紐約時裝的新權杖@Fashion

雖說過去兩代設計師在設計理念和風格上有所不同，在時裝周上也是常有的事。只是，很少會出現這麼極端的景象。譬如倫敦時裝周，雖然新舊設計師區別明顯，卻也各自留有一手必殺技，留住顧客和粉絲。紐約按道理應該是一個統一和諧、商業性質濃厚的大盛會，設計的質量雖少有巴黎那一票的驚為天人之感，但起碼也是整體看得過去，誰穿上都像那麼個樣子的路數。可這一季偏偏是一邊春暖花開，一邊狂風暴雪。傳統大牌都出現了不同程度的滑鐵盧，業界反映不佳。

Oscar de La Renta與Carolina Herrera可以說一直是美式華麗的風向標，然而這一季二者交出的成績單，恐怕能擠進最不堪系列的前五名。Oscarde La Renta的模特們梳個大背頭，頭上戴個飾珠寶的髮帶，布料上或印著珠寶的圖案或密集地鑲上一片小珠寶。活脫脫地把Miu Miu跟Mary Katrantzou混搭了一把。可以看出今年八十大壽的Oscarde La Renta很想年輕一把，可惜整個感覺就是極不協調。他眼中的年輕少女，還停留在上世紀50年代，與當代「Gossip Girl」式的風流金融貴族小孩形象相去甚遠。而在Carolina Herrera的秀上同樣有那令人生厭的大背頭。服裝從色彩到輪廓再到後期大量出現的格子印花圖案都毫無質感可言。像超模劉雯演繹的那套，拿個極簡風格的銀色反光布料上衣搭個渾濁的黑色印花長裙，中間再搭個寬黑皮帶，真讓人摸不著頭腦。

反觀這幾年成長起來的年輕設計師品牌，這一季則大有厚積薄發之勢。2004年由Georgina Chapman與Keren Craig成立的禮服專門品牌Marchesa，打從成立伊始便是好萊塢女星的最愛。從上一季開始，從靜物展示改為走秀，算是轉成了正規軍。在晚禮服上，你能看到繁複手工的現代演繹，新古典主義在她們手中美不勝收，卻又不落窠臼。同樣是黑白紅，同樣是刺繡雪紡，有那麼些仙氣，更多的是少女的柔美。現階段的Valentino雖然走的也是這個路線，即便是Haute Couture，也不及Marchesa的此番脫俗。

然而最受矚目的非Proenza Schouler莫屬。Lazaro Hernandez與Jack McCollough經過十年的奮鬥，從拿下Ecco Domani與CFDA的贊助，到投資集團Permira旗下的Valentino Group入股，進入皮具生產，推出IT Bag「PS1」，再到現在的Theory創始人兼CEO Andrew Rosen掌控大局。Proenza Schouler一步一個腳印，從紐約幾百號年輕設計師之中脫穎而出。商業上取得了空前的成功，設計上更是達到了巔峰。說是這一季的第一名，也絲毫不為過。這一季他們的靈感來自於東方，不過Hernandez解釋卻是「以紐約的方式呈現」。與Jason Wu扣上清朝帽子的方式不同，他們對於東方的闡釋更加隱晦與深入。開場的幾件白色的Oversize造型，把輪廓玩弄得淋漓盡致，同時又不失運動感。中段的設計黑白金或黑白藍的配色在他們手上，搭配獨特的布料編織紋理，展現了極為東方卻又異常時髦的感覺。無論是這一季主打的誇張廓形，還是簽名式One Piece，都令人為之心動。而最後的數件設計則把發布會推向了高潮。海浪形狀的Cut Out、緞面的日本繪畫，孔雀、山稚刺繡，此番造詣已難以用言語表達。

亞洲風在這幾季的確颳得凜冽。華裔設計師Joseph Altuzarra與Alexander Wang，是紐約時裝周最炙手可熱的兩位金童。二位在這一季都展示了他們出道以來最為精彩與充滿鬥志的系列。Joseph Altuzarra繼承了法籍阿拉伯血統與中國血統的優點，浪漫、風趣、認真又才華橫溢，是時裝界難得一見的人才。而Alexander Wang則是展出了其有史以來最奢華的一個系列。雖然在妝容上借鑒了水果包裝，但效果拔群。據悉，今年他將在中國先後開設14家專賣店。估計是想以高級時裝而非高街的姿態進入中國市場。反觀往年最受矚目的Marc Jacobs，除了那奪人眼球的舞台背景，就設計本身而言，恐怕是他有史以來最丑的一個系列。似乎他想回到當年為他贏得名聲的Grunge造型，刻意堆砌，企圖製造Anna Piaggi般的時髦混搭感。但弄巧成拙，全系列臃腫累贅，毫無美感可言。若說是戲服設計，還差不多。但拋開可怕的混搭，將每一件單品拆開細看，你會發現這些衣服陳列在店中卻仍算具有「別緻的吸引力」。精明的美國人在商業上顯然要比歐洲那些人圓熟得多，雖然不及後輩們做得漂亮，但依然在噱頭和號召力上搶掉老牌不少風頭。

連卡佛的時尚總監Sarah Rutston在這次紐約時裝周后感慨道：「當市場感到不安，品牌在鼓吹太多不確定並且老設計師們試圖以保守取勝后，就到了年輕人的時代。」其他的高級百貨買手們也更多地將精力放在未來這些中堅分子的身上，他們深知現在的顧客群體已經是那些多金的年輕人，就連成熟客戶都希望穿著這些熱門貨趕一趕時髦。紐約這座城市的時裝設計已經完成了一輪新舊交接。老牌設計師們如果再不轉變觀念，恐怕很快就要被後浪們拍死在沙灘上了。

Rodarte：澳大利亞之夢

Sarah Mower對這一季給出的評價非常積極，她認為「在平衡了商業和藝術之後，Rodarte真正像品牌一樣設計了」。Kate和Laura Mulleavy坦言自己從來沒有去過澳大利亞，但也正是由於這一點，才讓設計的過程變得更加迷人，就像喬治•盧卡斯製作《星球大戰》一樣。美聯社的評論認為：「模特們的頭髮和衣服都像是被澳大利亞的風吹過一樣，非常真實。」Style.com則對於那件迷人的藍色雙排扣上裝讚賞有加，彷彿是Nicole Kidman從影片《Australia》的衣櫥里拿出來的一樣！對於最早迷上Rodarte的那部分粉絲而言，也許心存疑慮，商業味過多過濃，會融化掉那個怪異的Rodarte嗎?我們敢說肯定不會，那些具有岩洞壁畫風格的裙子就是最好的證明！

