威尼斯建築展》波蘭旅館 最佳國家館@News

第十一屆威尼斯建築雙年展昨天正式開幕，展至十一月二十三日。今年共有來自五十二國的一百多件作品參展，其中波蘭獲最佳國家館，美國建築師戈雷格林恩獲最佳裝置獎，美國建築師法蘭克蓋瑞則獲終身成就獎。
波蘭館以「波蘭旅館：建築的來生」主題打敗五十二國，獲「最佳國家館」金獅獎。展館以「旅館」為意象，布置簡單，只放上幾張床，在牆上貼上攝影照，追蹤六棟建築十年之間的變化；精簡有力地批判劇烈的城市競爭中，建築不再永恆，功能意義不斷轉變，甚至成為城市不斷換裝的外衣。
美國知名數位建築師戈雷格林恩（Greg Lynn），則以「再生玩具家具」獲「最佳裝置獎」金獅獎。他透過數位設計，將色彩鮮豔的回收橡膠玩具材料，轉化成現代感的家具。
今年威尼斯建築展由美籍荷蘭建築師艾倫貝斯基策展，主題定為「他方：建築物之外的建築（Out There: Architecture Beyond Building）」。貝斯基期待建築師能正視「建築不只是房子」，探索環境、生態甚至文學藝術等其他建築課題。
因此今年建築展非常「不建築」。由新銳建築師石上純也策展的日本館，建築師「轉型」園藝家，在館外「設計」大片綠色植物。館內則空無一物，只在雪白的牆上淡淡畫上宛如鉛筆畫的設計圖，暗喻植物和建築「淡淡」的模糊界線。
過去極少涉及政治議題的威尼斯建築展，今年也出現濃濃的政治氛圍。去年俄國以「鐵路維修」為由，停止向愛沙尼亞出口石油。愛沙尼亞乾脆在國家館展區做了個超長的黃色油管，一路延伸到俄羅斯國家館之前，向俄羅斯「嗆聲」。
@Source: 2008/09/15 聯合報 / 聯合報╱特派記者陳宛茜／義大利威尼斯傳真
http://udn.com/NEWS/READING/REA8/4517387.shtml

鳥巢建築師 紐約蓋豪宅@Arch

瑞士建築師赫佐格和狄梅隆繼北京奧運「鳥巢」體育館之後，即將在紐約市大展身手，於曼哈坦推出創意十足的57層豪華公寓大樓。這棟半透明玻璃摩天大樓有如錯落堆疊的水晶盒，10月中旬即將動工，2010年開放使用。造價6億5000萬美元的大樓是這兩位建築大師的第一個摩天大樓作品，預定15日公開設計細節，其特色是使用懸臂樑支撐陽台，使整棟大樓看起來像「疊架在空中的房屋」，各層是不同大小的盒狀，並安排各種角度，讓145戶公寓各具特色和觀景角度。這棟大樓將有寬敞的黑色花岡石大廳，挑高5.4公尺，共有兩層舒適的休閒設施，包括23公尺游泳池、用懸臂樑伸到街道上方6公尺的戶外陽台、圖書館、放映室和健身中心。每戶公寓將有獨立陽台，公寓的設計包括雙臥室至五臥室，整棟大樓共有10戶頂層豪華公寓，售價自350萬至3300萬美元（約台幣1.1億至10.5億元）。這棟57層大樓將聳立於紐約市翠貝區，該區多半是兩層或三層的連棟式住宅，19世紀與20世紀初的建築物雜陳，最高的建築大約為25層。但赫佐格與狄梅隆表示，將力求大樓和原有景觀協調。赫佐格和狄梅隆在聲明中指出：「這個社區的特色是建築物大小不同。我們希望各建築物能夠對話溝通，維持協調。」赫佐格和狄梅隆目前正在設計倫敦的泰特現代藝術博物館，整個工程耗資1.34億英鎊，完工後堪與紐約現代藝術博物館、巴黎龐畢度中心相媲美。
@Source: http://tw.news.yahoo.com/article/url...4/2/15w4h.html

阿姆斯特丹 用美麗包裝儉約@Lifestyle

位於市區內的獨棟住宅，擁有街道邊的獨立門戶，附停車位，有些還附自有碼頭，居民可以駕著小艇在阿姆斯特丹的海灣悠遊。在一個歐洲大都會擁有這樣的房子，要付多高的價錢？這些美麗、舒適的房子不是豪宅，而是阿姆斯特丹市政府的國宅開發計畫，建給一般工薪家庭居住的中低價住宅。這個容納2,500戶人家的布雷諾／史伯倫堡住宅計畫（Boreno Sporenburg），是用棄置碼頭開發成的美麗住宅區，成為荷蘭人善用傳統智慧，堅持美感與環境，打造出來的都市更新經典範例。1989年，阿姆斯特丹市政府獲得中央政府補助，要把「布雷諾」與「史伯倫堡」兩個原本是碼頭的長條半島，改建成高密度的住宅區。依照規劃，該地每公頃要容納100戶，是一般獨棟住宅區標準容量的三倍。布雷諾計畫 都市更新究按照標準思維，要在都市興建這種高密度住房，只能用公寓大廈來解決。而由於這個公共住宅區的開發預算不高，該地很可能淪為一堆乏味、廉價的水泥森林，如同台灣常見的市景。但在這個擁有美麗河岸住宅的城市，當局決定採取創新作法。市政府大膽起用了當時沒什麼名氣的West 8建築事務所，委託他們規劃布雷諾／史伯倫堡住宅。West 8設計出一種門面窄小，但五臟俱全的三或四層樓獨棟房屋，可容納整戶家庭。狹長垂直的門面類似傳統的荷蘭房屋，一樓挑高3.5公尺以利採光。獨立大門通往僻靜的街道。窗戶的大小與形狀不一，錯落配置。停車位規劃在空地、集中式地下停車場或者獨戶的地下停車位中。靠水的住宅擁有私人碼頭。設計師運用磚牆、磁磚、玻璃帷幕與木面各式素材，讓房屋外觀看來設計十足，完全不像一般的公屋。各種材料巧妙地延展，用有限的預算達成最大的裝飾作用。房屋面積小，但空間感寬闊，設計感豐富。West 8建築師古茲（Adrian Geuze）說，最終的成果就是讓「人們可以住在街旁，享有自己的盆栽、長椅與行人空間」。即便地小人稠，居民也不必忍受封閉、廉價的公寓環境。布雷諾／史伯倫堡是許多新銳設計師的集體創作，West 8找來上百名設計師參與，設計出12種房屋的「樣式」，每個樣式錯開施工，讓鄰接的房子看來都有些許不同。這可避免街景看來筆直排列、死氣沈沈。但在建完250棟房屋後，開發商希望簡化流程，只採用其中最受歡迎的六款樣式，使得後續建成的區域不像前幾批那樣精彩。不過，良好的規劃營造出封閉親密的街道，居民在門前悠哉地擺設長凳、布置小花園，讓街景豐富起來。在布雷諾半島尖端，市政府規劃了60個空位，開放給有錢的市民興建自己的房子。這些住宅必須符合West 8設計的公屋標準，但外型可交給設計師自由變化。這些「設計師款」住宅就成為布雷諾／史伯倫堡最精彩的門面。最小的預算 發揮最大效用除了獨棟住宅，兩個半島上各有一棟暱稱為「鯨魚」的集中公寓。這兩棟公寓的屋頂設計出優美的折角，遠看像是一頭鯨魚。每個住宅單位都小心規劃，即便在一樓的住戶也能享有日照。建築中央是中庭花園，每戶都享有花園景觀。兩個半島的開發計畫1996年動工，2000年完工。現在，這個原本無人的廢地已變成令人讚嘆的新景點，當地房價上漲一倍，也影響周遭的東碼頭區。荷蘭人的精神在這個小巧的社區中展露無遺：簡約不等於呆板，儉省也可以非常美麗。

