Design 360

5.04.2012

德國 | 刺穿博物館的利劍@Arch

已經閉館22年之久的德累斯頓軍事歷史博物館將於近期重新開放。

這座重獲新生的建築經過紐約的設計師Daniel Libeskind之手，在原有的規整方正的建築中斜刺出一座鋼架與玻璃結構建築，如同一把利劍刺穿了博物館的中心。如今，在德累斯頓軍事歷史博物館高達30米的屋頂平台上，參觀者能夠將處於城市西部的城市天際線一覽無餘。而在那指向東方的尖銳玻璃體的地下曾經經歷了第二次世界大戰燃燒彈的荼毒。這個充滿意味的鋼架與玻璃結構打破了建築原有的規整形制，在平穩而呆板的調子中突然加入了一個超強音，在視覺營造中頗具觸目驚心之感。

以幾近於冒險的手段對原有建築進行再設計的做法很容易讓人聯想到華裔建築大師貝聿銘在著名的羅浮宮留下的獨特印跡。貝聿銘在羅浮宮的中心豎立起來的20米高的玻璃金字塔，當時觸動了法國最敏感的神經。他曾頗為感慨地說這個項目是在他一生的事業中最大的挑戰，也是他獲得的最大成功。而與貝聿銘因為敢於以自己的「鈦質脊樑」般堅強意志獲得最終的建築設計實現相比，無疑建築師Daniel Libeskind更加幸運，因為他所操刀的項目處在一個更為開放的時代，同時又是一個更加敢於正視歷史的國家——德國。

數百年來，德累斯頓作為德意志選帝候國和薩克森王國的都城，同時也是一個軍事中心，拿破崙曾經將德累斯頓作為軍事基地，在著名的德累斯頓戰役中贏得了勝利。因此，這座城市的命運無法擺脫地與戰爭深深地糾纏在一起。軍事歷史博物館的所在地德累斯頓的Albertstodt地區在1871年併入德意志帝國后，被建造成為一個巨大的軍事基地。1918年這個軍事基地被限制使用，而到了1934年這裡逐漸開始成為第二次世界大戰的備戰之地。在第二次世界大戰中，從1945年情人節的早晨，德累斯頓遭到盟軍的地毯式轟炸，成為戰爭中引發最大爭論的事件之一。

二戰之後德累斯頓歸屬了實行社會主義的東德，Albertstadt同時也成為蘇聯駐德坦克部隊的總部。其間，德累斯頓的銀行和許多著名企業為了逃避被國有化而選擇了離開。曾經的資本主義歷史的建築都被刻意忽略，甚至許多在二戰的轟炸中倖存的教堂不但沒有被維修，反而被夷為平地。自從1897年建成以來，軍事歷史博物館曾被作為薩克森人的軍械庫和博物館、納粹博物館、蘇維埃博物館和東德博物館。1989年，由於不確定博物館在德國統一后的情況下是否應該存在，政府決定將其關閉。隨著柏林牆的倒塌德國重新統一。

直到2001年，人們對於博物館的看法發生了轉變。德累斯頓除了還留有德國軍官學校之外，已經沒有任何駐紮的軍事單位了，而這座軍事歷史博物館能夠促進人們重新思考對於戰爭的反思方式，隨之而舉辦了一次擴建博物館的建築設計競賽。紐約建築師Daniel Libeskind通過對原有的對稱式建築進行大膽阻斷的設計方案在競賽中勝出。原有建築充分表現了過去嚴重的獨裁專制，而博物館的新外觀則反映了對於民主社會的開放性的重新想象。「激動人心的延展空間成為德累斯頓從一片灰燼中重生的象徵。整個博物館成為傳統與革新、新形式與舊形式並置在一起的建築。德累斯頓是一座被戰爭徹底改變了的城市，歷史成為現在這座城市變化的極為重要的力量。」Daniel Libeskind深為感慨地說。

@Source: iWeekly·周末画报

墨索里尼的新羅馬@Arch

諺語云「羅馬不是一天建成的」。歷經三千年風雨，

萬城之城屹立至今，見證了文明的興起與衰落，遍布全城的歷史遺迹不勝枚舉。作為西方文明的驕傲，羅馬的城市規劃受限於古迹保存，在20世紀初的城市化背景下投鼠忌器。而在1930年代，野心勃勃的義大利法西斯政權卻曾挑戰這長青的格言，建造了一片經過嚴密規劃，符合法西斯主義城市哲學的新城區。雖然經過了大半個世紀，卻仍然讓人好奇它的起初、建成與相連的命運。

這座白色基調，幾何線條的新城坐落在羅馬以南，建築風格迥異於舊城。集權意識形態下的城市規劃讓這片區域與眾不同，顯示出難得一見的規整肅靜與好大喜功。這個新城項目被義大利法西斯政府命名為「E42」，興建的初衷是為了迎接從未開幕的1942年世界博覽會，在整整70年後，它如今成為了商業城區。從凱撒到歷代教皇，每任羅馬城主都希望通過大興土木在這裡留下個人的宏偉印跡，但其中只有少數人可以達成這個目標，墨索里尼也許是最後一個。