Diesel Black Gold：搖滾人生

就如Sophia Kokosalaki所言，這一季是在獲得一致好評的早秋系列的基礎上延伸出來的，所以毫無疑問，皮革外套和棒針毛衣將繼續成為設計重點，而男裝會繼續強壯有力的風格。雖然靈感來源搖滾並不稀奇，但依然有很多很有趣的設計值得關注，譬如那件具有波普藝術風格的毛衣看起來非常淘氣，是具有搖滾精神的女孩們一定會購買的單品。被扎得很低的寬腰帶就如同1960年代的設計一樣，腰線的下放，很容易讓你看起來年輕十足，而年輕一定是搖滾人最關注的東西，讓一個老者去討論搖滾，多少有些強人所難，除非你是Mick Jagger。《國際先驅論壇報》將整個秀的關注點放在了那些有趣的皮革上，對於這場秀，他們的態度是，「Sophia Kokosalaki用皮革精良地製作了一個充滿反抗氣息的系列。」

Proenza Schouler：東方以東

很多西方設計師都有一個東方夢，但大部分設計師對於東方的理解都是形式大於內容，作品很難跳出由於「審美不對稱」所帶來的視覺意象。但Proenza Schouler的嘗試非常成功，這個系列融合了東方的柔道服、斜襟、織錦、皮革編織等元素，設計理念非常國際化，就如同Hamish Bowles的評價那樣，「這個系列無疑是非常成功的，傳統的民族元素和實穿度頗高的日裝化整為一，時髦的同時又充滿力量感。」開場的超大箱形襯衣、側拉鏈夾克衫、絎縫色丁緞運動夾克，還有那些紋樣秀美的織錦，肯定會大獲好評，因為它真的讓你看起來時髦的同時又充滿底蘊，這才是消費者應該購買的衣服，不但時髦，而且特別！

Marc Jacobs：像Anna Piaggi一樣穿衣

這次小馬哥在曝光率上徹底贏了！來源於Anna Piaggi和Lynn Yaeger怪異造型的系列，雖然看上去混亂不堪，充滿爭議，但也有著Marie Antoinette式的傷感，戲劇性十足。秀場氣勢磅礴，Suzy Menkes說：「他完全到了另外一個層面，Marc不只是設計師，更是一位風格神探。」而Fashionista也認為能從17世紀一直橫跨到1990年代，而且融合於一個系列中的只有他。他不但是在設計一個系列，更在探討一種風格，一種反時髦的，同時又充滿樂趣的穿衣法則，就像他做的那樣，羊毛披肩、羊毛外套、拼貼藝術連衣裙、不規則剪裁的長褲，融合在一個Look中，時尚語彙的豐富程度就像是Anna Piaggi的配飾一樣，完全超出你的想象！

Theyskens』Theory：比酷更酷

正如《WWD》報道的那樣，轉戰現代品牌的Olivier Theyskens設計依然出色，時髦的同時力道十足。2012秋冬的作品，那些塞在中靴里的牛仔褲看起來非常時髦，非常酷。同樣色彩肌理的短褲表現出的更多是性感。長而透明的黑色長裙和標誌性的瘦版西裝的搭配組合，雖然算不上真正的新鮮之作，但確實比別人更勝一籌。對於這場簡潔時髦的秀，Vogue.com UK給出的評價非常中肯，「Interesting，cool and just showy enough.」而且我們更欣喜地看到那幾套手工繁複的精緻長裙，過去那個天才又回來了！

Prabal Gurung：晝夜之間

「一切從詭異的黑夜開始，在慢慢剝除掉沉重和哀傷之後，耀眼的金屬藍開始從天邊升起，天堂之門緩緩打開，輕盈的雲朵和金色的陽光照亮了一切。」這就是Prabal Gurung本季給人的感覺。這位出生於新加坡、成長於尼泊爾的美籍設計師，完全明白如何抓住女人們的心，黑色的那組，廓形非常犀利，裝飾細節充滿趣味，具有金屬彩虹一般的閃光面料，讓黑色的不同質地的面料彼此呼應，提升了衣服的層次結構。進入晚禮服階段，整個故事變得非常輕盈，白色的紗、亮片、鴕鳥毛像緩緩升起的雲彩一樣，每一個女性都夢想得到那件衣服。唯一讓人充滿疑惑的是，那些印花你是否覺得熟悉呢，Riccardo Tisci會對這些印花嗤之以鼻嗎?

Peter Som：強悍的理性

現在回想起Peter Som春夏系列上那些盛開的花朵，再看看秋冬這些冷漠的建築風貌的時裝，可以想象，做出這個決定並不容易。Peter Som的父母都是建築師，因而他推出的這些具有建築廓形的時裝也完全能理解，五分位球衣式的肩部和衣袖，以及新1940年代風格裝飾的短裙讓Peter Som的女孩們看起來高高在上，但絕對不是那些嬌嗔做作的富家女，她們或許是設計了一座先鋒派博物館的建築師，又或者是一位善於做獨立電影的導演。總而言之，她們對一切都了如指掌，就像她們來選擇他的時裝，她們知道，這完全適合她們！這確實是一場突破之旅，希望Peter Som之後的旅程一切順利！

3.1 Phillip Lim：女英雄的冬裝

「這季，我要為那些生活在我們周圍的女英雄們設計，」秀結束后Phillip如是說。這一季的秀場上，春夏秀場上清新、透氣的風格一下子消失了蹤影，呈現在我們眼前的是一件件「可以讓世界翻天覆地」的女英雄們喜愛的時裝，開場那件斗篷確實是女英雄們最熱愛的裝束，你知道寬大的衣袍里，總可以藏一些具有超能力的武器。Phillip Lim總是很容易抓到時髦的節奏，這一季，通過多種工藝在衣服上做出的小款衣服的造型，肯定會受到歡迎，而那幾組孔雀藍的設計，絕對會成為街拍榜里的常駐風景。

Ralph Lauren：唐頓莊園

《紐約時報》認為比起做一個時裝設計師來，Ralph Lauren更適合做一個天才般的「戲服」設計師。上一季，Ralph Lauren為我們帶來了《了不起的蓋茨比》的造型設計，這一季又是《唐頓莊園》，我們只能說Ralph Lauren真的太愛電視劇了，而且他真的很懂電視劇。當《唐頓莊園》的音樂響起的時候，疲憊不堪的紐約時裝周又活躍了起來。開場的那幾套「男裝改造」對於唐頓莊園無疑是太時髦了，帶來的驚訝絕對不低於Lady Sybil穿著東方風格的褲子出現在家庭晚宴上所引起的混亂，但對於時下的我們，無疑是最時髦的，不知道你是否留意到那套格子西裝和黑色天鵝絨長褲的組合，真是太迷人了。這無疑讓顧客們現在就去找他們門店的電話，告訴他們，貨一到就通知他們，無論什麼時候！

Alexander Wang：技術引導時髦

也許很多人認為Alexander Wang的新系列太過於前衛而實穿性不足，Cathy Horyn甚至從這個系列中嗅到了「自命不凡」的味道。這個系列確實和別的系列不太一樣，正如設計師自己解釋的那樣：「這是一個對服裝進行包裝、層壓、覆蓋和上漆的想法。」我們確實從中看到了那些神奇的「想法」，風雪衣、外套、毛衣等面料都進行了後置處理，有的上漆、有的打蠟，這些硬挺的衣服在黃色燈光下，看起來更像是一組組力量十足的機器，尤其是高領的網格毛衣，看起來像是有工業設計背景的設計師的作品。但如果我們同Alexander春夏的作品作對比，就會發現，這次的作品，和春夏系列有著完全合理的邏輯關係，只是這次面料玩得有點High了，但清晰的結構線、裝飾線說明了一切，紐約只有一個Alexander Wang。

Altuzarra：下一個大師?