@Source: 2008/09/15 經濟日報 http://udn.com/ ╱陳家齊

LOUIS VUITTON 在旅途中看見藝術風景@Fashion

人生如旅途，尤其用以形容當時的旅遊風潮更為貼切。十九世紀末，巴黎的Saint-Germain鐵路線於1837年正式宣告馬車時代的結束，一年之後，歐洲一艘蒸氣船橫越大西洋到達紐約，海上航行的世紀開始，不久汽車亦登場。路易威登的靈魂人物路易威登先生，十四歲就來到巴黎成為工匠的學徒，後來更成為僱主的總助理，聰明的路易意識到，行李是每個旅行者不可或缺的必需品，他設計出一系列精緻的行李箱和旅行皮件，幸運獲得拿破崙三世的妻子也就是當時法國皇后烏捷妮的傳召到皇宮為她整理行裝，自從得到王室的委任，其他顧客紛紛湧現，路易威登自此成為社會名流的最愛。
LOUIS VUITTON能坐穩皮件之王的原因之ㄧ它在面對變化萬千中的世界總能作出相應的變革，當裙撑開始在時裝界式微，LOUIS VUITTON就開始設計衣櫃式皮箱：一面是懸掛式的衣櫃，另一面則是抽屜衣櫃式皮箱的巧妙儲存組合成真正的「旅遊家具」。路易威登行李箱瞬間掀起熱潮後，路易威登再推出另一款優雅兩色條紋質料製成的設計，以杜絕市面上出現的冒牌出品。接著在一八八八年推出全新圖案：在米和啡的棋盤圖案（Damier系列）上，定距印上 「L. Vuitton，Marque déposée」（即「L. Vuitton註冊商標」）的字樣。他的兒子喬治威登跟路易一樣充滿無窮創意，他設計出Monogram圖案組合：在四片花瓣外畫上圓圈、內有反白星形的菱形、星形以及L.V.字樣，並將Monogram帆布這種具紋理、赭色和咖啡色的質料用於旅行用品、行李箱和公事包等設計，Monogram的創舉成為今日路易威登的象徵，而後各大品牌均仿傚利用商標衍生裝飾性的圖案以表徵身份。一九二四年推出可裝載大量裝備的Keepall，標誌著大型行李箱演變成手提輕便旅行袋的重大突破，堪稱路易威登旅行袋的祖先。
隨着科技的進步，LOUIS VUITTON亦發展出一套全新生產哲學，工匠在最微細的細節中發揮熟練的技巧和創作精神，但較為單調乏味和一般性的工序則由機器代勞。路易威登以設計出輕巧、方便、具堅固度以抵受時間和旅途嚴格考驗的商品為原則，一百五十多年來，由第一件流動衣櫃以至用帆布和皮革製成的行李箱，路易威登在多樣化的產品中均顧及顧客之需，迎合在用途、衣著、旅行方式方面的轉變，在生活藝術上與時並進，不斷地轉變。
一九九七年，紐約設計師Marc Jacobs擔任藝術總監，開拓了路易威登的新視野，其中包括服裝、鞋履和珠寶首飾，徹底改變了路易威登的形象、專門店建築模式以至品牌的宣傳活動。他強調一個名牌必須與生活化的設計息息相關，以設計表現時代。開始與藝術家展開Monogram對話，不僅為LOUIS VUITTON帶來一個全盛的局面，也帶領著LOUIS VUITTON走向一個嶄新的藝術旅程。
@Source: DFUN 設計風尚誌 2008. Sep. No.24 / TEXT／陳錦晶；PHOTOS／LOUIS VUITTON

LV進軍日本30年 川久保玲party bag慶生@Fashion

川久保玲為LV構思特長提把的party bag。圖為LV總裁伊芙卡西爾（左）和日本名模富永愛提著這款新包亮相。照片／LV提供
有八雙把手的Monogram經典Speedy包，是川久保玲和LV合作六款包中最具視覺驚豔的系列之一。照片／LV提供

路易威登Louis Vuitton進軍日本市場30周年紀念，選擇了和日本當代時裝大師Comme des Garcons創辦人川久保玲 (Rei Kawakubo)合作慶生。
路易威登將於東京Comme des Garcons專門店以「店中店」方式，經營雙方合作的六款獨家Monogram手袋系列，也算是圓了1978年，初入行的川久保玲目睹路易威登在日本開設首家專門店時，許下對法式工藝，奢華尊貴的夢。這回法、日兩大時裝傳奇首度跨界合作，雖非空前亦不會是絕後，但仍是時裝界傳奇一章。
川久保玲將位於表參道附近Kottodori(骨董通)的Comme des Garcons專門店改頭換面，化身路易威登的經典Monogram世界，店舖中央陳列著路易威登古董旅行箱，和融合雙方創作火花的六款登場。Comme des Garcons川久保玲說：「我以這party bag系列祝賀路易威登進軍日本市場30周年。我盡量保留路易威登的傳統概念，變奏的部分全在於提把的設計，既可二合為一，也可以二分為八。」
川久保玲構思了兩款小手袋配特長皮手挽組成的，為經典的Monogram帆布賦予新貌；另外她將經典的Papillon手提袋綴上可愛動物吊飾；最新鮮的是Mini HL手提袋換上八條提把，效果最出人意表。除此之外，路易威登70年代兩款名作Petit Marceau及Sac 2 Poches也換上新樣式。
上述6款作品只限於Kottodori的Comme des Garcons專門店接受顧客預購，不接受電話或網上訂購。製作需時數月，隨貨品附送路易威登特製的皮套一個，皮套表面壓印路易威登及Comme des Garcons的品牌標誌式樣及證書。但由川久保玲精挑細選的Speedy及Alm等多款Monogram包則有現貨於東京店內陳列及銷售。相關資料，請瀏覽路易威登網站：www.louisvuitton.com

@Source: 2008/09/06 聯合 ╱記者袁青 http://udn.com/

Comme des Garçons collaboration@Fashion

The store's exterior on Kottodori
The entrance is characteristically minimalist

The interior of the store styled by Kawakubo herself

Kawakubo's Louis Vuitton bags are on the plinth to the right

If the adage is true that two heads think better than one then the creative commingling of Louis Vuitton and Comme des Garcons should be something very special. And indeed it is.