1929年，「世界居住和城市規劃聯合大會」在羅馬召開，墨索里尼在大會上號召「在5年時間裡，羅馬必須向全世界人展現其輝煌與風采——宏偉、規整、強大，如同奧古斯都時代的羅馬」，這成為了設想中的新羅馬的城市使命。

在鞏固權力之後，墨索里尼希望以建築的形式實現他的雄心壯志。他提出了一系列波瀾壯闊的規劃，甚至想要推倒所有過去兩百年內建成的建築，將羅馬回復至帝國時代的面貌。不久，他意識到一座完全由最高意識規劃，全無自然生長，為著崇高目標而建設的嶄新城市，才是最好的個人紀念碑。為了在1942年——義大利法西斯政權上台20周年——召開的世界博覽會，墨索里尼將這個雄心勃勃的計劃付諸行動。在他的藍圖中，新的城區將把20世紀的羅馬城向南擴張到地中海邊，用420英畝的土地舉一場前所未見的偉大展覽，其建築規模和氣勢將比肩黃金時代的古羅馬。

墨索里尼的新城主體部分又被稱為EUR，即「世界博覽會」的義大利語縮寫。上世紀30年代，從羅馬南部到海濱之間的大片土地被清空劃撥，交到了建築師馬塞羅·皮亞桑迪尼的手上。皮亞桑迪尼生於羅馬，是當時新古典主義建築的領軍人物，1907年他贏得貝加莫市中心規劃的項目，於1927年完成；1910年他設計了布魯塞爾世界博覽會的義大利館；1915-1917年完成了羅馬科梭電影院。在墨索里尼時期，皮亞桑迪尼的一系列作品成為官方復古主義建築風格的詮釋者，1937年，皮亞桑迪尼完成了EUR的規劃設計。這個街道寬闊，大廈林立，線條統一的城區堪稱古羅馬都城的一個新古典版本。主要的林蔭大道東西向橫貫，次要的街道與之交叉或平行，分割出不同的矩形街區。在中軸線兩側，幾乎無一例外地採用四層高的石砌建築，通過對稱的廊柱，浮雕階梯營造出宏大的氣魄。墨索里尼對於混亂而自然成型的城市並沒有多少好感，他嚮往著一個規整、有序、宏偉的首都，並且具備可以進行大型集會、慶祝的廣場、高大聳立的建築和紀念碑。在皮亞桑迪尼的沙盤上，一座獨裁者鍾愛的城市呼之欲出。

當現代主義運動在義大利興起的時候，法西斯獨裁已經建立，他們意欲重新調整國家生活的各個方面，這當然也包括建築在內。但由於各種傾向層出不窮，義大利法西斯對建築師的壓力是分散和反覆不定的，所以從未像德國納粹壓得那麼沉重。此外，義大利的理性主義，可能從來沒有像在德國那樣與早期的民主制度合作過。確實，許多建築師和政治家試圖把它表現稱為「法西斯風格」，就像在俄國叫「蘇維埃風格」那樣。雖然到了最後，義大利法西斯也像其他的極權政治制度一樣，強行回到新古典主義，並硬性地阻止了現代主義運動的發展，但是，在義大利的這個過程是緩慢的，並且帶著許多獨特曖昧的陰影。

EUR群建築中最有代表性的是「義大利文明宮」，這是一座體現美學矛盾的大廈，雖然建築的形狀是毫無修飾與變形的立方形，但四壁上布滿了嚴格比例的古羅馬式拱門。正因為如此，它又被稱為叫「方形大斗獸場」。這座50米高的立方體矗立在台基之上，散發著強烈的超現實主義視覺效果，摩登的現代風格糅合和古羅馬建築痕迹，成為一個折衷主義的聖殿。文明宮一共六層，四個立面的每一面都有九個拱門，按照原計劃，每個門洞里都要放置義大利歷史上的偉人塑像，而建築正面上鐫刻的文字也是如此自負：「一個詩人、藝術家、英雄、盛徒、思想家、科學家、航海家和旅行家的國家」。建築內外的雕塑、繪畫，當初還明確要表現義大利的音樂、戲劇、政治、社會、勞動、哲學等等方面。然而，文明宮與EUR區的大部分建築一樣，遲至1943年仍未完全建成，在戰後才由新政府接手，並逐漸修繕加固。

