成長。她的作品充 滿了迷幻的因子，大多以圓圈圈組成的，那是草間彌生眼裡看見的虛幻花樣，再透過繪畫、軟雕塑、行動藝術等方式來表現。當她的創作以時尚的方式呈現時，莫名 產生一種瘋狂的普普風格；當她的創作以塑料雕塑呈現時，那有點像毫不真實、比馬奎斯更為魔幻的花園，每朵花與植物都像有毒的蕈類。 可是草間彌生的瘋狂，不僅是延續了她的一世人，甚至帶給很多藝術迷無垠的想像，打破了我們平凡人對於顏色與圖案的小框框。 www.yayoi-kusama.jp

Zaha Hadid－房子都是可以拆的

從去年一路鬧得沸沸騰騰的消息，幾乎全世界的人都知道女建築師 Zaha Hadid 要幫 Chanel 蓋一個移動式、可拆式建築。但是人家 Zaha Hadid 可不只做這件事情而已，她早在2003年的台中古根漢分館的設計裡，又提到要讓整個藝廊都可以外移，就像積木一樣。外型與阿莫多瓦可以匹敵的 Zaha Hadid，其實是建築界難能可貴獲得普立茲獎的唯一女性。她的作品始終充滿線條，跳脫在工整的結構之外，遵循著解構主義的概念，創造得以看見光線、弧線 或是直線流暢地延伸著的建築。 2012年的倫敦夏季奧運，Zaha Hadid 也參與了這項計畫，將設計出有2萬席次的水上運動中心。有人說 Zaha 許多設計都是紙上談兵，不過看來奧運與 Chanel 的兩個案子足以把這些人刮一頓了。 www.zahahadid.com

Damien Hirst－8601顆鑽石最 Bling

說 Damien Hirst，妳不一定知曉這號人物。可是如果跟妳說起，那位把牛馬羊的標本，全部直切成五大塊作為藝術品的 Damien Hirst，那麼妳一定知道他是誰。 在倫敦行之有年的 Damien，作品向來充滿爭議性，裡頭充滿生與死的元素，像是將已死亡的巨型鯊魚放在大型玻璃櫃裡；母牛與小牛被大卸八塊，寫實地分別擺在不同玻璃櫃 中；近來的新作，以8601多顆鑽石製作成一個鑲有牙齒的骷髏頭，約莫花費了1500萬英鎊的「材料費」。可是倫敦許多大大小小藝廊，像是 Tate、White Cube，卻酷愛展出 damien Hirst 的作品。 當然也有人會說，花那麼多錢買個鑲鑽的骷髏頭幹什麼，拆開來分一分，一家老小遠房親戚都還可以一人10顆鑽。可是，某部分而言，Damien 是確切地以永恆的質材塑造了死亡的原型，不是嗎？ www.damienhirst.com

James Turrell－用光線征服頂級品牌

頂級品牌頻頻招手，希望與藝術靠攏的藝術家，非 James Turrell 莫屬。這位白鬍子大叔，最出色的藝術作品大抵都是與空間和光線有關，因為 Turrell 深深愛著光線所帶來的千變萬化景色。他曾為 Louis Vuitton 設計燈飾，以1875年設計出的原為可作為衣櫥的行李箱款「Wardrobe」，製作成一個打開來為一座燈的經典箱型款，以作為 LV 旗艦店的紀念展；當碰見 Nokia 的頂級手機線 Vertu 時，Turrell 則用流光夜宴的奢華光感來表現 Vertu 在巴黎花街的開店 Party。Turrell 先生的〈Skyspace〉同樣是相當知名的作品，像一個天井一樣，走過的人都能看見天空在不同季節、不同時間轉換的色彩與樣貌。他要我們仔細地看見眼前 光線的變換，讓光影氛圍成為記憶裡深刻的瞬間。 en.wikipedia.org/wiki/James_Turrell

Cindy Sherman－Marc Jacobs 的廣告還要跟她借問先

如果談到當代女性藝術家，常被人稱為帶有女性主義色彩的 Cindy Sherman 則是深受演藝界所喜愛。她出生於50年代的美國，早期喜歡親自入鏡，拍照都是自己做所有的場景設計，從化上濃妝、打舞台燈效、設計照片的氛圍，到入鏡並攝 影，Cindy Sherman 經常以跳脫情緒的無意識表演，用戲劇化的色彩、設定，來詮釋 B 級電影女星與男性。八○年代一系列作品〈Complete Untitled Film Stills〉，後來受到同為女權主義倡導者瑪丹娜－娜姐的支持，特別贊助 Sherman 在紐約博物館 MOMA 展出。2006年，Sherman 還為Marc Jacobs 創作一系列廣告概念，由攝影師 Juergen Teller 拍攝完成。很多人會說她是20世紀很成功的女性藝術家，但是對於 Sherman 本身，創作似乎只是一個探討女性在社會上扮演角色的媒介。 www.cindysherman.com　　

@Source: 美麗佳人玩物 2008 春季號

Culture Spot: New Museum @Arch

Cultural Organization of the Month is now Culture Spot, featuring special offers and access to New York City’s arts organizations.

The changing face of the Bowery is evident in many ways, but among the most notable shifts in the landscape is the New Museum. The museum, a shimmering aluminum and stacked-box design, opened in December in its new 60,000 square foot building—a fitting way to begin its 30th anniversary year.

The distinctive architecture reflects the museum’s mission, a philosophy summed up in four words: new art, new ideas. These days, the museum is as fresh and modern as ever, with two exhibitions opening in April that are sure to draw attention. The first exhibition features paintings by the German artist Tomma Abts, a 2006 Turner Prize winner known for her commitment to abstraction. The second features a new series of animated projections by the New York–based artist Paul Chan.
The museum also offers programs like Night School—which encompasses public seminars, workshops, screenings and lectures—and Get Weird, a monthly series of performances featuring experimental music. Recently, it instituted Target First Saturdays for Families, offering free admission and special hands-on programs for families with young children (advance registration required).

Special Offer: Visitors will receive 10% off a purchase of $75 or more in the museum store when they present a special coupon at the time of purchase. In addition, visitors can enter a raffle to win a yearlong membership at the museum. Coupons will be available in the NYC & Company Visitor Information Center (810 Seventh Avenue) and the Federal Hall Information Center (26 Wall Street.

Address: The New Museum is located at 235 Bowery (at Prince Street between Stanton and Rivington Streets, one and a half blocks south of Houston Street).