Louis Vuitton caused a stir last year setting up shop inside the LA MoCA during Takashi Murakami's retrospective. The temporary store within a store (or museum in that case) was clearly a success though because this is what they’ve done again. This time they’ve taken on retail guerrilla masters Comme de Garçons, opening a temporary store within their shop on Kottodori in Tokyo’s Omotesando district.

Kawakubo has redesigned the entire store in honour of Louis Vuitton’s monogram, celebrating the brand’s 30th anniversary in Japan. As well as an installation of the historic trunks in the middle of the store, Kawakubo has designed six one-off bags, inspired by her love of the brand, to be revealed exclusively in W*115, on sale on Thursday 11th September.

More than just an irreverent poke at the brand that made guerrilla cool, it’s the realisation of Comme founder Rei Kawakubo’s dream. The indomitable Kawakubo, one of Wallpaper’s Guest Editors for W*115, speaks of her time in 1978 when as a fledgling designer she witnessed Louis Vuitton’s first store opening in Tokyo. She was astounded by the level of French craftsmanship and historic luxury that she saw in the brand.

Speaking of the collaboration Kawakubo said: 'These are party bags to celebrate the 30 years of Louis Vuitton in Japan. it has been a remarkably exciting opportunity for me to have been able to participate in Louis Vuitton's traditional design and heritage.'

INFORMATION

Website

http://www.louisvuitton.com

Address

Comme des Garçons
Kottodori
Omotesando
Tokyo

@Source: wallpaper.com / 4 September 2008 | Fashion

Last Call / the McCarren Park Pool@Lifestyle

On Saturday Sonic Youth played the final concert at the McCarren Park Pool in Greenpoint, Brooklyn, before renovations are expected to begin to return it to swimmers.

Left, Patrick Barr handed out fliers to concertgoers.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

The pool has earned a reputation as the ultimate boho Brooklyn scene, drawing tens of thousands of people for weekly concerts, movies and other performances each summer, particularly for free Sunday shows put on by the Brooklyn promoters JellyNYC.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

Raul Roman Sr., right, a Williamsburg, Brooklyn, native, had gone to the pool to swim as a child and visited it recently for an opera concert. He would have gone more often if there had been classic-rock concerts, he said, and he was looking forward to taking his granddaughter to swim.

Still, he said, the changes in the neighborhood exemplified by the crowds in the pool — and the high-rise apartment buildings now surrounding it — had made the area safer.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

The new energy of the area was part of the attraction for Tina Thor, 45, a jewelry designer and manager for actors, who bought a $750,000 two-bedroom apartment overlooking the park last year.

“I love when there’s that music and there’s music from the kickball” games in the park, Ms. Thor added as she took her dog, Rickson, a Great Dane-boxer mix with a Louis Vuitton collar, out for a walk. “It’s so festive.” But, she added, “I’d still rather have a pool.”

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

Enid’s, a buzzy spot across the street from the park, had to hire extra waiters and cooks to deal with the pre- and postconcert crowds, said Sera McGovern, left, a manager there; now they will have to reshuffle that staff.

“I’m sad to see it go because it’s so good for business,” she said on Saturday, “but I’m kind of relieved that today is the last one. You get the floods of people all at the same time, and the bathroom lines even from people who don’t order. It’s so chaotic.”

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

The audience at Saturday night's concert ranged in age from second-generation rockist kids to 50-something Sonic Youth fans.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

For many locals, a trip to the pool became as much a weekend tradition as brunch or hangovers, a no-planning-necessary good time and a place to see friends and be seen.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

The McCarren pool phenomenon was among the best documented of the city’s summertime diversions. It attracted local celebrities: the audience for the last show included the musicians Norman Reedus and Rain Phoenix; the actor and musician Michael Pitt; Craig Finn, the singer of the Hold Steady, which played at McCarren; and Michelle Williams and Spike Jonze.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

Though Sonic Youth did not sell out, many people picnicked outside or stopped by the gates to listen.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

One man climbed a tree for a view over the fence.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

Backstage after the Sonic Youth show, Thurston Moore, whose band, left, has played at the pool every year since it has been open for music, said he would miss it.

“It’s always been kind of sweet — sweet sounding, sweet vibe,” he said. But, he added, “I’m looking forward to coming here and doing the backstroke.”

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

If renovation plans are approved by the New York City Landmarks Preservation Commission, swimmers may return as early as 2011.

Photo: Andrew Henderson/The New York Times

@Source: http://www.nytimes.com/slideshow/2008/09/01/arts/20080901_POOL_SLIDESHOW_index.html

Whitney Museum of American Art, Downtown Branch@Arch

Whitney Reveals Piano’s Design for Downtown Branch
By Alec Appelbaum
Since 1985, the Whitney Museum of American Art has presented three separate expansion plans for its 42-year-old home in Upper Manhattan—all of which have fizzled. Once again, the institution is trying to increase its square footage, with hopes that an entirely new strategy will make the fourth time a charm. In late April, the museum debuted Renzo Piano’s scheme for a new satellite building in the city’s Meatpacking District. The unveiling comes less than two years after the institution purchased the 185,000-square-feet downtown site, where the Dia Art Foundation had originally planned to build a New York flagship museum. The city currently is reviewing Piano’s scheme after a community board approved it in June.
The 50,000-square-foot facility will include some 15,000 square feet of outdoor exhibition space across several stories. According to Whitney Director Adam Weinberg, the new branch will increase the museum’s capacity to exhibit its permanent collection, and will offer events that its uptown headquarters cannot accommodate. The project also allows the museum to return to its “downtown roots,” Weinberg says, adding that the pale cantilevered form of Piano’s design reflects “the roughness and simplicity” of nearby warehouses and cobblestone streets.
With five terraced floors situated above an all-glass lobby, the parallels between Piano’s vision and the Whitney’s 1966 Brutalist home by Marcel Breuer are telling. Piano’s shape, like Breuer’s, inverts the building as it climbs. But in contrast to Breuer’s solid granite mass, Piano envisions a light structure with big windows that offer river views and make art visible from nearby streets. Weinberg likens the design’s spirit to the Whitney’s first home, a Greenwich Village salon that evolved over time into an august collection of American art.
Weinberg has reason to stress downtown pride, given the opposition to earlier expansion plans for the institution’s Madison Avenue home. In 1985, Michael Graves’s proposal fell through when neighbors called it too radical; Rem Koolhaas’s 2003 scheme to expand into nearby brownstones cost too much; and Piano’s 2004 proposal languished amid local questions about its effect on nearby landmarks. In 2006, the institution purchased the site in the Meatpacking District, a decidedly funkier part of Manhattan. “This is a place for artists to hang out,” asserted Weinberg during a presentation to a community board, even showing a slide of notable artists who live within walking distance of the site.
Indeed, despite the new museum’s location next to an operating meatpackers’ cooperative, the recent announcement underscores the neighborhood’s conversion from industrial-era workhorse to fashionable residential enclave—a condition that suits Piano. “I love being in a changing place,” he says. “I love transformation.” Like other areas in Manhattan, the Meatpacking District has gentrified rapidly since the late 1990s and now draws tipplers and trendmongers. The museum will face the High Line, a historic elevated rail track that the city is converting into a park. Weinberg says he plans for exhibitions on the outdoor terraces, later opening hours, and more after-dark events once the building opens in 2012.