在文明宮東側，是由建築師蓋塔諾·米努奇設計的政府大樓，這是EUR區唯一一個在戰前完工的建築，1939年就投入使用。這座建築同樣古今合璧，並有一個配套的巨大噴泉。在中軸線上，最西邊是建築師阿諾多·佛斯奇納設計的雙聖教堂，這個工程開始於1938年，但是在二戰中停工，直到1965年才最終完工。這個建築的格局從基督教會堂中來，處理成半球狀的四個穹頂組合也受到後文藝復興樣式的啟發。最東的則是騎樓形式組合的羅馬文明博物館，造型取自古羅馬會堂的造型，因為收藏了羅馬皇帝圖拉真（98-117年）廊柱的浮雕和描繪四世紀羅馬建築的大型雕塑而著名，有各種古羅馬的出土文物、複製品和建築模型，表現了羅馬城的早期歷史。教堂和博物館之間是長長的林蔭大道，中間是中央廣場，其中有一個1950年建造的現代方尖碑，上面的象形符號是紀念無線電報發明者馬可尼的功績。廣場南北兩側分別是民間藝術博物館和史前文明博物館。史前和人類博物館展示從非洲、美洲以及羅馬城附近出土的史前文物，包括古印第安人漂亮的首飾、寶石。民間藝術博物館展示義大利19世紀末民間傳統藝術品。

EUR的規劃哲學借用的是古羅馬建築風格的現代化版本。一切柔和的線條都被捨棄，代之以現代味十足的直線和圓規劃出般的幾何圖案。這些建築的法西斯特徵在於，儘管氣勢奪人，體現出沉著而有力的美感，卻是為集體主義的獨裁製度所設計，缺乏個性與生氣，似乎一種有意為之的拒人千里。

事實上，在墨索里尼獨裁時期，法西斯政權一共在義大利建設了十幾座這樣的城鎮，都採取了整齊劃一的安排，作為城市的公共建築大肆宣揚其宏大與新美學的特徵。由於二戰爆發，1942年的羅馬世界博覽會未能舉行。1945年戰後，EUR區成為了一片爛尾樓，直到上世紀五十年代初義大利政府重拾爛攤子，陸續建設了公共建築、博物館、體育場館、住宅等。直至1960年第17屆奧運會在羅馬舉行，EUR區才被開始真正使用。至今，對這座新城仍是毀譽參半，看法不一。這裡的確有一種特殊的形式美，秩序、莊嚴、整齊，然而冰冷。在很多人看來，這是法西斯時代留給義大利的不錯的政績，也有很多人仍然對於這樣的崇拜巨大、宏偉、集體主義和集權化的規劃意識形態心存抵觸。

@Source: iWeekly·周末画报

印度 | 西北沙漠的蔚藍之城@Travel

印度有幾座奇妙的城市，都是以顏色著稱：白色之城烏代布爾、金色之城傑森梅爾、粉色之城齋普爾，以及我面前的這座藍色之城久德普爾。關於藍色之城的來歷，來自印度尼赫魯大學學習中文的小夥子張龍（這是他給自己起的中文名，本名叫尼龍）介紹說藍色本是種姓制度中婆羅門階級的顏色，很久以前只有婆羅門階級的家才能使用藍色。但是在多年前，當地蚊蟲為患，這種模仿靛藍的顏色據說有驅蚊作用，於是居民紛紛把外牆塗上此色，漸漸地，久德普爾的舊城就變成藍色一片。

有許多種方式進入久德普爾，最貼切的方式是步行。離開了新德里的熱鬧與喧囂，來到這座小城，終於感覺真的到了印度——路邊隨處可以見到懶散的牛在行走，車開得都很慢，遇到更緩慢的牛也會小心避讓，街邊有歡跑的孩子，遇到陌生人會露出笑臉，孩子們很喜歡照相，只要你掏出照相機，便會有人湊過來，要求你給他或他們拍一張照片，店鋪開在左右，休憩的人們聚在一起，穿著紗麗的婦人們躲在蔚藍色房子的陰影里。

這個國度太豐富也太複雜，我想起了印度出生的英國作家奈保爾的話，他說：「印度是不能被評判的，印度只能以印度的方式被體驗。」在英國統治期間，久德普爾王國在所有拉賈斯坦王國里是最大的，這裡也有新舊城之分，舊城傳統而蔚藍，新城簇新而現代。在久德普爾，所有遊客的第一站就是梅蘭加爾古堡（Meherangarh fort）。當我們到達那裡的時候，天色已近黃昏，當地舉行了盛大的歡迎儀式，幾十頭盛裝的駱駝分列左右，錫克族的侍者戴著獨特的頭巾向我們敬酒，鮮花灑滿1459年建成的古堡小路，不遠處傳來音樂。

古堡在久德普爾的舊城區，建築在100多米高的懸崖之上，是1459年拉久德哈王公建造，通體採用堅硬的黃色砂岩，在夕陽下閃爍著金色的光。後代的王公逐漸擴充，這裡一共有七道門，每一道門都有獨特的含義，主要大門（Jaypol）是因為辛格王公戰勝了比卡爾（Bikaner）戰爭，而勝利之門（Fatehpol）是為了紀念他們打敗了莫卧兒帝國的軍隊。歷史的頭緒太多，反而找不到進入城堡的路徑。在鐵門之上可以見到15個紅色手印，是當時的殉葬儀式，王公死後，遺孀們留下手印，然後陪著王公一起火葬。聽到這個故事，多少有些悵惘。