Phone: 212-219-1222

Web: newmuseum.org

Source: http://www.nycvisit.com/content/index.cfm?pagePkey=1945

直擊安藤忠雄追尋夢想 目睹自然奇景@People

三月初的清晨，朝陽自瀨戶內海升起，一九六名台灣的安藤忠雄講解建築之旅團員兵分八路，臉上閃著燦亮亮的光，直上「淡路夢舞台」，要登上最高處。
起大早爬山，為的是安藤忠雄先生最重視的活動之一——植樹儀式。事實上，每年由安藤忠雄建築研究所策劃主辦、交大建築系協辦的安藤之旅，植樹永遠是個重頭戲。
斜斜的小丘上，安藤忠雄建築師事務所主任建築師三浦朋訓，與交大建築系教授劉育東等團員代表一起彎腰執鏟，費了點力氣，終於種下一棵樹苗。於是，寫著「二○○八台灣交通大學建築研修紀念植樹」的木片，緊紮在小樹上，標誌著今年台灣安藤之旅的植樹紀錄。
「淡路夢舞台」可謂安藤忠雄恢復大自然，重視環保的力作。
關西空港的採砂場
其實，更早之前，這廣達二十一萬三千九百三十平方公尺，約四座台北市中山足球場的基地，原本是大自然禮讚的山頭。然而，一九八○年代，日本政府為了填海造陸，興建關西國際機場（關西空港），把臨近機場預定地的淡路島變成大型的採砂場。
填海造陸的那五年，一船船的黑色砂石被載往大阪港的另一頭，青翠轉瞬成為不毛之地，相當於東京巨蛋五百倍的土，就此挖空。淡路島向來以種植康乃馨等花卉、輸出花卉聞名，還設有世界首屈一指的園藝學校。然而，此情此景，居民只能眼睜睜看著土地受傷，哀淒掉淚。
機場剝走原本綠色的衣裳，裸露的土地該怎麼辦？
一九九二年，擁有這片土地的業主，希望興建高爾夫球場，他們想委託安藤忠雄蓋高爾夫球俱樂部。
當安藤忠雄親自來到這裡，目睹一棵樹都沒有的悲慘狀況，影像深植腦海，揮之不去。
那一年，安藤忠雄甫獲丹麥第一屆的卡爾斯伯格建築獎（Carlsberg）肯定。事實上，一九九○年代初期，安藤忠雄設計許多藝術與宗教殿堂而聞名國際；但是，身為大阪人，對於眼前這一塊為大阪的國際門戶而犧牲的土地，他只想著，該如何綠化這塊大地？
他向當時的兵庫縣知事貝原俊民提案，希望政府出面買下這塊地，變成一座公園，讓風景再生。不僅作為花卉博覽會的主要場地，增加花卉產業雇用機會，還要興建國際會議廳、大飯店等公共設施。
他的想法，打動了貝原俊民。
貝原俊民說服了兵庫縣議會，讓安藤忠雄擔任統籌建築師，一九九三年四月展開設計。
為了讓基地重生，安藤忠雄一反施工之後再植樹的業界習慣，而是在施工前五年，也就是設計初期，就種下了三百萬棵樹。他想像，當施工時，綠樹已經逐漸長高；而等到完工，建築物與周圍的綠意就能同時完成。
以布查花園為藍圖
然而，大地一旦受傷，要復原豈是易事？
為此，安藤忠雄以加拿大的布查花園（Butchart Garden）為藍圖。
布查花園位於加拿大，三十五萬平方公尺的地，曾經是水泥鉅子羅伯特．布查（Robert Pim Butchart）的石灰岩採石場，短短四年內，茂密的山頭就寸草不生。後來，布查夫人費時十三年，才讓採石場成為充滿生機的花園。如今，布查花園不僅是世界知名的觀光旅遊勝地，也成為保育環境的國際典範。
安藤忠雄一方面援引布查花園的復育經驗，並聘請園藝專家指導；一方面，卻為缺乏灌溉水源的問題傷腦筋。
淡路島缺水，居民的飲用水向來引自京都的琵琶湖，時常缺水。現在，難道要為了澆灌夢舞台的花木，而用掉島民的飲用水嗎？
為此，安藤忠雄遠赴伊朗，考察學習伊朗在沙漠中的綠化灌溉系統。最後，他在夢舞台臨山面的山坡內植入一個地下水瓶，用來收集雨水，並循環利用雨水。
在不斷努力與奔走之下，三百萬株樹苗，終於一點一滴拔高，雨後春筍般，為土地織就出一襲新衣。
站在海濱，仰望整片的綠意、流水與雕塑般的建築；人們瞻仰著的，與其說是大自然的奧妙，不如說是一群人的願力與大自然共同譜出的戲劇。
如果將淡路夢舞台比喻為一座大型劇場，那麼，佇立海邊仰首，便是觀賞夢舞台的最佳位置。
夢舞台左邊，有著國際會議中心、茶室與淡路島Westin飯店（The Westin Awaji Island）；舞台中間，錯落著海之教會、貝之濱、圓形劇場、百段苑、空庭；舞台右邊，則有空庭、橢圓形劇場、海迴廊、水庭、溫室與野外劇場。面向大阪灣，集安藤忠雄作品之特色、與理念之大成，這整座包羅萬象的綠意與建築群，日復一日上演著美麗奇景。
然而，初來乍到的安藤之旅團員怎知這個最佳賞景地點呢？
在Westin飯店放下行李，團員們急切地走上Westin二樓，略過美倫美奐的室內設計，因為除了建築物本身之外，飯店的內部裝潢，並非安藤忠雄的作品。團員們層層搜尋通往夢舞台戶外綠意的入口，於是，鑽入飯店左翼的聯絡道，一不小心，像是一九六名長相各異的女孩愛麗絲，頓時，掉進了安藤忠雄建築的夢遊仙境。
推開左翼聯絡道大門，流瀑般的水聲震耳欲聾。
外面在下雨嗎？人們疑惑。
定睛一看，近天花板處橫開一條裂隙。自裂隙看去，流瀑自屋頂傾洩而下。難不成，屋頂上有一片大水池？
跨出室外，便是圓形劇場。
十公尺高的清水混凝土牆，環繞著一方靜謐的水池。撫摸著細緻的牆，沿著緊窄的環狀階梯盤旋而上，一面眺望水池，水池中，天空的倒影不時變幻，彷彿看見易經的哲理。
順著環狀階梯而上，團員之一，政大教授李仁芳認為，安藤忠雄的建築是東方為體，現代為用，是極簡與素華的代表。 貝之濱
階梯盡頭，流瀑般的水聲再度傳來。
一轉身，眼前是開闊的八方，大阪灣的餘暉就在此鋪展。
還來不及讚嘆，低頭一看，足履前方竟是壯觀的方形水坪，五公分淺的水坪共有一千處噴泉，巧緻鋪貼著一百萬片扇貝的貝殼。
風輕吹，撥動池面的水紋，與扇貝交錯，形成風與光影的對話。她有個浪漫的名字：「貝之濱」。
聆聽水坪盡頭的水流直下，這才恍然大悟，方才在封閉露台裡聽見的水瀑聲便是來自於此；而眼前的貝之濱，便是那封閉露台的屋頂！
為什麼設計這座別緻的貝之濱？
安藤忠雄解釋，日本人是個愛吃海鮮的民族，為了讓民眾一起參與，他向全國民眾募集，並挑選出一百萬片大小均一的扇貝殼，用人工鋪貼而成，就是眼前的貝之濱。
穿過一座鐘塔，來到一間淺貝殼色大門的房舍。
甫進入，便能直覺感受天花板射下來的光線。
海之教會
仰首，天花板交叉切割成一道十字，天光直下，這就是「海之教會」。
安藤忠雄曾在一篇論文中說明，「我深信神聖空間與自然存在著某種聯繫……我認為，當綠化、水、光和風，根據人的意志從原生的自然中抽象出來，它們就趨向了神性。」
安藤忠雄把自然光圈限在他的清水混凝土建築中，光，成為建築的基本元素，訴說著教會的神聖性。
當自然光在透亮細緻的清水混凝土牆上漫射，彷彿帶來神的啟示和召喚。今年的團員之一，廣告名人范可欽緩緩推著輪椅進入，沐浴在自然光浸染的那股自然而然的靈性中。靜坐思索，時光，靜靜流逝；寧靜於此，人，可以安歇。
淡路之水天上來
站在夢舞台的中心，眺望八方，山與海，花與樹，大自然寬廣的胸膛。
夢舞台倚靠著的山坡，不是個普通的緩坡，事實上，這個名為「百段苑」的花園，是由一百個大小一致的方形花壇，沿坡排列而上。
仰望百段苑一百個花壇，似乎能見這不斷自山頭湧出的水流，在山坡內那一只看不見的地下水瓶裡集結、循環、再生，每一滴珍貴的雨水，都在此生生不息。此刻，不禁聯想起那句「君不見黃河之水天上來，奔流到海不復回」的古詩，早已經被安藤忠雄折服為「君不見，淡路之水天上來，奔流到海能復回」！
曾參加過安藤之旅的評論家魚夫曾形容，百段苑像個巨大的花園陵寢。
事實上，從阪神震災的角度而言，這個說法，似乎也能成立。
一九九五年一月十七日，「阪神‧淡路大震災」發生，造成六千四百三十四人死亡，三人失蹤，四萬三千七百九十二人受傷。震央不僅就在淡路島近海的海域，而且，斷層線不偏不倚地切過夢舞台的基地。
震災發生後，安藤忠雄擔任震災復興委員會的委員長，他想要從建築師的角色，為災區復興盡一己之力。
「經歷震災之後，如果大家不能覺得住在這裡很好的話，這裡就會變成一個廢墟，」他接受《天下雜誌》的專訪時說。
震災發生的同一年，安藤忠雄獲得建築界的諾貝爾獎殊榮：普立茲克獎（Pritzker Architecture Prize），並且把十萬美元的獎金捐給震災的孤兒。
花卉博覽會．新生
化悲憫為力量，安藤忠雄重新修改淡路夢舞台的設計圖，經過兩年半個月，淡路夢舞台終於完工。斷層線上方，就成了百段苑，一百個大型花壇與人工水流循環不歇的水聲，生生不息，永誌阪神震災。
二○○○年初，淡路夢舞台終於開幕，由山頭上再生的森林相伴，以盛大的花卉博覽會向世人見面。
走在夢舞台，每一座幾何形建築體都像巨大的雕塑，在大型舞台上交錯而立，一起演出。
當人們在這些清水混凝土打造的溫潤雕塑裡遊走，總是能不經意看見春天裡朵朵綻放的紅色鬱金香。
壁面上，一張「財團法人淡路花博紀念事業協會」的紀念標牌吸引了人們的目光，據說，當花卉博覽會在夢舞台揭開序幕，萬花競艷，人頭鑽動。兵庫縣知事貝原俊民原本期待最多吸引四五○萬遊客，沒想到，竟然湧進七○○萬人造訪，一起為淡路夢舞台的重生喝采。
可以說，淡路夢舞台是安藤忠雄一生中發願最深的作品。後來，安藤忠雄曾說，「直到今天，每當搭飛機降落在關西空港，我心中還浮現淡路島遍地黃土的景象。」
自重生的那一刻開始，淡路夢舞台已然揮別受難陰影；她重新恢復呼吸，每日每夜，都隨著樹木、花卉、蟲鳥一起長大；她仍在嘗試學步，學習森林的語彙；而且，她與每年前來種樹的小學生、亞洲遊客一起，正重新學習如何應對當前這個日益暖化的星球。