當設計師的心智還沒有完全成熟，而成功卻來得太猛烈，就會發生像Altuzarra本季這樣的故事，由於上一季具有Grunge風格的外套過於成功，本季他似乎停留在了上一季的輝煌中，那個一往無前的Joseph好像突然失蹤了。雖然前進的步伐，稍稍放緩，但並沒有影響到他獨樹一幟的風格，運動和印花這兩個主題，他闡述得依然充滿趣味。Altuzarra設計的出發點是想製作一個「看起來質感豐富，又便於穿著」的系列，他做到了，至少Cathy Horyn也是這麼認為的，她認為他的設計鼓舞人心，這已經足夠了。而且Altuzarra非常努力，他的主題板上肯定貼滿了來自印度、摩洛哥、1960年代義大利的各種素材，而且從Balenciaga那裡學了不少東西！成為下一個大師也許指日可待。

Raf Simons：時尚「新風貌」@People

 

Dior換將風波中，比利時設計師Raf Simons作為最新的繼任者的猜疑熱點被推向風口浪尖至今也懸

而未果。雖然Raf Simons從來沒有修讀過時尚，但他的名字與Jil Sander Raf捆綁后所帶來的極簡而又絕對先鋒派的設計和影響力，讓他理所當然地成為時裝行業最有影響力的人物之一。Simons就是21世紀的Helmut Lang。但也正是這種鮮明的極簡風格與John Galliano為Dior注入並紮根的奢靡華麗南轅北轍引發了質疑和支持派別間更大的對抗聲：他是否能為Dior帶來「新風貌（New Looks）」。

 

在Raf Simons擔任Jil Sander品牌的創意總監長達六年之久期間，

這個品牌一直在發展壯大，引領時尚潮流，並且用一季又一季的優秀作品令這個行業對該品牌徹底刮目相看。藉由Raf Simons到柏林參加由梅賽德斯·賓士贊助的名為「The Avant/Garde Diaries」的藝術活動，我們有幸得以在柏林和這位一向以沉默寡言而聞名的設計師見面，並對他進行了獨家採訪。採訪中我們談及了他一路晉陞到頂級設計師的歷程，他是如何發現自己的創造性即使是生長在一個文化氛圍相對不太濃厚的小城鎮，以及他未來的時裝生涯計劃。

Q=《周末畫報》
RS= Raf Simons

Q：Simons先生，你設計的衣服非常有藝術感。你會覺得你自己是一個以時尚為生的人嗎？ 

 

RS：我要怎麼回答才會顯得不那麼具有批判性呢？在時尚界，

其實並沒有那麼多的事情會使我感興趣，這可能是因為我太投身於其中。你知道嗎，往往當你太過於投身於某件事物當中的時候，你會發現它的一些本質，使你對它有了更全面的認識。然而對於藝術界，我還是充滿好奇心。那裡有很多令我感興趣的事，我不一定真正了解它們，但這也正是令我著迷的地方。在時尚界，我所知只是有非常多的品牌和非常多的設計師，然後你就會開始變得更挑剔，開始對事物有了更為特別的看法和觀點。

Q：2005年你成為了時尚品牌Jil Sander的創意總監。這個品牌和其他品牌有什麼不同之處？

 

RS：Jil Sander是我非常敬佩的公司之一，

他們那持有的某種態度和純粹主義的設計理念構成的環境有利於我能夠更好地融入其中。與此同時，我還有這種感覺，我能為這家公司增添一些新的東西，我對這個品牌來說是有存在意義的。其實在此前後，也有其他品牌幾次三番來找我接洽合作事宜，但我始終都會問我自己：「我真正想做的是什麼？我能夠相信的又是什麼？」因為我覺得，除非你清楚自己想要前進的發展方向，否則即使到了那些環境中，你其實也會一事無成。

Q：有沒有其他品牌你本來可能參與創作的？

 

RS：最多可能會有三、四、五個是我本來有可能參與其中的，

Jil Sander就是其中之一。與Jil Sander的合作其實是在非常奇怪的環境下達成的：當時來問我的是公司當時的老闆Patrizio Bertelli和Miuccia Prada。他們打電話給我的時候，我還以為是有關Helmut Lang的合作話題。時尚界所有人都知道，我一直都是Helmut Lang的超級粉絲。而Helmut Land、Jil Sander和Martin Margiela這些其實都是我為之非常迷戀的品牌。另外可能還有兩到三個品牌，不過當你再深入了解之後，這樣的迷戀感基本上就停止了。

Q：談到Margiela，我記得你有史以來參加的第一場時裝秀就是這個品牌的。你曾說一切都非常動人，有一半的觀眾都哭了，那次時裝秀對你有很大的影響。為什麼？

 

RS：因為那天我才真正理解，時裝也可以有概念性，有思維性，

也可以和某種社會和心理層面的事物產生關聯。那場Martin Margiela的秀是在巴黎一個很蹩腳的場地舉辦的，並不是在建築內，而是在一個黑人聚居區的操場上舉辦的。那裡的父母同意了Margiela公司在那兒舉辦時裝秀，唯一的條件便是允許他們的孩子到場觀看。所有人都認為孩子們應該只會好好地待在T台的兩邊，但事與願違。孩子們開始和那些女孩們玩耍起來，那是一場非常非常不同的秀。以前，我對時尚的理解是認為它是很高調的美國佬式的東西，你知道，像是日光浴啊、年輕男孩啊、健康啊等等。但Martin卻讓它完全地變了個樣子：就好像它是從墳墓還是什麼東西里出來似的。我從沒有過這樣的生活背景體驗，因為我的父母都是典型的工薪階層，而我也出生在一個幾乎沒有文化可言的小村莊。

Q：在那樣的地方，你是如何發現你身上具有的創意才華的呢？
RS：在我還非常非常年輕的時候，我最早收藏過的東西是唱片行里Peter Saville早期為Factory Records設計的一些唱片封套。我出生在一個僅有6000居民的村莊，所以根本不用提什麼柏林、倫敦、紐約之類的詞了。回想一下，那是個沒有電腦，沒有手機，什麼都沒有的時代。某種層面來說，那時就是純粹的與世隔絕。

Q：你如何才走出那樣的環境？

 

RS：從班上那些一年只來一兩次的同學手中，我得到了一本書，

告訴我去哪裡可以學習到什麼樣的知識。在書的背面，有一半是關於建築學專業，另一半是關於工業設計專業。我看了工業設計學校的地址，那裡離我父母的家不遠，坐公交車就可以到，所以，我覺得我應該去那看看。我走出門，心想：「這才是我要做的。」我看到很多孩子坐在那兒，抽著雪茄，那看起來是如此不同的一個世界。

Q：那開啟了你的視野……

 