這裡已經成了一個博物館，其中收藏了許多王公皇室的生活用品，典型的是各種轎子，形態各異，精美絕倫。而皇室寶座，各式珠寶，陳列在一起，也頗為壯觀。城堡內的宮殿也各異，不同年代有不同年代的風格，有的鑲滿彩色玻璃，豪華異常，有的貼滿鏡片，是跳舞表演的宮殿，當時的勝景還能回想。那些木質的窗欞背後，依稀還有當年婦人們張望的影子。

這裡已經是久德普爾的最高處，站在城堡最高的平台上向外眺望，就是夕光下的蔚藍之城，如同濕婆的一滴眼淚，落在印度西北部的沙漠邊緣。

大牌瘋美妝！ CK one 宣布踏入彩妝界＠Fashion

ck one 彩妝系列，以所有年齡、種族、性別都是銷售對象為口號。圖／she.com.tw

「Look Real」代表了底妝，特別加入保濕成份，質地輕盈貼薄。圖／she.com.tw

「Define yourself」就代表了簡單的眼妝及唇妝產品，讓人在不知不覺間令輪廓更突出。圖／she.com.tw

「Add Intensity」就是在妝容上添上色彩奪目的元素。圖／she.com.tw

ck one 彩妝系列，以「Look Real, Define Yourself, and Add Intensity」為口號，所有年齡、種族、性別都是銷售對象，貫徹了 ck one 的自然自我及不分界限的品牌理念。「Look Real」代表了底妝，當中的 3-in-1 face makeup 結合了護膚精華、妝前及粉底的功效； mousse concealer 可提供9小時的遮瑕效果。而 water fresh face makeup 則特別加入保濕成份，質地輕盈貼薄； airlight pressed powder 是以粉底液壓縮而成，配合特製刷具，能輕鬆打造自然底妝。「Define yourself」就代表了簡單的眼妝及唇妝產品，讓人在不知不覺間令輪廓更突出。睫毛膏的特點是配有兩款刷頭，能分別掃出根根分明或濃密睫毛。 brow pencil + gel duo 結合了眉筆及眉膠，而 double-ended eyeliner 則是將深色及淺色眼線集於一身。 cream + powder bronzer duo 及blush duo 能幫助修飾及加強臉部輪廓。「Add Intensity」其實就是在妝容上添上色彩奪目的元素，粉質狀的4色眼影可乾濕兩用，塑造具透明感或顯色度高的眼妝；而較滋潤的眼蜜則是以透薄閃爍為賣點。在唇膏部分將絲滑質感及保濕融合，另外唇蜜的妝效則是亮澤而不黏膩。

＠Source: she.com.tw

Marni at H&M設計春裝系列3月8日上市！@Fashion

繼此前Karl Lagerfeld、Stella McCartney、川久保玲、Jimmy Choo、Lanvin，以及去年轟動一時的Versace for H&M后，H&M春季設計師合作攜手義大利潮牌Marni，

打造設計師合作的全新風格。2012年3月8日在全球約260家H&M專賣店同步發售，讓H&M帶你一起來探秘Marni世界!

以原創圖案和精神而聞名的Marni是時尚界最受熱捧的品牌之一，其創始人兼創意總監Consuelo Castiglioni親自為H&M設計春季男裝和女裝系列，盡顯Marni品牌精髓。

Marni為H&M設計的系列印證了該品牌素以聞名的自由和探索精神，作品運用通體印花和濃艷色彩，打造層次造型，表現和諧與碰撞之美。女裝色彩活潑艷麗，印花大膽出位，包括非洲圖騰和簡單的色塊。廓形則全部出自Marni經典設計。

男裝的色彩和面料以柔和、休閑的風格詮釋Marni經典男裝。襯衫的襯裡或對比細節巧妙運用了印花設計，而廓形則令經典的陽剛風格別具摩登和休閑韻味。

才女索菲亞•科波拉Sofia Coppola親自執導本次春季設計師系列廣告大片。用她獨特的鏡頭魅力，帶人領略充滿印花迷情的藝術感官和唯美氛圍。Marni特有的印花迷情、摩洛哥古城馬拉喀什的獨特魅力和英國演員Imogen Poots的傾情演繹，讓清新與時尚擦出了新的火花！來自中國的超模劉雯也參與了此次大片的拍攝。

各界名流聚集好萊塢慶祝MARNI AT H&M 系列的發布

2月18日晚，在洛杉磯一所經典的好萊塢住宅內，約200名嘉賓齊聚一堂，慶祝Marni與H&M的合作系列――一個富含Marni標誌性印花和色彩的系列，迎接春季的來臨。

好萊塢著名女演員德魯•巴里摩爾（Drew Barrymore）、美國電影女演員薇諾娜•賴德（Winona Ryder）和著名藝人米拉•喬沃維奇（MillaJovovich）以及其他嘉賓有幸在Sofia Coppola為該系列活動營造的美妙氛圍中度過愉快的一晚，並欣賞了當紅搖滾歌手布萊恩•費瑞（Bryan Ferry）的特別表演。