@Source: 天下雜誌393期 文／藍麗娟；攝影／謝進益

遇見當代藝術頑童@Fashion

1949年生於巴拿馬的 Richard Prince，儘管，1977年的第一次展覽「牛仔〈Cowboy 〉」一件作品也沒賣出，卻也因為備受爭議的創作而受到矚目！作品主題經常自通俗、 流行文化取材的 Richard Prince，以翻或拼貼其他作品攝影作品作為創作主軸，題材辛辣、幽默可說他的作品最大特色。他著名的「俏護士」即是將掃瞄過的書封面以及 戴口罩女護士的影像合成在一起，藉由影像複製再創作出風格獨具的藝術。 2008年春夏，Louis Vuitton 邀來這位才華洋溢的藝術家，以「After dark」為主題，秀一開場 Marc Jacobs 即將八○年代的名模們打扮成畫中帶著口罩的女護士出場，大量的烏干紗、雪紡與強烈色彩，層疊堆砌出這一季性感的創作。而 Richard Prince 則以噴墨方 式結合重新詮釋的 Louis Vuitton 經典圖紋，這樣的概念出現在新一季的配件上，要時尚渲染些許藝術風格，沉浸在他的狂放的藝術風格裡。透視 Richard Prince 的創作， 他獨家接受《美麗佳人玩物》獨家採訪。

Marie Claire 2：在合作之前，你就曾經在媒體上表示欣賞 Marc Jacobs 獨具創意的廣告，可否談談這次跨界合作的緣起以及靈感嗎？

Richard Prince：我和 Marc Jacobs 有共同的朋友，他這次的春夏系列部分以我的護士畫為靈感。於是我開始注意那些關於入夜後城市的書籍， 最後“after dark”黑夜之後這個主題為整個系列注入生命，就像我對 Marc Jacobs 說的，「入夜的 Louis Vuitton 是怎樣的呢?」

Marie Claire 2：“Nurse”畫作十分受歡迎，包括你在內，幾乎多次以不同媒材“再創作”，甚至是被抄襲，當時你創作的靈感來源是？ 你如何看待“Nurse”這次時尚的新演繹？

Richard Prince：是的，我正在畫護士。我喜歡她們的帽子、她們的圍裙和她們的鞋子。我的母親是護士，姐姐是護士，祖母和兩個親戚 也都是護士。我收集與護士相關的書籍和平裝書，你無法忽視它們，她們在機場隨處可見。我也喜歡“護士 ”、“護士們”、“看護” 這些字眼。嗯，我正在復健（笑）。

Marie Claire 2： 作品“Jokes”大受歡迎，有不同的系列作品而這次也重新創作，你覺得你是幽默的人嗎？ 而這反映了你的生 活態度嗎？

Richard Prince：不，我並沒有如此有趣。我喜歡笑話的原因是因為它呈現出他人有趣的一面。幽默是項很難的學問， 事實 上，幽默對我而言是一種生存的方式。就像是那個笑話：猶太人對他的朋友說「如果我活著，我會跟你在星期三見面，如果我沒 有，我便會在星期四遇見你。」 事實上，我從未真正開始說笑話，我指“說”笑話。1980年我在加州的威尼斯，正在用鉛筆在紙上畫著我最喜歡的卡通，不過在 那之後，我中斷了卡通裡插畫和影像的工作， 專心在我的「笑話」創作裡。“精神科醫生” 是我說的第一個笑話。1986年我住在 紐約南公園大道的303畫廊後面，事情是這樣發生的─我去看精神科醫生，他說「請告訴我所有事情」 ，我照作了，而他現在正在 做著我做過的事。我把這個笑話用鉛筆寫在紙上，寫在一張很小的紙條上，因此我將它稱為“手寫的笑話”。