RS：我看到他們所做的事，然後我想：「好吧，那就是我要做的。

」我甚至都沒有再好好仔細考慮。然後我就進入了那所學校，因為我是那種一旦決定做某件事，就非常認真的人。在頭幾個月里，我開始意識到，一切皆有可能—無論是讀藝術學校，還是讀時裝學校。但我認為：「不，我既然選擇了工業設計，我就要讀工業設計。」我非常享受整個教育過程。工業設計不僅僅是創意，還需要非常強硬的理論知識，課程還包括數學、人類工程學、哲學、心理學和社會學。我覺得，我內心還是有一部分渴望在類似於這些的事情上取得成功。

Q：如今，比起幾十年前，時尚是不是與藝術和文化方面的影響聯繫更緊密了？
RS：不，一點都不，我覺得人們很容易遺忘。但如果你回看過去的Yves Saint Laurent，早在1970年代，他的作品就已經與許多藝術品和名人有了非常緊密的聯繫。時尚的本質就是總與很多不同形式的藝術相聯繫，不論是藝術，或是應用藝術環境、社會和明星，等等。但時尚的記憶總是非常短暫，所以認清這一點很重要。這也就是人們為什麼容易忘記過去的原因。

Q：談到那些穿你設計的衣服的客戶與你之間的溝通這個話題，你覺得在這種溝通中，互聯網有什麼重要的作用？

 

 RS：這個問題最近常常在我腦海里盤旋。長期來說，我並不清楚，

但目前看來，顯然它是非常重要的工具，對於這代人來說確實如此，但回想我小的時候，那時候的工具只有電視、雜誌、固定電話，然而20年後的現在，這些東西都落伍了。所以說，我只是在設想，在未來20年，電腦、互聯網或許也過時了呢？這些都是我們不知道的事。

Q：的確如此。
RS：當下來看，它是非常重要的工具，因為它是年輕一代人的工具，但我還是相信，現實生活中的體驗能夠造就不同。幾年前我曾經做過人們稱其為「背包秀」的一場秀，秀中他們得光著腳，因為我希望他們能夠感受地面的感覺，背著背包，走進外面的世界。因為我認識很多年輕的孩子，他們的世界其實就僅限於他們6平方米的房間和電腦中。對於新一代人接觸世界的方式，我很尊重也接受，但這種方式還是讓你失去了很多。

Q：因為現實中接觸到的藝術作品和屏幕上看到的不同？

 

RS：完全正確。規模、空間、光線等等一切都不同。

在影院裡面看電影，現場看舞台上的表演，參與其中，感受與他人的共鳴，這是非常非常不同的事。這和我們所信奉的新交流方式是百分之百的相反。但互聯網之所以重要，是因為年輕一代的孩子們非常擁戴它。而我覺得它也有可能很快就會消失。歸根結底，我們都是動物，極富動物性的一面。我們喜歡有可以接觸和溝通的對象。

Q：人們可能最終學會「品味」這樣的東西嗎？

 

RS：我覺得從一定程度上來說是沒法教的，因為在我看來，

教書不只是教他們畫一種圖案或縫一條裙子那麼簡單。教書需要和他人建立對話，以此教會別人開始思考的過程。我發現其實很多人是有趣的、獨立的、特別的、富有意義深遠的思考過程的，但是，一旦進入這些抽象的思考過程后，就必須得轉化成實質的物品呈現。而這就是難度所在。

Q：當某個項目正式完成之後，你有沒有過那種接下來無所事事的感覺？
RS：沒有。我總是想： 我應該做這個的，我應該做那個的。」就是這麼一直繼續下去。

 

 @Source: iWeekly·周末画报

COCA-COLA x PLAY BY COMME des GARÇONS@Design

2012-03-14

 

只能說一聲OY MY GOD，相信不少人都好像我一樣，為此系列PLAY COMME des GARÇONS的包裝可樂為之驚艷，滿心歡喜以為在不久的將來，可在7-11或OK的冰箱中看到多個心心及多對眼睛。但是，亦只能說一聲對不起，因為此系列只屬紐約帕森學院的設計系學生ASHLEY SHEN的實驗品。ASHLEY擅長結合世界知名品牌的跨界聯名企劃設計，其高完成度及創作力絕對能夠直接推出市場。是次結合川久保玲旗下副線PLAY系列名可口可樂，意外的擦出火花令人為之一嘆。(EU)

http://www.ashleymshen.com/index.html

去機場消遣時光＠Travel

最近在美國熱播的電視劇《泛美航空》引起一片航空懷舊潮，

片中重現了當年乘搭飛機享受到的優質服務，比如協和號飛機(Concorde)的貴賓室可享受到優質香檳。這幾年，隨著經濟環境的影響及燃油價格上漲，機場服務已不像從前那麼豪華,機場看起來更像一個擁擠緊張的地方。但數一數，全世界範圍內也有例外的機場，提供各類特色服務，包含專有SPA、特色美食、體貼貴賓室等等。如果你恰好因各類原因被迫停留機場，請留意以下推薦，令旅程輕鬆愉快。

北歐，徹底放鬆SPA

赫爾辛基機場與其他歐洲重要機場相比(如倫敦希羅、阿姆斯特丹、法蘭克福)可能還只是一個小嬰兒，客流量沒那麼多。機場經過翻新，仍保留一些歷史元素，比如舊航站樓還是用原來的木地板，透出懷舊感。讓人印象深刻的是東道主芬蘭航空在其國際航線區域的商務艙休息區特別開設了一個SPA區域，這裡有一個礦泉水游泳池，旁邊放著幾張電熱太陽椅，可以泡在水裡或躺在熱椅子上休息，同時望望落地玻璃窗外的飛機起降入位。最有芬蘭特色的則是地上鋪著樅樹葉的桑拿室，可以光腳踩踏樹葉，與自然親近，同時蒸個熱氣騰騰的桑拿，不管外面冰天雪地，裡面照舊溫暖如春；另外還有一個外包的按摩理療中心，使用德國高品質按摩精油，以及在歐洲廣泛使用的水床及顏色調理燈光(chromotherapy)床,讓旅客儘快調整時差帶來的困擾。

英國，商務式招待

我以前的夢想是體驗一次協和號飛機(Concorde)，可惜，它已經退役多年了；這是以前明星、國際政要、富豪及商人往返倫敦與紐約之間的第一選擇。對他們來說，時間就是金錢，因在機場等候是非常無奈及浪費時間的事情。如今，世界上利潤最高的航線是倫敦—紐約的金融航線，因大部分乘坐這條航線的都是金融業的商人。協和號停飛后，英國航空公司推出了一個Best Kept Secret: 從倫敦市中心(London City Airport)出發到紐約肯尼迪機場的直飛航班，這個航班還保留著當時協和號的航班號碼BA001。這個London City Airport位置非常便利，從倫敦的金融商務地區Canary Wharf出發只需幾分鐘車程，無託運行李的旅客可以在起飛前15分鐘辦理登機手續，非常節省時間。