「這是一個令人振奮的夜晚，處處富麗堂皇，現場賓客雲集。洛杉磯真是夢幻天堂！Marni at H&M系列不久將在門店上架銷售，我非常高興能與各位分享這些美妙的時刻。」Marni創始人兼創意總監Consuelo Castiglioni表示。

Sofia Coppola也發表感言「非常高興能在這裡和與我共同完成Marni at H&M項目的夥伴們相聚。在影片中，我儘力通過一些方式表達來迎合這個系列的風格，時尚中充滿著夢幻和樂趣。」

用現代藝術氣息碰撞高街潮流時尚，讓復古浪漫的風格邂逅親民國際大牌！清新的時尚范兒誰都可以擁有，3月8日全國指定門店限量發售，一起來喚醒春天的色彩吧！

@Source: iWeekly·周末画报

阿彼察邦：講故事的藝術＠People

阿彼察邦·韋拉斯哈古覺得無論導演還是藝術家都不如「

電影製作者」這個稱謂貼合自己的身份，他的長片《能召回前世的布米叔叔》獲得了第63屆戛納電影節金棕櫚獎，《熱帶疾病》則在第57屆戛納電影節囊獲了評委會大獎。2月開始的「男孩」藝術展，將他的影像作品再度帶來中國。

2月18日到4月初，一場名為「男孩」的藝術展將在上海舉行，策展人許宇說：「這個展覽的概念是從當代藝術的角度重新定義21世紀男性的形象和氣概。「我覺得「男孩」能更好地把阿彼察邦內在的一面打開，因為我是能更好地理解他的人。」在他看來，「男孩」是一個超越了一般年齡指代的特殊詞語，在同性戀文化中，「男孩」的年齡界限可以放寬到40歲，而「男孩」的目的之一就是告訴人們該如何在這個時代解讀男性。泰國電影導演兼藝術家阿彼察邦·韋拉斯哈古的作品探討了當代泰國男性對愛、死亡與來世的思索，正是這次展覽的重心。

儘管韋拉斯哈古拍攝的作品頻頻亮相藝術展，曾把「金棕櫚」收入囊中的他更希望自己被稱為「電影製作者」。韋拉斯哈古講故事的方式更像是一種行為藝術，他對故事的鋪陳千變萬化，白紙黑字的劇本固然是基本脈絡，而往故事中注入鮮活生命的則是他在拍攝時的細微感受。即使在演員選擇上，韋拉斯哈古也有些天馬行空，他很少選擇專業演員，而是根據表演者的人生經歷來判斷他或她是否適合角色。「我選擇演員的標準一直在改變，有時候我甚至會改變劇本去迎合這些演員的性格。」

Q＝《周末畫報》　
AW＝Apichatpong Weerasethakul

Q：你在大學主修建築學，是什麼促使你從事電影創作的？
AW：其實我一直想拍電影，但是泰國對電影行業的自由度管制非常大，所以我去了美國深造。大學畢業后，我做了陣子建築設計師，但建築業更多的是去迎合人們的需求，是一門實用性的工程。而我需要自由，拍電影能更多地與個人結合，也更自由。

Q：什麼時候發現自己在導演方面很有天賦的？
AW：時至今日，我也很難說我在拍攝電影方面很有天賦。可能是我在芝加哥讀書的第二年，1998年的時候發現。

Q：你曾講過影像作品中許多故事都是拿來的，請問，你如何選擇一個合適的故事？
AW：是的，故事主要來源於我認識的一些人，或者我遭遇的一些事情，還有漫畫書和電視上看到的。我曾製作過一部電影叫《在香港的第二次愛》（Second love in Hong Kong），故事就來源於同名漫畫書。有時候，我拍攝電影更注重拍攝手法大於故事本身。好比有時候你看一本書，覺得它已經很棒了，便不再想要去看改編的電影了。

Q：你是如何形成自己獨樹一幟的敘事風格？
AW：我覺得這與周圍一切有關，比如溫度、時間，這不是只關乎文字。就算是同一個劇本，我明天拍出來的片子便會和今天的不同。自己是能拍電影的。其實拍攝無關好壞，而更多的是自信。如果喜歡，就會堅持。

Q：拍攝電影最大的收穫是什麼？
AW：遇到不同的人，去不同的地方。電影有時候像一個完成這些願望的借口。

Q：你是怎麼獲得機會得到「青年電影製作者」這個組織的一些項目基金的？
AW：金融危機后，經濟開始復甦，這樣的機會也多了起來，許多人開始對新事物產生興趣。我覺得這是一個讓國家團結、重新站起來的契機，也是教育下一代電影人的好機會。我並沒有從泰國本土籌得很多錢，但從國外得到很多贊助，比如一些基金會、組織等。我與這些組織取得聯繫，發了很多郵件來介紹自己和計劃。我也是第一個利用網路來籌集資金的人。