Marie Claire 2：開始你藝術創作的關鍵時間是？而你的第一件作品是？

Richard Prince：最初，我在紐約的 Time-Life 大樓裡工作，從不同的報章雜誌裡剪下文章作為參考資料，剩餘的時間，我總 在思考自己的專長是什麼。那時我發現一天過後， 雜誌裡剩下的總是那些廣告─似乎沒有人想要這些東西。 我的事業開始於1977年的第一次展覽，牛仔〈Cowboy 〉，但是一件作品也沒賣出去，藝廊覺得很不好意思，為了讓我好受點， 他們還自掏腰包買了一幅作品。

Marie Claire 2：影響你創作風格的四個關鍵是（人、事、物、時期）？

Richard Prince：有很多事物影響了我。運河區。麻薩諸塞州布倫特裏的蜜桃街。 蒙面俠蘇洛。五年級時在我的抽屜刻上“hit ”。六年級時開始知道我的陰莖是怎麼來的。電影《渾身是膽》裡的史提夫麥昆和那兩輛車。看到 Lee Harvey Oswald 在電視 上被刺殺。越戰。 馬丁路德博士的刺殺。Jackson Pollack。Lenny Bruce。Jimmy Piersol〈他為波士頓紅襪隊打棒球，心智不穩 定〉。1968那年摸到柏林圍牆。Rod Sterling。花花公子創刊人 Hugh Hefner。 《真相與結果 Truth or Consequences》。

《你 該相信誰？Who Do You Trust》。《蘇利文電視秀 The Ed Sullivan Show》〈這三個都是電視秀〉。Lew Welch〈詩人〉。電影 《雙車道柏油路》。 烏茲塔克音樂祭。Prcola Harum〈前衛搖滾樂團〉。金髮美女〈Bob Dylan 的歌〉。青少年時在麻州的韋茅 斯海灘撿貝殼。《西城故事》─尤其是 Bernardo 穿得一身體面跳 YMCA 舞那段。 那些來來去去的紐約社交名人錄。Saks Fifth Avenue 櫃檯的香水。Carol Shelby。地下絲絨與海灘男孩的輝煌時代。我的房間。錄影帶的世界。還有一堆數不清的事物…

Marie Claire 2：你的作品充滿生命力，它們表現的是你的生活、喜好與自身的經驗嗎？

Richard Prince：大約是一半一半，因為我總在不知道主題為何的情況下開始創作。一開始收集宣傳照的時候，我對 他們沒有任何瞭解，也不知道有那些所謂的收藏家協議， 或許當我對我的主題有更多了解時，它就慢慢開始變成藝術了 吧。我唯一知道的事情是藝術，但不知道是什麼構成藝術。

Marie Claire 2：你最欣賞哪位過去以及現代哪些藝術家？

Richard Prince：Christopher Woo. Jeff Koons. Fischli and Weiss. David Hammonds. Sarah Lucas, Martin Kippenberger. Rosemarie Trockel. Walter Dahn. George Condo. James Casebere, James Welling. Dike Blair. Ricky Sparrow. Damien Hirst. Thomas Ruff.

Marie Claire 2：你的創作源自於不同的媒材，電影、廣告、電視、卡通、小說，哪個影響你最多？

Richard Prince：我認為藝術主宰一切，因為那是一種心靈上的迷醉， 對我而言藝術總好到不像真的，我不覺得藝術 之外的其他影響能超越藝術本身，因為那些都只是輔助性的。不過我喜歡讓不可能看起來可能的事物， 一部好的科幻電 影便能做到。我同時也喜歡《衝鋒飛車隊》、《第一滴血》、《異形》、《追陽光的少年》和《魔鬼終結者》。《銀翼 殺手》是八零年代的片子嗎？ 如果是的話，我喜歡最初的那個版本，不是導演剪接過後的。

Marie Claire 2：那麼音樂呢？你欣賞什麼類型的音樂或是歌手或是電影導演？

Richard Prince：我不太確定自己的創作是否為音樂所激發，但我喜歡史密斯合唱團〈The Smiths〉；80年代末期 時，我也在倫敦看過音速青春〈Sonic Youth〉的現場演唱。 他們都很棒，我喜歡他們搖滾的樣子。

Marie Claire 2：你下個最想合作的對象是？

Richard Prince：我不是合作型的人，喜歡獨自創作、獨自工作。我厭惡女演員， 也不喜歡凡事都要尋求許可，我不 喜歡總要等待綠燈才能前進。

Marie Claire 2：在紐約發跡，你會如何形容紐約這城市？你最喜歡這城市的地方與最討厭的地方？

Richard Prince：當我還是個小男孩時，總是幻想能搬來紐約。我第一個在紐約租的房子位於蘇活區的普林斯街和 西百老匯上。那時候的我誰也不認識，可能一整天都不講話， 只有和酒保間的對話。因為我沒有大學背景，所以沒有管 道接觸藝術圈子裡面的人。但我總是深愛著藝術，所以這從來不構成我成為藝術家的問題。不過，二十五年後，我厭倦了紐約的生活型態，那對我而言很乏味而且太過競爭─你知道的，紐約人總是忙碌著去下一個晚餐約會。在紐約生活像 是你永遠活在室內─建築物裡面、地下鐵裡面。我需要新的 體驗，所以我去了另一個極端。我們在卡茲奇山脈的一條泥 土路底有個小農舍，在這裡，我總是在戶外，這邊沒有交通堵塞，也不用為了和一群人擠在人行道而爬一堆樓梯。在這 裡，我走出門口便踏在青草上，對我而言這是種非常奇特的體驗，於是我開始拍攝自己的相片，開著自己的卡車，並且 隨身攜帶我的照相機。

@Source: 美麗佳人玩物 2008 春季號 採訪撰文╱游雅如；圖片提供╱Louis Vuitton

News@H&M新系列 川久保玲跨刀

平價服飾近年熱衷名人設計，藝人牌打完接著打設計師牌，繼與義大利設計師Roberto Cavalli合作後，H&M日前又宣布與川久保玲合作，將配合東京第二家店推出新系列服飾。
掀起平價服飾名人設計風潮始祖之一的H&M，最初曾與Karl Lagerfeld、Stella McCartney、Viktor & Rolf等知名設計師合作，但直到找瑪丹娜和凱莉米洛（Kylie Minogue）藝人合作才掀起全球搶購熱潮，設計當紅之際，重新找上有設計實力的設計師操刀。
1973年創立「Comme des Garcons」品牌的川久保玲，以反傳統設計的風格著稱，擅長把玩各種材質、布料與色彩，向來注重創意的她坦言「如何兼顧設計與商業將是與H&M合作的最大挑戰」。
川久保玲為H&M跨刀設計的新系列包括男女服飾、配件及少許兒童單品，預計將在今年11月於東京開第二家店時正式上市，之後才會在全球銷售。
@Source: http://udn.com/ 2008/04/10 聯合報 ╱記者陳若齡