@Source: http://archrecord.construction.com/news/OnTheBoards/0808whitney.asp

Urban Picnic lunch box@Food

Lunch times can be such dreary affairs, especially if you’re on a deadline and are stuck at your desk with only a sandwich and a Styrofoam cup of soup for company.

Happily for Londoners, UP Box is set to break the mould with its brand of up-market take-away boxed meals, all priced at £6 each. The unbleached, recyclable (but stylishly sturdy) cardboard box flips open to reveal a main course, salad and dessert with recyclable cutlery. Styled after the Japanese bento sets, the menu changes weekly, taking in a delicious spread of global cuisine – Turkish, Mexican, Thai, Moroccan, French, Indian and Italian being an amuse bouche of what’s on offer. For those with easily bored taste buds, the menu is a God-send.

Chef Ines Alfille and her former investment lawyer husband, Nick are the brains behind UP Box (the letters stand for Urban Picnic). Their MO is healthy, low-carb meals made, where possible, with seasonal, locally sourced and non-GM produce. Our recent lunch of a tasty barley salad studded with sweet radish sticks, and skinless chicken wrapped with smoky strips of eggplant had us already looking forward to the next day’s meal.

Meanwhile, UP Box’s flagship Ludgate Circus store is a soothing mix of smoked oak, blues and whites; and while it’s a pity that there is no dine-in option, the prospect of seared tuna with Thai pepper crust will hopefully take the sting out of that desk-bound lunch.

@Source: http://www.wallpaper.com/food_drink/urban-picnic-lunch-box/2555

Public Sculpture Steps Up@Art

Roberta Smith writes:

Over the past 15 years public sculpture has become one of contemporary art’s more exciting areas of endeavor and certainly its most dramatically improved one.

Some recent successes have included Mark Wallinger’s 1999 “Ecce Homo,” a life-size figure of Jesus in London, shown at left; and Anish Kapoor’s “Cloud Gate” in Chicago, nicknamed the Bean. Freely mixing elements of Pop, Minimalism, Conceptual Art and Realism, these pieces also often benefit from new technologies and materials, making them dynamic and provocative.

Photo: John Riddy, Courtesy of Anthony Reynolds Gallery, London

Certain artists may do their best work in the public arena. The Kapoor Bean, for example, converts the artist’s sometimes glib involvement with reflective surfaces into an enveloping experience that is both humorous and almost sublime.

Photo: Peter Wynn Thompson for The New York Times

No one has been more important to the revival of public art than Jeff Koons, whose career is the subject of an illuminating if rather crowded survey at the Museum of Contemporary Art in Chicago.

Photo: Museum of Contemporary Art, Chicago

“Puppy” (1992) by Jeff Koons at the Guggenheim Museum in Bilbao, Spain. IIt was Koons’s giant “Puppy” which broadcast most loudly and clearly that public sculpture was neither an exhausted form nor necessarily a dumbed-down one.

“Puppy” was first shown in June, 1992, in Arolsen, Germany, near Kassel, where the international mega-show “Documenta 9” was opening. Scores of art-world denizens went to see what Mr. Koons was up to.

Photo: Miguel Tona/European Pressphoto Agency

What they found was something shocking about its simplicity, accessibility and pleasure. “Puppy” was intensely loveable, triggering a laugh-out-loud visual delight that expanded your sense of the human capacity for joy. It was nature at her most colorful and fragile. The flowery semblance of fur made “Puppy” almost living flesh, like us.

Photo: Rafa Rivas/Agence France-Presse — Getty Images

“Puppy” also provided a karmic bookend for an something that happened almost exactly three years before its Arolsen debut: the removal, in March, 1989, of Richard Serra’s “Tilted Arc” from the plaza in front of the Jacob K. Javits Federal Office building in Lower Manhattan. The dismantling came in the wake of a suit brought by the people who worked in the building – they hated the Serra — and days of acrimonious public hearings overseen by the Government Services Administration.

Photo: Dith Pran/The New York Times

Richard Serra’s sculptures at the Museum of Modern Art in 2007. “Tilted Arc” was in many ways the dark before the dawn not only of the Koons “Puppy,” but also of the shining achievement of Serra’s own post- Arc work. Serra has in essence taken his revenge on the public by making stronger, more elaborate pieces that it could not resist — judging from the way people line up these days to walk through his torqued ellipses, spirals and arcs.

Photo: Fred R. Conrad/The New York Times

The “Puppy” set a high standard that Koons himself reached again only with his recent works in gleaming high chromium stainless steel, especially his prim yet erotic “Balloon Dog” sculptures.

Photo: Librado Romero/The New York Times

The show in Chicago is almost a primer of do’s and don’ts in public sculpture. The best of its 60 pieces, which span from 1979 to 2007, have the same irresistibility of the “Puppy” — you are drawn toward them by their familiarity only to realize that they are unprecedented.

Photo: Charles Rex Arbogast/Associated Press

His sculpture has required a level of perfection that has, at times, nearly brought Koons’s art to a standstill as he struggled to get exactly what he wanted in terms of the transparent color, surface shininess and physical details of the high chromium stainless steel pieces. The enormous time-spans recorded for these works reflect the effort: the “Balloon Dog (Orange)” is 1994-2000; the equally good “Cracked Egg (Magenta),” with its intimations of new-born innocence, is 1994-2006.

Photo: Museum of Contemporary Art, Chicago

Koons’s “Rabbit” was part of the Macy's Thanksgiving day parade in 2007. Koons’s art enacts the basic exchange of public sculpture. We literally see ourselves in his alluring reflective surfaces; his buoyant forms reach deep into our childhood with its accompanying feelings of hope and optimism.