中東，五星級酒店服務

1980年代俄羅斯空域還沒開放，飛行必須繞道經過印度或中東。但這幾年，東道主卡達航空則把這機場變成一個重要的轉機中心。搭乘卡達航空的頭等及商務艙旅客可以享受獨用的貴賓航站樓(Qatar Airways Premium Terminal)。貴賓航站樓的服務標準相當於一家五星級酒店，到達後有專門禮賓服務員(Concierge)陪同到座椅式櫃檯辦理登機手續。在二樓設有頭等及商務艙貴賓室，在這裡乘客可以享受五星級酒店服務如Jacuzzi、水療中心、自助餐美食等，也可以免費使用配有秘書服務的商務中心及會議室。長途轉機的旅客可以在登機前洗澡更換衣服。當然，為了消磨時間, 這裡還有Sony Play Station 及其他娛樂遊戲設備。為了方便穆斯林旅客，也設有男女分開的祈禱室。喜歡購物的旅客還可以逛逛免稅店，避免像普通航站樓的購物人潮，逛起來心情也格外愉快。

首爾，有博物館的機場

大多數機場的功能不外乎辦理登機手續、過安檢、候機、登機。最近幾年在Skytrax網站得過獎的首爾仁川國際機場，可以說是世界上服務最完善的國際機場之一，除了滿足功能外，這個機場與眾不同。機場四樓的中轉樓層有一個韓國文化博物館，在這裡，旅客可以了解傳統韓國文化，還可以看到現場表演及當地藝術展覽。仁川機場還是世界上唯一一個擁有三條Catagory IIIa 儀器降落系統導航(ILS)的跑道，如飛機設備符合及機組持有CategoryIII 的飛行合格證，可以在能見度低於50米的情況下安全降落及起飛。

 

＠Source: iWeekly·周末画报

Gap推出新一季“Gap讓我們在一起” 廣告大片＠Fashion

Muma (木瑪) x Juliet Simms –搖滾唱作人Rockers

 

Angelababy & Pharrell Williams –跨界藝人Originals

Cui XiuWen (崔岫聞) & Aaron Young –視覺藝術先鋒Visual Vanguards

  

2012-04-25来源:GQ男士网

中国上海，2012年4月25日-作为美国经典且鼓励独特性、自由与热情的时尚品牌，Gap在2010年首次登陆中国之际，为庆祝中美文化融合，推出“Gap让我们在一起“广告大片。

整組大片由美國時尚界極富傳奇性的女攝影師Annie Leibovitz執鏡。此次，六位元藝人組合分別為跨界藝人（Angelababy & Pharrell Williams)、視覺藝術先鋒 (崔岫聞 & Aaron Young)、以及搖滾唱作人(木瑪 & Juliet Simms)三組——作為在各自領域被廣為人知的先鋒性人物，他們都在用自己充滿激情與個性的方式，不斷傳遞出對自由和樂觀的無限憧憬。

孟克「吶喊」35億天價拍出@Art

挪威畫家孟克的名作「吶喊」
美聯社

聯合晚報╱國際新聞組/綜合報導

蘇富比2日在紐約拍賣挪威畫家孟克的名作「吶喊」，經過激烈競標，成交價 (含佣金)高達1億1992萬2500美元 (約台幣35億1373萬元)，刷新世界紀錄。 「吶喊」總共有四個版本，其中三幅由挪威博物館館藏，蘇富比拍賣的版本是唯一私人收藏品，起標價4000萬美元，原本預估賣8000萬美元。一開始有七人激烈競標，後來只剩兩人對決，最後由一位匿名者以電話出價勝出。這件作品僅12分鐘就喊到藝術品拍賣史上最高價。
蘇富比表示，今天賣出的這幅「吶喊」是四個版本中最多采多姿、力量也最撼人的一幅，只有這個版本由畫家親手畫上框框，以便納入他那首交代此作靈感來源的詩。在詩裡，孟克描述自己「由於滿懷焦慮而全身顫抖」，而且感覺到「整個大自然在大聲吶喊」。
先前藝品拍賣紀錄是2010年畢卡索的「裸體、綠葉和半身像」 (Nude, Green Leaves and Bust)，在佳士得拍賣會的成交價為1億650萬美元。
2日拍賣的「吶喊」創作於1895年，奇特的人物造型、線條和燃燒的血紅色雲、象徵死亡的黑色，表現出現代社會的焦慮和人類的苦悶。賣家是挪威商人歐森，他父親是孟克的朋友兼贊助人。

@Source: 2012/05/03 聯合晚報

一場緩慢的革命——越後妻有藝術三年展：大地藝術祭＠Art

 大地藝術祭的旗幟與民主黨的海報遙遙互相呼應。（攝影／黃姍姍）

 《大地の芸術祭―越後妻有アートトリエンナーレ2003, 2006》

 齊藤健、黑澤清高｜大家的草 在青山綠水之間突然出現了一叢白色的草，誤入草叢的人像是變成了蟲子，在這裡尋覓自己喜歡的生活方式，作品中間設有許多椅子，讓觀眾能夠坐下休息，嘗試以蟲子的角度觀察這片土地。（攝影／黃姍姍）

 Stasys＆ Kolodziejski / Witaszewski（A＋D）｜訪問者 在綠色大地中乘風破浪的帆船乘載了眾多的希望與期待，探訪這塊陌生的土地。（攝影／黃姍姍）

 水澤尚子｜我們的農業 村落的人們穿著由藝術家設計的工作服，帶著滿面的笑容。（攝影／Masanori Ikeda）

 Stasys＆ Kolodziejski / Witaszewski（A＋D）｜訪問者 在綠色大地中乘風破浪的帆船乘載了眾多的希望與期待，探訪這塊陌生的土地。（攝影／黃姍姍）

內海昭子｜ 為了許多被遺忘的窗 為了喚醒對越後土地的記憶，藝術家設計了巨大的窗戶，讓觀察用新鮮的觀點再次意識窗內窗外的風景。（攝影／黃姍姍）

2010/4/20│黃姍姍 │圖｜Artfront Gallery提供、部分黃姍姍攝影

9月日本大選結束，新登場的政治領袖民主黨黨魁鳩山由紀夫（Hatoyama Yukio）揭示：「受到美國主導的市場基本教派主義的衝擊，人們正逐漸喪失做為人的尊嚴……美國主導的全球化將走向終結……」鳩山的宣言說出了日本社會欲求改變現狀的心聲，除反映其長年追隨美國腳步的倦態，也是戰後60年來持續追求資本主義的疲憊。

選舉雖已結束，進入新潟縣的「越後妻有三年展．大地藝術祭」（Echigo-Tsumari Art Triennial）區域之後，沿路上仍可陸續看見民主黨宣傳海報，鳩山身旁大大標示著「政權交替」，訴說著日本正經歷的政治巨大更迭——一向對政治冷感的日本國民，這次終於用自己的一票改變了日本戰後長久以來的歷史。

和這位新政治領袖鳩山抱持著相同信念的，還有北川富朗（Kitagawa Furamu），他身為引領越後妻有三年展發展的靈魂人物，同時也是一位堅持著緩慢革命的先鋒者。