Suzhou Museum@Architecture

Suzhou, China
I.M. Pei Architect with Pei Partnership Architects; Suzhou Institute of Architectural Design
Created for the Suzhou Municipal Administration of Culture, Radio & Television

Best Public Project

By Robert Ivy, FAIA

For any architect concerned with contextual design, Suzhou presents a formidable challenge. A canal city founded 2,500 years ago, old Suzhou (a center of silk cultivation and commerce) represented the apogee of urban sophistication—a place where the enclosed garden evolved into a naturalistic universe in miniature. In 2001, the mayor of modern Suzhou, approached the architect I.M. Pei, FAIA, to design a museum at a critical juncture: deep in the historic district at the intersection of two canals in the northeastern corner of the city, adjacent to a historic palace, and backed against an ultra-sensitive international treasure, the Garden of the Humble Administrator (1506–21).

Daunting limitations defined the project boundaries. First, the city required a 150,000-square-foot museum to showcase its 30,000-piece collection of Chinese art that spanned millennia. The design, according to officials, needed to reflect contemporary life, yet height limitations dictated that a structure not exceed 52.5 feet—no more than 20 feet adjacent to the existing historic buildings. Scholars at Beijing’s Tsinghua University suggested that the architect respect the prevalent Suzhou coloration, white and gray, colors that serve as a backdrop for the community’s leafy green gardens and streets.

The obvious solution to height limitations, which Pei had employed at the Pyramide du Louvre (1989), would be to depress the building’s mass into the earth. The high water table in Suzhou, a water-encircled city, compounded the difficulty of excavating very deep. Requirements demanding open space and greenery added complexity to a solution that ultimately split the difference: two stories above grade and one below, with a large quadrant on the ground plane left as garden space.

Responding to Suzhou’s heritage, the architect placed a walled garden with a void at the museum’s core. Rather than compete with the landscape iconography familiar to tourists (miniaturized trees, sculptural rock formations, scenic twists and turns), the garden’s emphasis lay in the simplicity of water, rocks, and sky—more akin to the Taoist philosophy of the Tang Dynasty (618–907) than to the elaborate conventions of later centuries.

Water provides a literal link to the Garden of the Humble Administrator, flowing through the common wall at the rear of the older garden into a new pond at the new museum, an open space punctuated by a stylized garden pavilion. The lotus pool formed by this stream acts as an orienting device throughout the museum, visible from multiple points within the courtyard plan, reflecting the sky into another dimension.

Surrounding the lotus pool, the building plan outlines a framework of galleries on the one hand and administrative spaces on the other. The octagonal great hall at the entry, lit by a custom chandelier, frames the garden while encouraging the visitor to turn and proceed. Protected exhibition spaces lie off passageways, sized to showcase the small, precious objects that characterized Suzhou craftsmanship for an aristocracy, including ceramics, paintings, jade, and woodcarvings. A painting gallery resides on the second level, up a grand staircase backed by a granite wall and smoothed by running water. On the garden’s eastern side, Pei insisted on a contemporary gallery to showcase new Chinese art.

The contemporary deployment of stone differentiates the Suzhou Museum from earlier Chinese building. Where roofs in generations of historic Chinese architecture had been tile-covered, curving upward at the edges, the Suzhou Museum substitutes granite. The architect contended that tile leaked and lacked uniformity. After studying the shapes of traditional buildings and the shades of stone readily available (including the effects of rain on the color), the Pei group settled on China Black granite, which now covers roofs, outlines windows, and caps white walls. The effect is crisp, articulated, and decidedly modern.
The Suzhou Museum represents Pei’s highly personal essay on building in strong context in this cradle of Chinese culture. Referential without explicitly copying precedent, respectful of its surrounding constraints, the complex nevertheless breaks no new ground. If the Suzhou Museum sometimes reverts to the scenographic, the walled-in, three-dimensional project succeeds by doing no harm to its hypersensitive environment while offering a new generation of Chinese architects a modest model drawn from precedent—to reflect on, to debate and criticize, to react to, and to create their own new work.

@Source: http://archrecord.construction.com/ar_china/BWAR/0804/0804_suzhou/0804_suzhou.asp

This Is Not a Sidewalk Bag@Exhibitions

STREET ART Eva Herzigova and Marc Jacobs at the Brooklyn Museum

By GUY TREBAY
Published: April 6, 2008

IT used to be that good-looking waiters and cold plonk were the sole essentials of a good museum opening. Maybe there were some crackers on a tray. These days, though, no such fete is complete without a little curbside controversy, some wacko bit of theater, a harried staff of professional-event duennas and a guest list that can often seem as if it were composed by shredding the White Pages and picking names out of a hat. Here, then, at the gala opening of the Takashi Murakami retrospective at the Brooklyn Museum on Thursday, an evening of unseasonal chill and spitting rain, was the obligatory chorus of protesters on Eastern Parkway, raising voices against the developer Bruce C. Ratner, who was being honored that night for his support of the arts at the annual Brooklyn Ball.

To those on one side of the museum’s new glass-walled addition, Mr. Ratner is a deep-pocketed patron and, as the museum’s director, Arnold Lehman, said, “a nice boychick from Cleveland, Ohio.” To those at curbside on Eastern Parkway, he was viewed less benignly, as Satan. Most developers are.

“Atlantic Yards is truly going to make a lot of people miserable,” said one protester, Eleanor Price, referring to Mr. Ratner’s $4 billion plan to refashion downtown Brooklyn into a commercial wonderland of shops, a basketball arena and fanciful buildings by Frank Gehry. “They’re using eminent domain to get rid of a lot of people and to close businesses,” Ms. Price said. “Where are they going to go?”

A similar question came up in the minds of some who, making their way past the police guard outside the museum, found themselves in a forecourt where a group of ratty stalls, the type one sees all over Chinatown, had been set up. Inside such places — with their graffiti-covered riot gates, dubious signage and with touts outside hissing in Shanghai-accented English — out-of-towners have thronged for years, to participate in the racy but highly illegal game of scoring cheap counterfeit luxury goods.

Or at least they did until the city’s most recent crackdown in February, when whole blocks of Chinatown were raided and dozens of businesses were padlocked.

Here, in a bit of surreal museum theater, the stalls were mocked up again. Standing outside them were men who resembled the African immigrant vendors who haul around telltale bundles of alluring, cheapish and almost-right copies of stuff from Gucci and Louis Vuitton. This time, however, these characters were playacting. The goods laid out on trays and tarps were real Vuitton accessories. They cost, as they do in the stores, a bomb.