Photo: Librado Romero/The New York Times

@Source: http://www.nytimes.com/slideshow/2008/08/24/arts/0824-KOONS_index.html

強悍與柔軟：蔡國強北京雙城 @Art

8月12日，北京奧運開幕式後的第4天，開閉幕式焰火總設計師蔡國強來到故鄉泉州。
　　這裡是蔡國強爆破藝術的起點。上世紀80年代，鞭炮生意在泉州很火，很多家庭都有鞭炮作坊。蔡國強在那時迷上了火藥。那時，他還是一個只會點火，不會滅火的毛頭小子；現在，他已是一個以整個北京城為舞台的爆破藝術家。
　　此行，蔡國強與4天前的奧運開幕式呼應，要創作一幅火藥草圖《歷史足跡：為北京奧運作的計劃》。所謂火藥草圖，就是在特殊的紙上爆破留下痕跡。7年前，蔡國強為APEC上海峰會做完焰火之後幾個月，創作了14幅火藥草圖，在去年香港佳士得拍賣中以7424萬元創下中國當代藝術作品世界拍賣的最高紀錄。
　　對於火藥草圖，泉州人並不陌生。2006年，蔡國強在泉州的閩台緣博物館創作了一幅世界上最大的火藥壁畫《大榕樹》，榕樹盤根錯節並且蒼老的老樹根盤繞在壁畫上。
　　《歷史足跡》的創作場地設在《泉州晚報》一樓。從早上7點開始，《泉州晚報》的正門封閉，只有東側的一扇小門進出。現場人山人海，保安不苟言笑地清退每個沒有證件的觀眾。蔡國強的太太，同是畫家的吳紅紅一身便利打扮，幫蔡國強接聽手機，張羅現場志願者及時補上滅火。
　　《歷史足跡》長33米，寬4米，橫貫整個一樓大廳。畫上，一塊塊北京建築模板，如天安門、國家大劇院、故宮、水立方等，在中軸線上依次展開。在中軸線的上方，29個大腳印模板依次排列。
　　蔡國強赤腳走在紙上，表情嚴肅，時不時在某個建築旁灑下一些黑色火藥。此時他灑的火藥多少將決定這件作品的爆破力度和作品呈現的濃淡。沒有修補的可能，他只有一次點火與爆炸的機會。
　　在33米長的紙上，蔡國強來回反覆審視。他的腳下是他自己創作生涯中最長的火藥草圖，也是一座虛擬北京城。太太吳紅紅說，蔡國強從小的夢想就是在天安門廣場放沒有人看的焰火大會、放風箏。這個夢想被《紐約客》著名藝術評論家Peter Shjeldahl在採訪中挖到了，他很滿意文章中的這個細節，認為呈現了真實的蔡國強。
　　晚上6點多，終於灑完火藥。草圖上覆了一層蠟紙，接著蓋上幾層硬紙板，然後在上面均勻地壓上磚頭。
　　用一隻普通的打火機，蔡國強點燃了草圖一側的火引子。立刻，一陣濃濃的白煙從紙板下躥了起來，頂起紙板，撲騰著跑完整條畫卷。整個燃煙的過程持續了僅僅6秒！
　　平靜之後，開窗開門通風。蔡國強的助手憑經驗判斷一一揭起燃燒充分的建築模板。蔡國強親手掀起天安門的模板。下面是一個輪廓清晰的天安門，「很好！」中國美術館館長范迪安在畫卷邊上讚道。此次，范迪安作為嘉賓在現場觀摩作品，他評說，「火藥就像國畫用墨一樣，一定要掌握它的輕重。這件作品很有價值。」
　　《歷史足跡》將懸掛在中國美術館的一樓大廳。這也是蔡國強為全球個人巡展北京站特意做的作品。8月19日至9月2日，蔡國強個展「我想要相信」將在中國美術館舉行。這是國內第一次整體展示蔡國強的作品，也是中國美術館歷史上規模最大的展覽。2月，該展在美國紐約古根海姆博物館舉行首站展覽。紐約古根海姆撤掉了包括畢加索在內所有名家作品，用全館呈現蔡國強的80 多件作品。
　　柔軟的北京
　　《新民週刊》：為什麼在奧運開幕之後僅4天，就做了《歷史足跡》這幅火藥草圖？
　　蔡國強：本來是不急的。因為我的個展8月19日在中國美術館開幕，我想做一件和北京、和奧運有關的作品，所以就趕著這股勁做了。《歷史足跡》是關於一座城市、一個盛典的記憶。據說奧運會開幕式有40多億觀眾收看。如果他們以後看到這件草圖，就會想起這場開幕式，從另一角度體驗藝術家做這個計劃的想法。
　　《新民週刊》：但是《歷史足跡》並不「實」，不是對北京、奧運的描紅。
　　蔡國強：我其實摸不準這件草圖。如果火藥的用量多，我知道作品會很好看、很激烈，但此時此地，這樣做是不是對？所以，我想表現輕而巨大的城市。它是夢幻、超現實的。如果用電腦般詳細地「描紅」北京城，沒有多大意思。
　　草圖上的那些建築好像模仿了北京建築，但又不像是北京城。它很雜。如果我用火藥描出一個個建築，也可以炸出有稜有角的建築，但那樣太精準了，像建築設計圖紙，沒有夢幻的感覺。
　　所以我撒火藥的時候很控制，很小心。和做「大榕樹」不同，「大榕樹」很激烈，噴火，而《歷史足跡》用煙熏，火都悶在裡面。最後的效果還不錯。腳印很實，腳印下面的建築都很「輕」，像在夢裡。
　　《新民週刊》：《歷史足跡》上的北京城讓我覺得非常柔軟，為什麼做一個柔軟北京？
　　蔡國強：因為奧運會太轟轟烈烈了，這件作品再強悍也強不過奧運會。我不可能讓紙上的大腳印和開幕式上的「大腳印」保持一樣的比例，只能做一個柔軟的北京。
　　「我想要相信」
　　《新民週刊》：你的北京個展緊接著奧運，一定會引起轟動。
蔡國強：最大的舞台、最大的火永遠是奧運會。最大的熱點永遠是奧運開幕式。咱們在一開始就知道了。
　　《新民週刊》：你為什麼把全球巡迴個展的主題定為「我想要相信」？
　　蔡國強：我的故鄉泉州有看風水的習俗。我從小就對宇宙好奇，對看不見的世界很有興趣。我覺得藝術可以出入看得見和看不見的世界。
　　2002年9月6日晚上9點，我在意大利北部小城Trento的墳場中做了一件焰火作品。當地人上墳都會獻上白色和藍色的菊花。那天晚上，我就放了漫天的白色和藍色的菊花焰火，一直放了3分半鐘。燃放於墳場，我不讓人來看。這是專門做給在墳場裡安息的人們的。我在墳墓邊，一點都不怕。
　　第二天，我離開酒店去機場。路上有陌生的當地人向我走來，對我說，嗨，昨晚我媽媽一定很高興。很多當地人都來感謝我。我覺得自己做了一件讓他們很高興的事情。我相信他們地下的母親一定能看見焰火。至少，我想要相信。這樣想使我感到享受、安慰。否則我們就太苦了。