落寞的雪國，傷痛的大地

1945年以後，戰敗國日本積極朝向復甦之路，以美國為最高指標邁向現代化、高效率的資本主義之路，追求經濟自由主義，經歷1970年代高度經濟成長，在1980年 代成功確立了其世界重要大國的地位。然而在繁華與進步的背後，日本這塊土地付出了更高的代價，公害污染所造成的疾病、被過度開發的國土讓各種土石災害不 斷，人口大量向都市集中、地方卻成了人口空疏地帶，只剩下堅守鄉林山村的老者，所有地方都市更因為大型連鎖店的設立與高樓林立而呈現高度均質化，毫無特 色。都市的激烈競爭與狹隘空間也讓人與人之間的冷漠疏離更甚，自殺率直線上升、青少年殺人事件等等層出不窮的社會問題日益增加，日本全體社會已經呈現一種 衰老的疲憊與閉塞感。

1990年代泡沫經濟崩解後，所謂「失落的十年」已被延長為「失落的20年」（從1990年至今），這段漫長的低迷歲月，日本的政治就像是失序的列車迷失了方向，任憑政治官僚操控，國家資源全部集中東京，而地方只有日益衰弱。

文化政策也呈現中央集權的現象，1968年在文部科學省下設立文化廳，由中央統籌管理。進入1970年代後，少數具革新理念的地方政府開始進行具有特色的藝術文化支援政策，然而直到1995年「地方分權推進法」設立之前，地方政府大多跟隨中央政府的施策；隨著1999年初大規模「地方自治法」的改正，475個相關法律條文成立，地方自主政策的發展才真正步入軌道。（註1）經過20年的發展，這些地方政府的文化行政負責單位才逐漸有實質文化權力，並肩負起地方上文化與藝術活動的重大責任——位於新潟縣的大地藝術祭就是在這樣的歷史背景下被催生出來。

「穿越那邊界悠長的隧道，這就是雪國。」—川端康成（註2）

大多日本人耳熟能詳的一句話，就是川端康成（Kawabata Yasunari）小說《雪國》中所描寫的新潟。這片擁有悠久歷史的土地，古稱「越國」，被分為越前、越中、越後。越前靜謐的雪景和越後壯麗的梯田，是日本人心目中最美的「原風景」（註3），在經歷戰後60多 年歲月的催化，美麗的雪國逐漸失去了她的風華。當時新潟縣面臨高齡人口死亡以及年輕人口向都市外流的問題，村落中徒增空屋與廢棄的校舍，原本代表世世代代 祖先心血與智慧的梯田，更因為沒有人力耕種而荒廢，中央政府也只能以大型土木公共建設計畫試圖刺激地方經濟的疲軟，當時甚至出現過將大片山田改建為大型墓 地的計畫。

面對日漸頹圮的土地，以及缺乏長期的視野、搖擺不定的中央集權，新潟縣地方政府積極尋求改變的可能。為了抵抗只追求效率的中央政府政策，新潟縣政府終於在1996年，結合六個鄉鎮市役所（其中五個已合併為一個都市）的力量，提出了振興地方的「藝術項鍊計畫」（The Art Necklace Project）。這是一項反思地方在地特色的創意政策，試圖以藝術與文化的手段，來重振在現代化過程中日益衰頹老化的農業地區，其基本理念為「人類與自然的共生」。

藝術，緩慢的革命

2000年首次舉辦的三年展，是在無數的地方居民說明會與報告會慌忙行程中，以及當地居民反對與懷疑觀望態度中誕生，在跨地762平方公里遼闊土地上，北川奮力灑下藝術的種子，當時，誰也無法預期它是否會發芽。

經 過十年以上的歲月，在綠油油的稻田佇立著色彩鮮明的藝術作品，當地居民以笑容迎接外來的參觀者，那些曾是廢墟的空屋與校舍找回了往昔的生氣。透過藝術家的 創作，建築被賦予新的意義，在此，藝術家並不是孤立的獨裁者，而是創意點子的提供者，也更是協調合作的一分子；藝術扮演的不再是美化環境的角色，而是激 發、連結、思考的觸媒。從追求效率快速、被大量消費、刺激充斥的當代社會逃逸，進入這片土地，人們得以用整體的感受體會自然，呼吸土地和樹木的味道、讓微 風輕撫臉頰、在尋找作品的漫長道路上得到汗水淋漓與驚奇美感交織的新鮮體驗。北川強調在明治時代將西方美術概念引入日本以前，藝術存在於祭典中，在玩樂 中，在生活每一個細節當中，這種五感融合的藝術體驗才是他的理想。

自藝術家掙脫現代主義框架中美術館白色方盒（white cube）式的桎梏，抵抗藝術淪為商品的命運，藝術分別以多元的面貌呈現，如地景藝術（land art, earth art）或社區藝術（community-based art）、參與式藝術（engaged art）等。透過這些新典範的藝術實踐，藝術家重建個體與社群、藝術作品與公眾的關係，不再以藝術風格，改以社會目的來觀看作品，挑戰長久以來主流的自主性意識、型態狹隘而侷限的美學觀點（註4），而藝術家的介入也成為一股改變舊有體制系統的新力量，這也是策展人北川所堅持的藝術的力量。

地方再生與社區活化

北川本身出生於新潟縣高山市（註5），就像其他新潟縣外流人口一樣，他在新潟度過青少年歲月，結束高中生活後便赴東京求學。東京藝術大學畢業之後，他曾策畫多場藝術展覽，更在1988年主導「無種族差別政策國際美術展」（Apartheid Non International Arts）（註6），巡迴日本全國194地，奠定北川日後藝術草根（grass-roots）活動的根基。同時他也曾經規畫多處著名的公共藝術計畫，其中東京「立川市公共藝術特展」（Faret Tachikawa）是著名的案例。對北川而言，所有要求標準與相同的學科領域中，藝術是唯一接納「獨特」和「與眾不同」的領域。人類的多樣性在現代化過程中被統一、均質壓抑；而在藝術裡，終獲得解放。出身於新潟的他，對藝術祭的投入似乎來自那一種強烈的使命感，與對於土地的深深依戀。

人類學者紀爾茲（Clifford Greertz）在其論著《在地知識》（Local Knowledge）中指出，藝術是文化體系當中的本質與基礎，文化的詮釋與書寫亦須從藝術家的作品中探討，因從藝術中可看見該民族文化中的社會關係、規範與價值系統。（註7）現代主義主導下的藝術作品去脈絡、去歷史的自律神話已不存在，而當藝術家的創作涉及社區的公共領域時，藝術作品中蘊含的不只是藝術家本身背景，更延伸至在地脈絡以及議題詮釋方式，甚至是創作過程中的公共性面向。