“There is nothing good” about the gray market in counterfeit goods, said Edward Skyler, the deputy mayor for operations, addressing a small crowd of early arrivals who had almost certainly never bartered for an $80 copy of a $1,400 bag off a blanket on the sidewalk. “There are billions of dollars in lost sales tax and revenue lost,” Mr. Skyler said as people nodded blankly and then raced inside the museum to get warm.

And there the partygoer was met by a fresh set of dilemmas, of the more manageable aesthetic sort. It seems almost passé to bring up the controversy that erupted when the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, where the Murakami show originated, set up a shop inside the museum selling Vuitton goods. A headline on this newspaper’s review of the current exhibition framed the overarching issue well: “Art With Baggage in Tow.”

The baggage in question, made since 2002 in a collaboration between Mr. Murakami and Louis Vuitton, has generated sales estimated to be in the hundreds of millions, by far the most successful such venture in the label’s history. “Vuitton has a long tradition of these collaborations, of relationships with artists, going back to the Impressionists,” Yves Carcelle, the chairman of Louis Vuitton, said on Thursday night.

Still, nothing the company ever did hit the jackpot like Mr. Murakami’s cherry-ornamented and “Multico” bags, which came about, as Mr. Carcelle explained, after 9/11, when the Vuitton designer, Marc Jacobs, suggested to his corporate bosses that it was no good to mourn forever: fashion had a responsibility, ahem, to help people past their grief. “Marc said,” Mr. Carcelle recalled, “ ‘If I work with Takashi, and we do something colorful, I think it will help make New York strong again.’ ”

At this, Mr. Carcelle turned his attention to Bernard Arnault, the chairman of Vuitton’s parent, LVMH Moët Hennessy Louis Vuitton, who was progressing through the exhibition with his wife, Hélène Mercier, both in their overcoats. Circling the central space, the couple ignored the servers offering lobster coral and caviar on spoons from Nobu. They sipped modestly from flutes of Champagne and made their way through a series of galleries arrayed with what seemed like a modest representation of Mr. Murakami’s output, given that the 46-year-old artist runs a major art production business that employs over 100 artists, animators, writers and artisans in offices and studios in Tokyo and in Queens.

There, in one room, they passed “Flower Matango” a cheery floral extrusion of unnatural hue. There, in another room, the couple paused to inspect the early nude cartoon sculptures “Hiropon” and “My Lonesome Cowboy,” each jetting ribbons of bodily fluid into the gallery space. (It was these, as the performer Kanye West remarked to me before entertaining the dinner crowd, “that first turned me on to Takashi and what he was doing in terms of the brand.”) And there, in a darkened video room, the richest man in France stopped briefly to watch an anime-style cartoon by Mr. Murakami in which a shiny happy androgynous character says, as it buzzes through space, “The entropy in the yin corner is growing intense.” It so often does.

The Arnaults had disappeared well before the dinner of tuna martinis and miso filet of beef was served, and without stopping long at the Vuitton shop where, alongside the Murakami bags, key chain holders, clutches and whatnots were some modest screened canvas scraps of artwork, in the new Monogramouflage design.

“They’re editioned canvas,” Erin Malstrom, the manager of the Vuitton store-in-museum, explained as she posed for assorted cameras in the serenely lighted gallery where the handbags are enshrined. “The first 50 in the edition are $6,000,” she added. “Nos. 51 to 100 are $10,000.”

Like the handbags, the purpose of these editions, Mr. Murakami said later, is to bring art to the hoi polloi, people in no position to lay out the $1.5 million that another French billionaire, François Pinault, paid for a 23-foot Murakami statue of the space alien Mr. Pointy in 2003.

Anyway, it is not the money that matters to him, he insisted. “I always want the art to be accessible,” he said at dinner, where the guests included Kristen Davis, Tinsely Mortimer and Julian Schnabel. “The money embarrasses me,” he said, looking not embarrassed in the least. Asked what he enjoys doing with the wealth that has made him one of the world’s richest artists, he added, “I like making a party and losing it all.”

@Source: http://www.nytimes.com/2008/04/06/fashion/06brooklyn.html?ref=design

Design@Tod's

Highlighting the link between art and fashion, the Italian shoemaker enlisted designer Patrick Norguet, architects from BarberOsgerby and designer and artist Ineke Hans to create a visual interpretation of its product.

@Source:
http://www.time.com/time/specials/2007/article/0,28804,1727737_1727679_1727421,00.html

Retail@Umbra - Toronto

Umbra president and co-founder Les Mandelbaum wanted the exterior of the brand's new concept store to illustrate the company's innovative and playful approach to design. And so he—along with co-founder and VP of design Paul Rowan—asked Kohn Shnier architects to wrap the 7,000-sq.-ft. (650 sq m) building in translucent pink cladding. Inside, Umbra fans can find the brand's entire range of innovative home and tabletop products, including the new Table Tools line of cutlery from the U+ collection. In addition to an events space, the store has a functioning design area where customers can watch members of Umbra's design team at work every day. Umbra, which has collaborated with designers like Karim Rashid, also works with emerging talent at schools such as Pratt Institute in New York City and the Ontario College of Art and Design.

@Source:
http://www.time.com/time/specials/2007/article/0,28804,1727737_1727678_1727396,00.html

Food@Tzuni Tea

A centuries-old tradition in China, "blossoming" tea is still a relative rarity Stateside. Tzuni's tea pearls are made of jasmine, lilies and other flowers grown in China. Each pearl is hand sewn with cotton thread, which loosens when immersed in hot water, allowing the buds (eight for $10) to blossom into flowers—making Tzuni's glass teapot ($26) a necessity. tzunitea.com

@Source:
http://www.time.com/time/specials/2007/article/0,28804,1727737_1727675_1727252,00.html

Design@DB Salt

The latest obsession of chef David Burke is pink Himalayan rock salt. He uses it as a seasoning, but he has also repurposed it as a building material. "Architecturally, it's gorgeous," says Burke, who constructed a hostess stand out of it at his restaurant in the Venetian hotel in Las Vegas. Home cooks who aren't up for a kitchen renovation can order the salt by the pound ($18) and grate it over a piece of fish. davidburke.com —Kate Novack

@Source:http://www.time.com/time/specials/2007/article/0,28804,1727737_1727675_1727248,00.html

Arch@40 Bond - New York City

For its first residential project in the U.S., the Swiss architectural-design firm Herzog & de Meuron embraced the local culture. Witness the graffiti-inspired walls and ceilings in the elevators and lobby, and the similar 22-ft.-high (6.7 m high) sculptural gate spanning the length of the building. The boxy exterior made of Spanish glass and blackened copper doesn't betray any sense of the curved forms within, but the floor-to-ceiling windows can't conceal an emphasis on light and outdoor spaces. Developed by Ian Schrager, the building is nothing if not modern Manhattan.