　　《新民週刊》：「我想要相信」這句話出自美國電影《X檔案2·我想要相信》，你看過《X檔案》嗎？
　　蔡國強：我沒有看過《X檔案》，之前也不知道這句話被《X檔案》用過。我們向《X檔案》所屬的公司買版權。他們同意我們使用。公司老闆默多克的太太鄧文迪是我的好朋友。她的孩子和我的孩子天天在一起玩。
　　《新民週刊》：有評論說你的個展之所以紅，是因為打著東方符號吸引西方人。
　　蔡國強：作為藝術家，我個人並沒有什麼集體主義，不參加任何流派。當別人扎堆的時候，我就是一個個人。同時，我這個人做的事情也是普通人做的（事情），與大家同樂樂。
　　我根本沒有靠中國符號吸引西方人。在我之前，古根海姆做過「中華5000年文明藝術展」，展品是國內100多家博物館裡最好的藏品。但是展覽沒有那麼多的人看。而我一個小小的藝術家，為什麼觀眾人山人海，這是因為我的作品有大眾性。普通人覺得有趣，有創造力，能理解，應該帶他的女朋友、孩子來看。《新民週刊》：紐約個展時，你希望和美國觀眾產生怎樣的共鳴？
　　蔡國強：我的作品裡有好玩、幽默的東西，從另一個角度看待世界。比如「9·11」之後，美國民眾紛紛譴責恐怖主義，我用9輛汽車做了一件自殺爆炸的作品《不合時宜：舞台一》。「汽車們」都處在自殺爆炸過程中。美國人懷疑這件作品是好還是壞？其實我並不是在說好壞，而是在反觀。
　　在中國文化中，我們更多地討論世界的矛盾，提出矛盾，讓人們看到矛盾，而不像西方的理性主義——藝術就要解決問題。藝術家不是解決矛盾的。
　　拿在手上太燙，放下又捨不得
　　《新民週刊》：在藝術圈裡，你一直不扎堆，無論是八五美術浪潮，還是官方美協機構，你一直是一個人。這次為什麼會參與奧運，和一群人共事？從一個人到一群人，你是怎麼考慮的？
　　蔡國強：「集體的人」經常是一群特別的人。個人經常是很共性，關懷生命，感受幸福、自由、理想、悲傷。這種個人是真實的，是全人類共有的。
　　以前，我長期在國內的時候不是那麼有集體主義。作為藝術家的個人，到國外，和當地民族、文化有很多共通點，不會因為離開中國現代藝術這個圈子，就不知道該做什麼了。
　　《新民週刊》：西方在解讀你的作品時一直有雙面性，比如《草船借箭》，西方先是批它反西方，後者又肯定這是件重要作品。
　　蔡國強：一直都這樣。後來我做的《不合時宜：舞台一》讓美國人很不舒服。但是他們還是花了幾百萬美元做這件作品。拿在手上太燙，放下又捨不得，對藝術家來說，這才是好的處境。要是人家對你總是客客氣氣的，你就完蛋了。
　　《新民週刊》：早年你從上戲畢業去日本後，日本人對你就是很客氣的，沒什麼批評。
　　蔡國強：現在日本還是這樣，今年10月我會做一個作品《黑焰火》，在廣島原子彈轟炸的紀念地的上空，放很多黑色焰火。這會讓日本人很難受。他們一方面很想看這件作品，另一方面很怕看到。我並不想碰他們的傷疤，其實我也是在撫摸自己的傷疤。我不把他們當作外人，也不想借這個作品嘲笑他們。這是我們人類自己的問題。
　　《新民週刊》：在當代藝術界新出的「四大天王」排名中，你是第一位。你對這個排名怎麼看？
　　蔡國強：這是不對的，沒有意義，對國內美術界和年輕藝術家都沒有意義。「四大天王」中，可能沒有一個人會為了這個稱號而高興。
　　《新民週刊》：三四年前，你計劃在泉州建一座當代藝術館，並請「老爵爺」諾曼·福斯特設計。現在藝術館的進度如何？
　　蔡國強：福斯特8月9日上午從美國飛到我家開會，他的方案越做越細，每個展廳都有了方案。只是我這邊還沒有很大的進展。
　　藝術家是靠不住的，隨心所欲的。當他認為非做不可的時候，怎麼著也會做出來。但可有可無的時候，他就晃來晃去。建一座美術館有太多的事情，應該有一個製作人專心公關，有一個工程師負責材料和建築。藝術家怎麼管得了這些事？汶川地震後，我的作品《天上來的鱷魚》拍賣了580萬，本來我是想把這件作品捐給羌族，支持非物質文化遺產的。可是怎麼捐？我不知道。只好還放在那。
　　我很膽小，有小聰明，擔心隨便捐出去，會增加某些腐敗冒出來的機會。總之我的擔心很多。
　　吹牛的無聊人
　　《新民週刊》：你是一個幽默的人吧。
　　蔡國強：男孩靠經常給自己吹牛，鼓舞自己，好的女孩應該懂得讓男孩吹點牛。重要的是，女孩不要跟著他一起吹牛。
　　《新民週刊》：據說你是少林弟子，現在還堅持練武嗎？
　　蔡國強：我常常跑步、舉重。在國外候機前，我都會來回走動。我不希望自己感到特別弱。
　　《新民週刊》：除了健身之外，你還有什麼愛好？
　　蔡國強：我很無聊，無聊是我的特點。我的女兒都知道這點。我和女兒親熱很單調，永遠重複那些話和動作，比如：「乖乖，讓爸爸給你梳頭髮，你應該永遠保持這樣」——我喜歡把女兒打扮成我喜歡的樣子。
　　我的女兒都很黏我。我一有時間，她們就坐在旁邊。我看報紙，她們就關心我關心什麼事，在旁邊跟我一直嗒嗒嗒地說個沒完。
　　我最享受的是女兒在我眼睛看得到的地方。一看到女兒，我的心情就好。但是，女兒又不能離我很近。只要她在近處，我感到她的存在就可以了。
　　《新民週刊》：怎麼比較你的出生地泉州和你的現居住地北京？
　　蔡國強：泉州是我的故鄉，這裡有我的家庭和親屬。我在泉州得到無窮的源泉，從來沒有枯竭。現在在泉州的街上還可以看到有意思的東西：人。人是永遠的載體、文化。我的出生地的樣貌以後可能會消失了，但是不管城市怎麼變化，還是可以從人的身上感知文化，以及你和他之間的認同。
　　不能拿泉州和北京、威尼斯比。北京很浩瀚、光輝燦爛，也有恥辱。儘管北京總是蓋大樓，北京很鬧，北京人喜歡侃，但是北京是有些寂寞和傷感的。這點，我在上海比較少看到。北京的命運和泉州不同，這是一種民族向心力的體現。
@Source: 新民周刊 vol.2008034, Tue, 26 Aug, 2008 撰稿·劉莉芳（特約記者)