Q：你為什麼不在泰國的電影製作體系下工作？在國外拍片能得到更多自由嗎？
AW：因為我沒有辦法加入（笑）。其實現在很多製作人都開始獨立工作。我自己的工作室剛開始運作的時候也有些困難，回首再看，這些困難也沒有那麼難，更像一種力量，因為這些我現在肯定不會再嘗試。在國外拍攝的確更自由，特別是製作方面。泰國是個小國家，許多理念仍是非常新的，許多人不認為電影是藝術。現在時代在發展，許多東西都改變了，像我讀大學時，連網際網路都沒有。

Q：《能召回前世的布米叔叔》這本書是真實存在的嗎？
AW：對，這本書是一個和尚給我的，只在寺廟裡使用。在泰國，我們中的許多人相信死後會有重生。

Q：剛拍這部電影時，你只想拍攝一部紀錄片，什麼讓你決定拍成電影的？
AW：剛開始我只想做個調查，然後進行創作，因為這非常有挑戰性，因為電影不同於書本。我有許多想要表達的內容早在書本中已完美呈現，比如在書中描寫我是一頭水牛，當我死時，我在樹中看自己的葬禮。但是當你閱讀的時候，你會想誰在樹上，是一個人還是一頭水牛呢？所以書本打開了你的想象力，但是在電影中導演需要呈現這個想象力。這就是挑戰，如何更好地進行表達。

Q：《能召回前世的布米叔叔》的構架也是非傳統性的，你是怎麼想到的？
AW：其實開始我並沒有這樣計劃，但是我拍攝的時候突然領悟，這是一部與眾不同的電影，它提醒我去製作6個部分。

Q：這部電影也因為其拍攝技巧而出名，你認為它是一部實驗性作品嗎？
AW：當我完成《熱帶疾病》時，我還沒有仔細考慮好這部電影的定位，因為它是全新的，剛拍完才一周，還必須送去電影節參評，所以很難去評判這部電影。我對這部電影沒有很多信心，在參評前我自己已經觀看了上百遍，我了解很多背景知識，但別人不一定知道。

Q：當代藝術是千變萬化的，你為什麼特別選擇了電影和錄像？
AW：我嘗試了很多，電影和錄像是最合適的，讓我最自在。我的家庭不是藝術世家，沒有人習畫，我的母親以前收集相機，可能這是對我的一個影響吧！

Q：你最喜歡的當代藝術家是誰？
AW：多米尼·福斯特（Domini Foster）、皮埃爾·休（Pier Hugh）、菲利浦·貝里尼（Phillip Bellini）。

Q：你有最喜歡的導演嗎？
AW：安迪·沃霍爾（Andy Warhol），他與我的電影風格完全不同，但這有什麼關係呢？主要是他的精神，他的生活方式，他對生活的態度。還有蔡明亮。

Q: 你認為藝術的本質是什麼？
AW：我覺得藝術就像空氣，你需要，但可能你並不注意。

Q：你現在正在著手什麼工作？
AW：一部以湄公河為背景的故事片，政治性偏強。我還在拍一部相同題材的紀錄片。

＠Source: iWeekly·周末画报

尋找黃金年代@Fashion

如果說有什麼時代，藝術極盡熱烈繁盛，畢加索、Coco Chanel、達利共聚一堂，Josephine Baker輕吟淺唱，海明威和菲茨傑拉德為此寫下動人篇章，

並引得Woody Allen和這季的一眾設計師對其心馳神往，那非響徹爵士樂並泛著香檳色泡沫的1920年代莫屬。這個近百年前的「美好年代」（La Belle Epoque）剛經歷了一戰洗禮，改頭換面的全新年代里，大街小巷的上空都飄蕩著爵士樂，汽車使生活的節奏加快，整個社會彷彿就處在嘉年華的前夜，「盡情享受生命」的觀念戰勝了戰爭所遺留下來的壓抑和傷痛，人們貪圖享樂，也熱愛文藝，各種文化在咖啡館與沙龍中交織，形成了獨特的氣息。

女裝的自由風氣

1920年代對於女性來說，是真正走向自由和解放的年代。曾經讓婦女拋棄了緊身胸衣，改革過當時的女性著裝的時裝史上重要人物Paul Poiret，卻在一戰以後事業急轉直下，他開始與一個女人在事業上苦苦競爭，儘管大名鼎鼎的Poiret先生最先發明了帝國線，推出過一步裙，甚至設計出很是轟動的寬鬆女長褲，以及試圖抹去了藝術與時尚的分界，請來當時的新派畫家為他的服裝目錄繪製插畫裝飾店面，這種裝飾風格，正是風行至今的Art Deco的前身。但1920年代的時尚代名詞卻註定要讓給那個和他競爭的女人Coco Chanel女士，那時她還叫Gabrielle，Poiret當時指責她是「災難發明家」。在一本名為「時裝犧牲品」的書里曾寫過一段故事，一天他遇見Chanel身穿全黑色的衣服，嘲諷地問：「您一定是在哀悼！不過，是為誰呀？」Chanel回敬道：「當然是為您，我親愛的先生。」