@Source: http://www.time.com/time/specials/2007/article/0,28804,1727737_1727673_1727046,00.html

Arch@National Stadium - Beijing

The Chinese call their new Herzog & de Meuron-designed Olympic stadium "the bird's nest." It's an apt description. The façade—a spectacular mass of geometric, crisscrossing lines from afar and an unruly thicket up close—acts as the supportive structure. It encloses a unique transitional space surrounding the stadium, which, after the Olympics, will be transformed into vast public areas containing shops, restaurants and hotels. —Betsy Kroll

@Source: http://www.time.com/time/specials/2007/article/0,28804,1727737_1727673_1727038,00.html

Exhibition@Takashi Murakami at the Brooklyn Museum

Roberta Smith writes: Who knew that the first Louis Vuitton boutique in Brooklyn would touch down smack in the middle of the borough's most venerable art institution? But there it is, at the Brooklyn Museum, bright and gleaming and blending smoothly into a sleek, stylish survey of the work of Takashi Murakami. Mr. Murakami, who is frequently called the Japanese Andy Warhol, is an astute manipulator of visual languages, artistic mediums and business models.
Photo: Julien Jourdes for The New York Times

When the show made its debut last fall at the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the shop was criticized for blurring the already fuzzed line between seemingly functional and nonfunctional luxury goods (i.e., art). But actually it’s an ingenious key to the Pandora’s box of Mr. Murakami’s art and stuffed with questions of art and commerce, high and low, public brand and private expression, mass production and exquisite craft.
Photo: Julien Jourdes for The New York Times

Kiki (2000)

Mr. Murakami siphons motifs from Disney and Dalí, strategies from Pop Art, and sexual fantasies from Japan’s anime (animation) and manga (comics) subcultures. His cast of variously cute, erotic or grotesque creatures and intense decorative pilings-on range across paintings, sculptures, animations and wallpaper, building at times to a hallucinatory intensity that has more than a touch of darkness.
Photo: Julien Jourdes for The New York Times

From left to right, Kawaii-Vacances (2002), Flower Matango (2001-2006) and Cosmos (1998)

One example is the riot of manically cheerful flowers created by the combination of wallpaper, paintings and one sculpture in a large gallery. The blooms look like petal-ringed smiley faces, only better — and crazier. The ensemble fulfills almost too completely Mr. Murakami’s stated desire to make art “that makes your mind go blank, that leaves you gaping.”
Photo: Julien Jourdes for The New York Times

“DOB in Strange Forest” (1999)
The exhibition's spine is formed by the demonic mutations of the artist's signatory and most ubiquitous character, Mr. DOB, the Mickey Mouse derivative who is something of a self-portrait. Splitting, multiplying, flashing jagged teeth and shapeshifting almost beyond recognition, Mr. DOB appears here as an enormous inflatable, a sculpture menaced by colorful mushrooms, on some flag-stone-like floor covering and in way too many slick, brittle paintings.
Photo: Julien Jourdes for The New York Times

“Tongari-Kun” (2003-2004)

Some other experiences balance things out. One is the enchanting 23-foot-tall "Mr. Pointy," a space-alien, 18-armed Buddha on a lotus throne surrounded by four guardians that dominates the museum's lobby. Its sinuous designs and rich colors evoke a fusion of Surrealism, Art Nouveau and Japanese kimonos.
Photo: Julien Jourdes for The New York Times

Even more spellbinding is a new animation dreamed up by Mr. Murakami and his company, Kaikai Kiki. “Planting the Seeds,” an instant classic, stars Kaikai and Kiki, two spirit guides in footy pajamas who are probably descended from Mr. DOB. They travel the world in a living spacecraft that gives new meaning to the term “mother ship.” Extraordinarily beautiful, with a deeply Japanese respect for nature, the tale suggests that there is no such thing as waste through a hilarious emphasis on manure — or as the three-eyed Kiki squeaks at the top of his/her tiny lungs, “Poop??!!”
Photo: Takashi Murakami/Kaikai Kiki Comapany

And, finally, in the last two galleries of the exhibition, Mr. Murakami’s painting explodes with a new complexity of color and meaning, matching the intensity of the flower room, but without the mind-blanking repetition. The combination of scale, rich detail and brilliant color and compositional and narrative drama is riveting. In “Tan Tan Bo” (2001) Mr. DOB is reincarnated in a kaleidoscope of color whose mixture of geometric and biomorphic forms is a kind of comic summation of modernist abstraction.
Photo: Takashi Murakami/Kaikai Kiki Comapany, courtesy of Tomio Koyama Gallery, Tokyo

“Tan Tan Bo Puking” (2002) is a Daliesque apocalypse: Mr. DOB in his death throes with globs of brilliant color spilling from his jagged teeth, and strange protrusions, at once foul and gorgeous, erupting all over his enormous head. One culminates in a golden hand that meets another hand in a flash of light. And in the lower right, the Kiki stands among four Shinto staffs dangling with sacred paper that signal the soul crossing to the afterlife.
Photo: Takashi Murakami/Kaikai Kiki Comapany, courtesy of Galerie Emmanuel Perrotin, Paris and Miami

In the show’s final four paintings, all from the last two years, different Japanese art forms, materials and styles create a great contrapuntal energy. In “727-727,” Mr. DOB’s snarling head bounces on an elegant unfurling wave, against layers of sanded colors that encompass the entire spectrum, and evoke ancient screens and Warhol’s Oxidation paintings as well as atomic radiation.
Photo: Takashi Murakami/Kaikai Kiki Comapany, courtesy of Blum & Poe, Los Angeles

"I open wide my eyes but see no scenery. I fix my gaze upon my heart" (2007)

Two large portraits of Daruma, the revered sixth-century Indian monk who introduced Zen Buddhism to China, mimic the calligraphic flair of ink painting (writ very large) but on surfaces of gold, silver and titanium leaf customary for screen painting. One leaves this show feeling that Mr. Murakami has found a new benign Pandora’s box: the richness of traditional Japanese art.
Photo: Takashi Murakami/Kaikai Kiki Comapany, courtesy Gagosian Gallery

@Source: http://www.nytimes.com/slideshow/2008/04/03/arts/0404-MURA_index.html

People@Jean Nouvel Wins 2008 Pritzker Prize

Photo by Christophe Petit-Tesson, courtesy Ateliers Jean Nouvel

Article By James Murdock

Jean Nouvel has talked of creating buildings that he hopes will disappear into their surroundings, defy easy characterization, and that will become dated. And yet with today’s announcement by The Hyatt Foundation that this 62-year-old Frenchman is the 2008 laureate of the Pritzker Architecture Prize, the profession’s highest honor, Nouvel’s oeuvre is certain to invite close study by many generations to come. In fact, contrary to the architect’s own desire, his buildings already stand out.

Many of Nouvel’s more than 200 works are concentrated in France but increasingly they are located around the world. They include a branch of the Louvre Museum at the Saadiyat Cultural District, in Abu Dhabi, expected to open in 2012. It will be covered by a dome-shaped, latticework roof whose filigreed pattern expresses Islamic influences—also evident in Nouvel’s first widely acclaimed building, the Institut du Monde Arabe, opened in Paris in 1987. But any resemblance between it and the Louvre is fleeting. Each of Nouvel’s designs acknowledges a unique context while making use of technologies and materials that are of the moment. If that makes them look dated after a few years, the architect is unconcerned.