在強調社區溝通對話的藝術創作過程中，社區在藝術創作過程中究竟扮演什麼樣的角色？是藝術創作的客體？藝術家觀看和詮釋的題材對象？還是有可能跨越教育與階級差異成為藝術家創作的夥伴，共享詮釋與再現地方的權力？自2006年的空屋計畫，到2009年的廢校計畫，喚醒休眠空間的生命，都是將地方的負面遺產轉化為正面價值空間的大型計畫。目前已經有13間 廢棄校舍得以再生，成為展覽場所或是住宿場地；這些再生計畫當然促進了當地的旅遊與文化產業，但是產業本身並非目的，地方自信的重建與和外界的交流，才是 藝術祭典帶來的最大的收穫。其中除了建築物所有者與藝術家之外，更有專業的建築師與相關研究專家參與計畫，形成綿密的網絡，緊緊結合了地方文化與外來刺 激。《繪本與木之實美術館》（Hachi & Seizo Tashima Museum of Picture Book Art）與《最後的教室》（The Last Class）成為常設性的展示空間，《家的記憶》（House Memory）、 《脫皮的家》、《綠色的房間》則是根據民屋原有的特色進行作品的展示。經過專業學術研究單位徹底調查與評估、整修施工，藝術家的巧思，居民的運作與維持， 多方觀點的交流與衝擊後，才得以出現的大地藝術祭，我們觀察到的是其運作手法的細膩與精緻，而非一味追求快速的利益回收與數值產業。透過大地藝術祭這媒介 串聯了土地遠古的記憶與當代挑戰創新的熱情，緩慢、但確實地改變了這塊沉睡大地。

下一個十年挑戰

當 下日本全國除了大地藝術祭之外，各地的類似案例眾多，當藝術活化地方策略被大量運用，無數的藝術造街文化造村運動被大量繁殖。面對這樣的現象，北川依然抱 持著積極的態度，「比起用土木工程、大型商業設施等方式企圖活化地方，藝術依然是唯一能夠尊重當地文化的適當手段，即使有人認為藝術被利用；藝術並非目 的，重要的是生活在這塊土地上的人們是否感到幸福與充實。大部分生活在都市的人，即使物質環境全備，但被細分化社會型態與人際關係的疏離，讓他們喪失了生 活的喜悅。」

強調藝術是聯結、藝術是激發的北川就像是一位革命者，堅持著他不變的信念。即便如此，現實依舊是艱困的，面對未來依然有眾多課題，維持展覽活動的經濟基礎便是極大的考驗。前幾年曾有消息透露三年展因為經濟財源的拮据，而將被迫停止舉辦，今年在Benesse企業福武總一郎（Fukutake Soichiro）的全力支持之下，總算得以順利持續進行。此外，大地藝術祭積極呼籲大眾運用新稅制來支持活動的運作，自2008年開始施行的「故鄉納稅制度」，是讓日本國民能夠指定將自己的稅金撥付給其指定之地方政府的新稅制。而將於2010年7月到10月舉辦的「瀨戶內國際藝術祭」（Setouchi International Art Festival），也和新潟的大地藝術祭成為里山里海（註8）相呼應之藝術計畫，這也預期將激起更大的漣漪效應。

2009年夏天，我們看見日本除了政治上變革之外，還有一場緩慢卻穩健的藝術革命，正努力朝向下一個十年，持續進行中。

(本文首次刊登於《典藏今藝術》雜誌2009年10月份)

註1：中川幾郎，《分時代の自治体文化政策》，東京：勁草書房出版，2001。

註2：《雪國》為川端康成於1935至1937年間發表的小說。

註3：日本本來的風景，泛指明治時代到第二次世界大戰為止這段時間，日本國內各地山林鄉村的景色，是相對於戰後西方現代主義建築的規格化都市景色，帶有對日本傳統生活方式濃厚的懷舊情懷，也讓人有一種回歸自然的憧憬，同時暗示了這樣原始美麗的風景逐漸消失的危機。

註4：雷西（Suzanne Lacy）編，吳瑪悧譯，《量繪形貌—新類型公共藝術》（Mapping the Terrain:New Genre Public Art），台北：遠流，2004。

註5：目前已改名為上越市。

註6：「無種族差別政策國際美術展」（Apartheid Non International Arts）為聯合國文教組織所策畫的巡迴展，由世界各地藝術家參與，1983年在巴黎首次舉辦，之後巡迴歐美各國，1988年至日本展出。「Apartheid」指南非的種族差別政策。

註7： Clifford Greertz, Local Knowledge: Further Essays in Interpretive Anthropology, New York: Basic Books Inc., 1983.

註8：里山里海（日文發音為sato yama, sato umi）指的是介於大都會與杳無人煙山區之間的農村或鄉間地帶，以及沿海地帶，現代日本人在使用這個名詞時多蘊含懷舊與渴望反璞歸真的憧憬與情懷。

------------------------------------------------------------------------------

大地藝術祭藝術總監北川富朗訪談

日期：2009年9月7日

地點：新潟縣大地藝術祭展覽會場

訪問／紀錄：黃姍姍

問：請問關於新潟縣舉辦大地藝術祭的原因與契機？

答：大地藝術祭的構想最初是開始於1996年。由我提案的這個計畫是結合六個鄉鎮市役所的地方振興計劃，名為「藝術項鍊計劃 (The Art Necklace Project)」。這是一項反思地方特色的創意政策，試圖以藝術與文化的手段來重振在現代化過程中日益衰頹老化的農業地區，基本理念為「人類與自然的共生」。在與縣政府長期討論之後，由我正式擔任總策畫。

問：推動計畫過程當中什麼是您最終的目標，或是理想圖呢？是否遭遇困難？

答： 其實我並沒有很遠大的目標，因為誰也不知道未來會發生什麼事情？在日本，把藝術帶到山林農村中是一件創新的舉動，我只希望在農村生活的人們能夠找回生活的 樂趣，找回充滿笑容的日子。最初的時候我的提議遭受到許多質疑與反對，但是在經過無數次的座談會與說明會之後，地方的居民才逐漸了解藝術祭的正面意義。這 是最初的狀況。事實上，我在構思藝術祭的時候，其實有更重要的時代背景因素，因為日本在1945年 以後走向現代化、高效率的資本主義之路，追求經濟自由主義。所有的事物都以「效率」為基準，在日本現代化的過程當中，許多緩慢卻珍貴的過程都被省略了。以 農業為例，原本世世代代在山田之間耕種的農家，他們與自身出生成長的土地有著很深厚的感情與關聯，然而，追求現代化的社會卻把這些年老的農民逼向絕望之 路。為了更高的效率與資本，生活的環境與節奏變得整齊劃一，人類成為賺錢的機器人，失去了自我，喪去了個性，這就是戰後的日本社會。老年人的自殺率高昇， 因為他們已經找不回如同以往一般的生存意義與自我價值了。

我 期待藉由大地藝術祭的舉辦，讓都市的人親近久違的自然與清新純樸的人際關係，也希望藉由藝術的介入讓在農村生活的人們能夠享受當代藝術。藝術在這裡也許是 一種手段，但是藝術卻結合了都市與農村的人們，並且激發人們更多的想像力與熱情，人類透過藝術得以再次省思人類與土地之間的關係。

問：這個展覽的規模不管是展覽區域的廣大，或者是參加藝術家與工作人員人數的眾多，都是全球數一數二的大型展覽，在這樣的情況下，我想請問您是否有邀請其他的協同策展人一同規劃展覽呢?