也就在1920年代，時尚大事記發生了兩件與Coco Chanel有關的大事，其中之一就是這個被Poiret先生嘲諷的天生反骨的Chanel女士在1926年創造了X形、及膝、長袖、以彈性布料或綢緞做成的那件黑色小禮服，並且在此後的八十多年裡，一直成為時尚圈中一段永恆不朽的經典神話，也成為了所有「有品位的女人必備的制服」。另一件則是在更早的1920年Coco Chanel發布了Flapper Dress，她去掉了裙子繁瑣的裝飾和褶皺，用簡潔時尚的線條代之，這種裙子沒有緊身胸衣，也看不見腰線，只是輕輕附在身上，如同羽毛一般輕盈，穿起來卻像運動衫或內衣一樣令人感覺舒適，當時的女士們因此而擺脫原來服飾的束縛，可以盡情舞蹈或自由運動。當時時裝界另一位泰斗級人物Christian Dior曾由此驚嘆：「一個女人憑藉一件黑色套頭毛衫與幾串珍珠項鏈，就革命性地改變了時裝。」

隨著這些服裝設計師與藝術家的頻繁往來，也讓新藝術思潮影響了1920年代的時裝，立體主義、表現主義、達達主義、超現實主義等等都在不同程度上影響著當時的時裝，女士們因此可以像男孩一樣穿起緊身、無骨、有彈性的緊身褲，讓身材看起來更加苗條；跳舞的狂潮也帶來了又長又寬的褲裝、巨大的帽子和帆布便鞋，短褲、背心，加上精巧的鐘形帽在1920年代也十分流行；戶外運動的興起，讓設計師們的眼光也投向了運動服，尤其是泳裝和網球服。女性們在中性風格和爵士風格中搖擺，選擇自己的態度，活出真實和自由的自我。

2012年春夏，3D版本的《了不起的蓋茨比》以Leonardo DiCaprio和Carey Mulligan的陣容登場，並以全新3D版方式展現，其中浪漫精緻的1920年代服裝風格則更引來時尚界的高度關注，曾為1974年版本的電影設計戲服的Ralph Lauren，在2012春夏時裝周上也推出了一個1920年代復古系列：Cloche貼面鐘形帽，低腰線過膝蓋的Flapper dress，精美釘珠刺繡，鴕鳥毛流蘇披肩，輕盈色調配合各種奢華質感面料，帶出的美好年代的歡躍奢華，或者是襯衫、長褲搭配絲巾、帽子的中性裝扮，都是在純純粹粹、完完全全的來了向1920年代的美的致敬。無獨有偶，其他設計師們也夢回這個最好的時光，中性風、裝飾藝術風、大膽的色彩對比等也在一眾品牌的2012春夏系列中盛行起來，流蘇、幾何、透明面料等各種1920年代元素的回歸新貌和Art Deco風格，無一不在向那個時尚喧騰年代表達著追憶和愛慕。

舊日女神

1920年是一個造神的年代，女性們擁有了不曾有過的自由。白日里，她們在銀幕上演繹別樣人生，在時尚界指點江山，在咖啡館奮筆疾書，在夜間，她們穿上搖擺的舞裙，在爵士酒吧里輕歌曼舞，享受這最美的光景。她們才華橫溢，成為第一批成功的非傳統女性，將目光回溯到那個時候，當時這些女人們活得比現在的女人還要精彩。

Carmel Snow無疑是提倡女性自由的帶領者，正是她金口一開，才有了「New Look」這樣的詞語。她給《Harper』s BAZAAR》這本歷史書一樣的時尚雜誌帶來了前所未有的時代氣息，將文學、藝術、家居、政治等話題引入，「引導生活方式」的雜誌理念即使放到當下也非常時髦，更別提她提出的「盛裝女人，盛裝智慧」這樣的啟發女性獨立思考的名言。在她的獨到眼光下，Alexey Brodovitch，Diana Vreeland，Richard Avedon才成為了時尚史上至關重要的名字。

而演藝界的女性則將這股自由意識徹底實踐。第一個進入美國主流電影的非洲裔女演員Josephine Baker，同時也是一位天賦驚人的舞蹈家和歌手，12歲輟學流浪街頭，依靠垃圾桶中的食物艱難度日，15歲時由於在街頭表演，而被聖·路易斯合唱團看中，1925年10月在巴黎表演，她依靠近乎裸體的演出迅速在香榭麗舍大道聲名鵲起。之後，Baker的表演回歸到藝術的層面，被海明威稱為「他見過的最震撼人心的女士！」她甚至在二戰期間利用自己的名望，從日本、義大利高官那邊收集情報，為巴黎的安危貢獻著自己的力量。戰後，Baker依然積極推進著美國的民主運動，是爵士年代最具獨立聲音的女藝人！