“It’s impossible to create a timeless building. I cannot imagine doing that,” Nouvel says. “I like it when a building clearly has a date, the moment of its construction. If you do a building now and three centuries later it’s not the same building. Knowledge evolves, techniques also. A city is like a museum and what’s interesting is you can find the thinking and feelings of a generation, the preoccupation of an epoch, within the parade of architecture.”

This era, Nouvel believes, is preoccupied with the relationship of light and matter, and how one renders the other invisible. “The paradigm of modern architecture is simplicity and complexity: the more it seems simple, the more it’s complex,” he explains. “The best engineer a few decades ago was someone who could create the most beautiful beam or structure; today it’s to do a structure you cannot see or understand how it’s done. It disappears and you can talk only about color, symbols, and light. It’s an aesthetic of miracle.”

Nouvel hopes that his structures will disappear through a trick of the light, and he likewise creates buildings that evade easy characterization in terms of their typology, such as the Musée du Quai Branly. This Parisian museum, opened in 2006, exhibits non-Western art and artifacts. Resin-clad gallery volumes cantilever from the north facade, while the northwest corner is covered in an 8,600-square-foot vertical garden.

Designing buildings that are a pastiche, like Quai Branly, is Nouvel’s reaction against his training at the École des Beaux-Arts during the 1960s, when the International Style predominated. “You always had to do the same project with the same recipes, completely independent of the site and program,” he says. “I was interested by specificities.”

One of Nouvel’s current sites in New York City supplies so many specifics that it would almost seem daunting. In the Chelsea district—an architectural laboratory that includes structures by Shigeru Ban, Neil Denari, and Annabelle Selldorf, among others—he has designed 100 11th Avenue, a 72-unit luxury condominium tower located adjacent to a women’s jail and a state highway, and across the street from Frank Gehry’s iconic InterActiveCorp headquarters. Looking beyond this freighted urban context, Nouvel was instead struck by the site’s views of the Hudson River and the light it receives at sunset.

“It’s clearly a game with the nature of light and how to catch sparkles of light, a little bit like an eye of an insect,” he says of the south- and west-facing facades, composed of more than 1,700 differently-shaped glass panes attached to a steel frame at varied angles. “It’s a very special building for this exactly spot.”

Nouvel’s other U.S. projects are also mainly residential, although he first attracted notice here in 2006 with the Guthrie Theater: a striking composition of pure geometric forms and bold colors located along the Mississippi riverfront in Minneapolis. Upcoming buildings include a sustainable Modernist condo tower in Los Angeles’s Century City neighborhood. Los Angeles Times critic Christopher Hawthorne hailed its slender profile, which allows full daylighting throughout all residences, and hydroponic gardens as a contemporary reinvention of the United Nations headquarters. Nouvel is also designing a 75-story, glass and steel condo tower in midtown Manhattan. Rising more than 1,000 feet, it could become the tallest residential building in New York—unquestionably a stand out, regardless of what the architect’s hopes for it might be.

Nouvel is the second French citizen to receive the Pritzker after Christian de Portzamparc in 1994. Serving on this year’s jury were: The Lord Palumbo, trustee chairman of the Serpentine Gallery, in London; the Japanese architect Shigeru Ban; Vitra board chairman Rolf Fehlbaum; Carlos Jimenez, an architect and professor at the Rice University School of Architecture; architectural historian and author Victoria Newhouse; the 1998 Pritzker laureate, Renzo Piano; and Karen Stein, a design writer and former RECORD senior editor.

The Pritzker, first awarded in 1979, is given to a living architect and carries with it a $100,000 grant and a bronze medallion. This year’s honor will be bestowed during a ceremony on June 2 at the Thomas Jefferson Building of the Library of Congress, in Washington, D.C.

@Source: March 31, 2008 Article By James Murdock
http://archrecord.construction.com/news/daily/archives/080331pritzker.asp

Fashion@精品店變畫廊 buy物順便看藝術

高物價、低消費的時代來臨，當你逛精品店血拚時，會有罪惡感嗎？

別擔心！近來名牌精品店化身藝廊，將藝術家的作品融入精品店的內裝，逛精品店血拚的同時，也可以順道欣賞藝術品，增進自己的文化素養。

下次再逛精品店時，你可以大聲地說：「我沒在逛街，我在欣賞藝術！」

FENDI巴黎蒙田街店

藝術品在哪裡：

建築與外牆──FENDI建築本身和外牆的Logo LED燈，都是出自Peter Marino的傑作

女裝區──藝術家Lors Cecchini的銀球裝置藝術

本月才剛開幕的FENDI巴黎蒙田店，位於精品店群聚的蒙田街(Montaigne)上，建築和裝潢委由知名建築師Peter Marino設計，外牆裝飾FENDI Logo的LED燈，充滿東方神秘的氣氛，值得駐足欣賞。

這間旗艦店的另一特色，是店內女裝區的銀色金屬裝置藝術，是由義大利藝術家Lors Cecchini所創作，晶亮閃耀的銀色金屬球，映照四周的精品，呼應FENDI的摩登奢華品味。

香奈兒香港太子店

藝術品在哪裡：

珠寶區──神鹿銅雕，Francois-Xavier Lalanne的作品

■VIP室──藝術家Vik Muniz以鑽石詮釋香奈兒肖像

■外牆── LED帷幕影像，出自紐約藝術家Maichal Rovner之手

■櫥窗──大型珍珠掛飾，裝置藝術家Jean-Michel Othoniel的作品；山茶花攝影，Joseph Stashkevetch的作品

位於香港太子廣場旁的香奈兒旗艦店，總共收藏五位藝術家的創作，幾乎每一個轉角，皆可見到不同的驚喜。在大肆採購香奈兒同時，別忘了欣賞藝術品，提升美學品味和對香奈兒的了解。

YSL巴黎左岸店

藝術品在哪裡：

休息區──賓客VIP座椅採用設計師名椅

聖羅蘭 (Yves Saint Laurent)的巴黎左岸店日前開幕，邀知名Moatti et Riviere建築師事務所的Alain Moatti和Henri Riviere攜手合作，以最頂級的家具擺飾詮釋所謂的「奢華」，尤其是VIP室、試鞋間的賓客座椅，都是採用設計師名椅，光是一張椅子，要價就要約台幣 500萬元。

LV香港廣東道店

藝術品在哪裡：

外牆──日本建築師乾久美子的LED玻璃幕牆

一進店門──Fabrizio Plessi的「Luxury is Slow」鎏金LED藝術。

■二樓長廊──不定期畫展，目前展出周潤發的攝影展

LV廣東道店是個標榜藝術品味的精品店，店內處處是藝術品。外牆本身就是藝術品，是日本建築師乾久美子 (Kumiko INUI)的創作，與台北中山店一樣，是以大小不一的LED格子玻璃組成，在夜間閃耀點點光芒。

一進店門切記抬頭望，那是義大利藝術家Fabrizio Plessi的LED藝術品，主題是「Luxury is Slow」，以熔解的流金為概念，暗喻奢華。走進二樓則是畫廊，會不定期展出藝術家的畫作，近期展出的是周潤發的攝影展。

@Source: 2008/04/03 聯合報 http://udn.com/ ╱記者陶福媛