時尚天橋上 哪些老模翻紅？ @Fashion

左起：Linda Evangelista、Christy Turlington、Karen Elson、Naomi Campbell。
圖／ 各業者提供

Linda Evangelista 為PRADA重返時尚

當年以一句「I don't get out of bed for less than ＄10,000 a day.」（一天沒有一萬美金，我不下床工作）的豪語，奠立全球第一名模地位的琳達伊凡莉斯塔（Linda Evangelista），沈寂了一陣子，在LANVIN重用之下，琳達冷豔的氣質重返時尚。

今秋PRADA力邀獨家拍攝時尚形象照，華麗的蕾絲和精緻典雅的包款，和琳達相互輝映，是PRADA「低調奢華」風格最完美的門面。

Christy Turlington 為ESCADA再現優雅

1969年出生的美國名模克莉斯緹特靈頓（Christy Turlington），今年秋冬再度成為ESCADA廣告中第一女主角。這位定居紐約的美人，因為對瑜伽的熱愛和鑽研，178公分高的她始終保有優雅體 態，2001年不但登上美國《時代周刊》雜誌封面人物，更引領全球不斷蔓延的瑜伽熱。

曾代言卡文克萊（Calvin Klein）、媚寶琳（Maybelline）等品牌的克莉斯緹，也是ELLE雜誌出鏡率最高的封面女郎。最近更在英國 《Harpers&Queen》雜誌「全球百大美女」評選中名列第二，再登ESCADA女王的實力，不比好萊塢影星遜色。

Karen Elson 為CELINE釋放魅力

此外，也因這一波老模翻紅而沾邊的是，CELINE08秋冬廣告主角──英國名模Karen Elson。一頭紅髮搭配CELINE秋冬灰黑色調的構圖，呈現出21世紀女性，既摩登又時尚的風情。

1979年出生於英國，以招牌紅色頭髮和細眉活躍於90年代中後期的Karen，叛逆的氣質讓她在同輩名模中獨樹一格，甚至一度被卡爾拉格斐視為繆思，成 為香奈兒90年代後期的廣告主角；當時Karen前衛叛逆氣質和經典優雅CHANEL結合，掀起的「衝突美感」，成了時尚圈津津樂道的話題。

Naomi Campbell 為YSL搔首弄姿

1990～1999年間躋身世界超級名模行列的，還有一跌成名的「黑珍珠」娜歐蜜坎貝爾（Naomi Campbell）。

雖然鬧頭等機艙、虐傭被判罰勞役掃街等負面新聞不斷，但這位身材比例曼妙無人能敵的黑模，交遊廣闊，不時出現各大娛樂新聞版面的話題女郎，今年秋冬，仍為YSL創意藝術總監Stefano Pilati相中，擺出撩人姿態為秋冬女裝廣告代言。

@Source: 2008/08/26 聯合報 http://udn.com/ ╱記者袁青

8個台灣創意，外國人也驚艷！ @innovative

你知道台灣有哪些道地的商業創意，不僅撐起了一個產業的發展，甚至形成一種文化與生活習慣？以下這些從台灣土壤中茁壯的商業創意，讓外國人都因此而對台灣讚嘆不已。

文／張立宇　特約攝影／鍾士為

1.精品汽車旅館

1925年發源自美國、原本平凡無奇的motel，在台灣商人的創意下，搖身一變成為令人驚豔的六星級、七星級汽車旅館，且數量仍在持續成長中。2002年的台北薇閣精品旅館為這波風潮的帶領者，根據「汽車旅館地圖線上」網站指出，全台目前預估有超過800家的汽車旅館，以每家旅館30個房間、每房每天4次周轉率、每次休息台幣1,000元估算，產值每年就有350億元。

2.誠品書店

全世界第一家有24小時營業的大型連鎖書店，某種程度代表了台灣由夜生活引發出來的24小時風潮，如量販店、眼鏡行、線上購物24小時到貨等等。但誠品更令人驚豔的，是它融合了人文、藝術、創意與生活，在複合式的展場空間內發展無數可能。誠品曾被《時代》雜誌（TIME）亞洲版評為「亞洲之最」的「最佳書店」，也曾被《單眼鏡》雜誌（MONOCLE）專文指出：「誠品書店說明了台灣的一切。」2007年營業收入為97.35億元，全台有51家店。

3.檳榔西施

約在10年前出現的檳榔西施，穿著尺度游走在道德與法律邊緣，年輕女孩薄紗裸露的形象不僅改變傳統檳榔攤的生態，也成為所謂敗壞社會風氣的標靶。但她們不僅支撐著約350～400萬檳榔族、150萬人賴檳榔為生的產業，也意外成為陸客與外國觀光客造訪台灣必遊的「景點」，不僅CNN曾報導此一現象，也吸引許多國際攝影師，其中來自南非的歐陽鋒（Tobie Openshaw）花了7年時間，拍攝檳榔西施影像並製成紀錄片。

4.茶飲文化

從24小時營業的泡沫紅茶店，到幾乎夏日人手一杯外帶杯的連鎖茶飲店，茶飲風潮始終未曾退燒，其中珍珠奶茶更是其中的人氣代表。業者預估街頭林立的茶飲店，創造的營業額至少有百億以上，甚至有上看200億元的潛力。其中「休閒小站」甚至反攻到大陸、馬來西亞、日本、美國、澳洲等地，全球總店家超過1,200家；「葵可利Quickly」也在日、韓、大陸、香港等地有連鎖據點，將台灣的珍珠奶茶文化，發揮到極致。

5.KTV

源自日本卡拉OK的KTV，結合了當時流行的MTV，在台灣人的創意下發展出獨有的經營模式，不僅帶動老少咸宜的唱歌文化，更與唱片音樂界產生連動關係。其中的代表錢櫃於1989年開了第1家店，全省現有16家門市，同時更將觸角伸到大陸多年，2007年營業收入為29.88億元。

6.婚紗攝影

雖然每年台灣新人的結婚數，已從前幾年的17萬對，滑落到2006年的14萬對，但以每次花費婚紗攝影約6.5萬元計算，仍有91億元左右的市場規模。台灣婚紗攝影師帶著新人上天下海、發揮創意拍出不同氛圍，兼具中西文化的場景，更深得國內外人士肯定。今年交通部觀光局就結合各地方政府，開發「久久合歡」、「情定愛情海，夏至北海岸」、「阿里山神木下婚禮」等地方旅遊與婚紗攝影行程，更帶動觀光產業發展。

7.霹靂布袋戲

原為民間技藝的布袋戲，1970年代開始在電視播送時，黃俊雄《雲州大儒俠史艷文》創下97％超高收視率。雖然此後布袋戲熱潮一度平息，黃俊雄的兩個兒子黃強華、黃文擇1992年成立「大霹靂節目錄製公司」，將各種影視、動漫等流行文化的創意帶入布袋戲，從影帶租賃展開多角化的經營，更隨網路戲迷討論文化興起而再掀狂潮。目前不僅擁有專屬電視台頻道、片廠，也曾推出首部布袋戲電影《聖石傳說》及大量周邊商品，2006年一度進軍美國卡通頻道，目前年產值約有15億元。

8.民宿與觀光農場

據交通部觀光局統計，至今年6月全台民宿總數已達2,978家，與5年前相比成長近10倍，2007年的經營總收入達5億元。民宿之所以如此蓬勃發展，台灣人的巧思功不可沒。各類的主題民宿，結合各地農業特色的休閒農場，不僅帶動旅遊風氣，讓觀光與非觀光景點均受惠，也使周邊產業同時發展，發掘出更多台灣特色。

@Source: 快樂工作人雜誌網站 2008.08.27

MARC JACOBS企鵝包 疾呼救南極 @Fashion

本季最貴鴕鳥皮TAM包。是MARC JACOBS本季最奢華的限量包款。
照片／MARC JACOBS提供
以時尚和環保結合的創意包款，宣告地球只有一個的宣言。
照片／MARC JACOBS提供
蝴蝶結亮片手環代表這一季MARC JACOBS甜美的龐克元素。
照片／MARC JACOBS提供