1927年，一部名叫「it」的電影上映，獲得了極大成功，主演Clara Bow也達到了事業的高峰，被稱為「it Girl」，這個詞成為了後世最炙手可熱的女孩們的代名詞。Clara展示的「it」形象為具有吸引兩性的特殊性吸引力，完全以自我為中心、充滿自信、不在意後果、具有創造力並不受他人影響。這意味著強烈的性感和性吸引力，她用口紅在嘴上塗成心形，一頭糾結蓬亂的紅髮，讓當時染髮劑的銷量提升了三倍。Clara開放、野性、大膽，成為當時許多女孩的榜樣，激勵她們活得大膽、活出真我。

另一位演員Joan Crawford更是狂放不羈，比起她輝煌的演藝事業，她的私人生活更加公開大膽。她的情人名單中不但有各色俊美的男人，還有品類豐富的女人。這位奧斯卡影后因為童年不幸差點走到了「色情片」的死胡同里。但幸運的是，這個聰明的女人通過《Our Dancing Daughters》讓自己迅速走紅。Joan Crawford是值得敬佩的，一個楚楚可憐的小女孩從社會最邊緣一往無前地走到了社會的最頂端，上帝給予她驚人美貌的同時，也給了她一顆永遠都無法安寧的心！

在藝術界，一個將「一生只過奢華的生活」作為人生準則的女人Tamara De Lempicka用妖艷、性感的立體派畫作，告訴大眾：「我的生活很奢華，我的思想也一樣奢華！」這個富有的波蘭女性，無論是家庭背景，還是18歲的婚姻都給了她足夠說這句話的理由。她的畫帶有強烈的裝飾性，其中裸體肖像畫更是散發著肉慾氣息，連同畫家本人驚世駭俗的美貌和近乎偏執的性格也一起受到上流社會的推崇。而每一夜她也不知疲倦地周旋於各種派對和沙龍中，成為了當時最受歡迎的女性藝術家。

社交沙龍的設計藝術

Francis Scott Fitzgerald稱一戰結束后的十年，「是美國歷史上最會縱樂、最絢麗的時代」。從紐約、巴黎到整個西歐，大師們濃墨重彩地穿梭於二十年代，人們絞盡腦汁想著如何找樂，去重溫逝去的繁華生活。

人們找到了各種各樣的消遣。電影製作一夜之間徹底告別了無聲時代。1922年匹茨堡誕生了美國首個商業音樂電台，爵士樂伴隨著這一浪潮獲得了廣泛的受眾，幾乎包容了從現代到頹廢的一切元素。在巴黎，幻想成為文學家、音樂家、設計家、評論家、畫家的年輕人出入各種文化沙龍。最著名的就是Marie-laure de Noailles位於美國廣場13號的家，「她家的沙發裝下整個巴黎」。Marie-laure de Noailles出生於美國，29歲前赴巴黎尋夢，一住40年。她寫詩、寫小說、寫評論、畫畫、藏畫，什麼都玩；她是同性戀，文學作品於此頗多指涉。畢加索曾把Marie-laure de Noailles入畫，作品藏於紐約大都會博物館，海明威在巴黎回憶錄里有專章談Marie-laure de Noailles，說在門口偷聽到她跟女朋友的甜蜜吵架，肉麻、但動人。看《午夜巴黎》，你就能知道她家的客廳曾經如何群星璀璨。

當時社交沙龍的，還有設計藝術。1922年，埃及古代圖坦卡門墓被發掘。抽象簡單的幾何圖形、金屬器具以及黑白陶器，古代建築的裝飾紋樣刺激設計家靈感。俄國芭蕾舞劇團多次到巴黎演出，貼身舞蹈服大量採用強烈色彩，古銅色等金屬效果強烈。黑人爵士樂的節奏感伴隨汽車呼嘯而來。這一切到了1925年，發酵為巴黎現代工業裝飾藝術國際博覽會。文化史學者赫伯特·里德評論為，「裝飾品的必要性是心理上。人們身上還存在著某種被稱作恐懼的情感——無法忍受寂寥的空間」。從社交空前繁榮到設計突飛猛進，無一不是對此的詮釋。

巴黎康朋街21號Coco Chanel寓所，是最理想的20世紀Art Deco裝飾主義樣板房。鍍金米色麂皮扶手矮椅、金光熠熠的扇貝托盤、金樽煙灰缸、金獅雕飾、各式金色鏤空雕漆的花飾或人物鏡框，如同麻將般流露著外來文化影響。幾十年後，另一位設計大師Yves Saint Larent同樣毫不吝嗇他對裝飾藝術設計的熱愛。在他去世后的大型拍賣會上，被譽為「20世紀最偉大的女性建築師」埃林·格雷（Eileen Gray）於1920年設計的一把龍椅拍得2190.5萬歐元。格雷設計的櫥櫃和吊燈，以及瑞士漆器藝術家讓·杜南（Jean Dunand）的銅胎搪瓷大花瓶，法國超現實主義雕塑家François-Xavier Lalanne設計的吧台，包攬了前5名。這些Art Deco大師之作，個個震撼拍場。

@Source: iWeekly·周末画报