答： 當然，我有許多來自全球各地的顧問協助我，並推薦優秀的藝術家，但是基本上，我一直都是一個人挑選藝術家，也許有人會認為這樣很獨裁主義，但是，我認為如 果有很多位策展人挑選藝術家的話，最後挑出來的藝術家將會非常雷同，因為大家最後都會選擇比較有名氣的藝人，最後展覽也會與其他大型展覽內容相似，淪為沒 有特色的展覽。為了避免這樣的結果，我一直都是堅持以自己的標準來挑選藝術家以及藝術作品設置的地點。為了要更了解目前年輕藝術家的創作情況，我也舉辦很 多競選類的展覽，邀請年輕藝術家踴躍參加，爭取作品發表的機會。要舉辦有特色的展覽，最後還是需要一個單獨的觀點，長久以來我一直都是抱持這樣的想法來從 事策展工作。

問：日本政府自2008年起開始一種新稅制「故里（Furusato）納稅制度」可以請你介紹一下嗎?

答： 這是一個非常創新的制度，這個制度的特色簡單來說，就是讓每一個納稅人都可以選擇自己所繳的地方稅該被用在那一個縣市。以往你居住在那一個縣市，就必須把 稅金繳納給居住地的地方政府，但是一旦運用這個新制度，你就可以把稅金繳納到你的故鄉或是其他你想要支持的鄉鎮。舉例而言，一個住在東京都的人，如果他願 意支持大地藝術祭的話，那他就可以指定他所繳交的地方稅必須要交給新潟縣政府使用。目前有很多人還不知道這個制度的存在，我目前正積極地宣導大家靈活運用 這個制度。希望更多新潟縣出身，或者願意支持新潟縣的人將自己的一份心力貢獻給這塊土地。

問：今年Benesse Cooperation 企業福武總一郎先生也參與本屆大地藝術祭的規劃，而您也將擔任明年「瀨戶內國際藝術祭」的藝術總監，可以請你談談你和福武先生的相遇，以及目前合作的情況嗎?

答：我在2003年初次與福武先生相遇，他來參觀大地藝術祭，並對於藝術祭本身給予很高的評價，後來在2006年時我又與他再次見面，當時他初次向我提起瀨戶內海的計畫，希望我能夠協助他規劃瀨戶內海的藝術展覽活動，於是我就在2007年以後開始參與瀨戶內海藝術祭的策劃，新潟與瀨戶兩頭跑。

不過在大地藝術季的籌畫上面，還是以我為主，福武先生是協助者，在瀨戶內海的籌畫上面則是由福武先生主導，而我只是協助者，我們之間的合作有這樣的一種默契。

問：目前全日本各地有許多以振興社區的目的的藝術活動，但是有時候會讓人覺得有一種千遍一律的雷同，請問您對於這種狀況有什麼想法?

答：基本上我認為這樣的狀況並沒有什麼不好，因為，比起把稅金拿去花在別的事情上面，不如把錢花在藝術文化方面。其實新潟縣的「藝術項鍊計劃 (The Art Necklace Project)」基本上就是把公共建設的預算花運用在藝術文化活動上。

我 自己認為藝術的力量是非常大的，只是我們有時候都忽略了。我個人認為就算是藝術被利用也沒有關係，因為我更重視的是人類的生活本身。藝術本來就是一種很個 人的感受，藝術同時也重視每個人獨特的個性，藝術更是傾聽弱勢團體聲音的手段，如果人們可以在自己的生活當中找到生存的意義，找到愉快的生活方式，這應該 比任何事都重要。

我 希望透過大地藝術祭的舉辦，能夠讓年長的老先生與老婆婆能夠回到以往愉快的生活，重新找回生存的意義，第二，我希望在這塊土地上生活的每一個人都能夠有一 份工作，找到生活的重心。不過我認為在每個不同地方舉辦的活動都必須是為了解決當地獨特的問題，而不能只是抄襲其他地方的藝術活動，那只會淪為表面上的藝 術活動。

問：2009年夏天日本面臨第一次的政權交替，您對於新政權是否有什麼期待?

對於以往的政權和新政權的文化政策有什麼看法?

答：基本上我認為這兩個政黨沒有什麼太大的不同，唯一的好處，就是透過兩大政黨的互相制衡，讓政客們無法再繼續為所欲為了，除此之外，我認為政治政黨的改變對於文化並沒有太大的影響。基本上，日本的政治家當中對於文化有一番抱負的人還是非常稀少的。

問：最後是否有給台灣藝術界的一些建議，或者是給台灣讀者的訊息?

答： 我對於自己生活的土地以外並不是很了解，所以我也沒有辦法給台灣藝術界什麼具體的建議，但是據我所知，台灣在近幾年當中對於公共藝術的定義也開始有了一些 變化，從以往傳統的立體雕塑作品到目前重視居民社區互動關係的新公共藝術，我認為這是一個很好的現象，藝術本來就是人類的好朋友，不管在任何時代任何國 家，藝術一直都是人類的本能的生理需要，所以藝術是人在生活當中不可或缺的東西。

我只能說，希望大家對於藝術抱持更開放的心態並接受多元的藝術表現，讓藝術在你的生活當中扎根，讓它成為你生活當中的一部份。最後，我也衷心邀請台灣的讀者別忘了來越後妻有享受當代藝術的刺激，享受豐富自然的洗禮！

------------------------------------------------------------------------------

延伸閱讀 *(書名為日文)

推薦人：黃姍姍

書名：希望の美術･協働の夢 北川フラムの40年

2005年出版

在 日本經歷泡沫經濟崩解，在低迷失落的年代當中，「希望」幾乎己經成為被遺忘的字眼了，在這樣的時代背景當中藝術策展人北川富朗將藝術（美術）作為希望的種 子，在這塊他所出身成長的土地理種下一顆顆對於未來社會的期許。本書詳盡收錄他的出身成長家庭環境等珍貴資料，到他大學畢業之後進入展覽策劃世界的過程介 紹。以及他曾經策劃過的展覽活動紀錄。透過本書，讀者可以了解他是如何克服各種困難，實現夢想，成為日本最有影響力的策展人。

書名：大地の芸術祭―越後妻有アートトリエンナーレ2003, 2006

2003/4 ,2006/7年出版

這是大地藝術祭的活動紀錄集，內容收錄了所有參加藝術家的作品與介紹文章，其中策展人本身的文章與著名藝評人的文章更是不可錯過的部分。配合每次藝術祭的舉辦，紀錄集留下這浩大計畫裡所有珍貴歷史片刻。

書名：アパルトヘイト否(ノン)国際美術展

―現代美術、500日間の冒険〈1988‐1989〉

1988年出版

「アパルトヘイト否！國際美術展(Apartheid Non International Arts5)」是由聯合國文教組織所策劃由世界各地藝術家參與的展覽，1983年在巴黎首次舉辦，之後巡迴歐美各國，1988年巡迴至日本。 Apartheid指南非的種族差別政策。北川在東京藝術大學畢業之後，他策劃了多場藝術展覽，在1988年主導本展展覽巡迴日本全國194地，奠定北川日後藝術草根（grass-roots）活動的根基。