紐約設計師品牌的靈魂人物Marc Jacobs絕對是「紐約金童」，但也是時尚圈的「壞孩子」。身兼Louis Vuitton和自有品牌MARC JACOBS設計總監，襯衫、牛仔褲和腳上永遠的球鞋模樣，就是最好的說明。

MARC JACOBS的設計中經常會以他熟悉且有品味的女性朋友為藍本，所以他的配件都有名字，可能是樂團、男友、模特兒或他喜愛的動物。比如今年秋冬，他就以紐 約時裝秀上表演的搖滾團體Sonic Youth為靈感作為包款。來自行李箱概念的COCO包則是Sonic Youth兩位團員女兒的名字。

Marc Jacobs喜歡揣摩來自巴黎和紐約不同生活方式的靈感，大量的絲綢、棉，讓衣服看起來更柔軟、舒服和輕鬆的調調，在柔軟的女性美中，保留都市的氣息。他也覺得時裝和配件間密切而有趣，例如他會設計實用的、私人打火機皮包或香菸盒等小物件。

讓平凡小物、甚至被鄙視為不入流的東西創造時尚感，這就是Marc Jacobs。

而昨晚上演的08 MARC JACOBS秋冬秀，小MARC以「副牌」之姿，上演八○龐克搖滾裝扮，叛逆的紅唇，桃紅、湛藍、鵝黃、湖水綠高彩度的螢光洋裝，黑色貝雷帽、墨鏡、短靴和手拿包，搶了正牌不少鋒頭。瞄準年輕市場，MARC JACOBS持續推出以品牌字母為字樣的手環、髮夾、髮圈、項鍊、手機吊飾飾品，水晶和彩色琺瑯是新嘗試的材質；小MARC這一季新增的迷你鎖頭和蝴蝶結是八○年代龐克主題下的小甜點。

其中，SO REAL系列的小MARC包包，是「以假亂真」的趣味包款，袋身的2D車線，刻意用車縫線複製出可愛外型；MISS MARC GOES GREEN則是小MARC環保概念下，把「企鵝」當成好朋友發想的包，包款上的企鵝替將因全球暖化而消失的南極大呼：「SAVE MY POLE（救救我的南極）！」

@Source: 2008/08/27 聯合報 ╱記者袁青

舊金山猶太博物館的豐厚生命力@Arch

這座現代猶太博物館座落在舊金山市中心，值得一提是，Daniel Libeskind的設計靈感來自西伯來文「L’Chaim」，意思是賦予生命力。整體設計概念是以舊的建築架構加上新的室內設計，是一棟新與舊、傳統與創新相結合的現代建築物。

理論上來說，一般博物館是公共性的展覽，講求空間的協調性，必須將不同故事背景的珍品融為一體，主要講求簡潔、明亮、穩重，並且帶點嚴肅性。同時必須在色彩和燈光設計上有主、有次，使觀賞者的注意力能夠集中，來達到展示藝術珍品的特殊魅力。 而在消防和防竊等特殊設計方面，也是在設計博物館的時候所應當考慮要點之一。但是，現代猶太博物館其實在設計上並不十分反應傳統博物館的功能需求， 簡單的說，它的空間並不是給予一般展出文獻或是古蹟介紹，而是將整個空間本身當成猶太人的歷史故事來詮釋。因此，整個猶太博物館本身就是個充滿故事的藝術 作品。

以內部設計來說，挑高寬敞的空間在加上不規則的橫切面，彷彿是講述猶太人在不同時期的破碎象徵，而不規則的玻璃窗口則是依據地圖上猶太悲劇地點所串連而成的，加上每個出入通道和走道相互連接，象徵著大時代和猶太歷史是不能分割的。 在整體的空間營造上，從不規則的橫切柱到穿插空間的高大立牆都有著明顯的縱向拉遠感，這種頂面與地面的衝突對斥，似乎隱喻著猶太屠殺和流亡的情景，這是一種猛烈卻帶點悲傷的氣氛。

此館猶如迷宮般壓縮著，刻意安排的不規則切割立面和不完整豎條狀金屬架構，身在其中，讓人彷彿真的回到了過去，真切地體會著歷史帶來的那份厚重感。

@Source: DFUN 設計風尚誌 2008. AUG. No.23 TEXT／Hui Hui Wu；PHOTOS／Mark Darley

miu miu 時尚女 不想長大的理由@Fashon

好萊塢女星克羅伊史薇妮（Chloe Sevigny）身著miu miu早秋系列，有點甜、有點壞的氣質，非常miu miu。圖／miu miu

1995年廣告
08’09’ A/W

時間回溯到1993年，Miuccia Prada以自己的小名，發表了新品牌miu miu，在時尚圈登時掀起話題波瀾，俏皮可愛、又性格古怪的miu miu Girl，一掃沉悶已久的T台樣貌。如果說小飛俠是男人心中不想長大的角落；miu miu就是給不想長大的女孩，一個顧影自戀的時尚倒影。

不受限制的創意

雖然是副牌，miu miu始終有著和老大姐PRADA截然不同的性格，偶爾用老大姐不穿的材質（其實是Miuccia很喜歡，但不適合PRADA的原料。）；或是採用老大姐 不想用的創意（也就是PRADA在品牌形象的既定界限中，不適合的想法。），但創意不受限的miu miu，反而更揮灑出自己的一片天空。

It Bag壯大聲勢

隨著miu miu的品牌形象愈發鮮明，從2006年開始，也有所謂的It Bag搶上時尚灘頭，支持miu miu的明星清一色是年輕女星，如綺拉奈特莉、琳賽羅涵、克萊兒丹尼絲、蜜拉喬維琪等，她們那種摸不著腦子裡想什麼、卻又可愛得迷死人的個性，和miu miu這個品牌可說是一拍即合，也讓miu miu的時尚定位更往上推一層。

獨立革命 水到渠成

形象、定位都水到渠成的狀況下，miu miu終於宣佈脫離PRADA，成為獨立品牌，同時撤除miu miu男裝線，2008年春夏男裝將成絕響，消息一傳出，男性Fans無不哀嘆連連。不過對女性來說，專心致志於女裝設計的miu miu，不啻是一項福音，根據miu miu總公司表示過去兩年間，miu miu的女裝市場成長了200%，可見miu miu的轉型，正符合了時尚女的需求。日前重新開幕的101旗艦店，便以和國際同步的空間形象，宣告miu miu的金色年代已經來臨。

10多年前的miu miu天真中帶點壞，現在的miu miu愛使壞、裝性感，但骨子還是小女孩。

miu miu大事紀

1992 首度發表1993年春夏miu miu女裝。
1993 首間米蘭店於2月開幕。
1994 11月首度參與1995年春夏紐約服裝周（直至1997年miu miu都在紐約辦秀）。
1996 首間巴黎店開幕。
1997 轉戰倫敦服裝周，發表97’98’秋冬秀。
1998 首度發表1999春夏男裝。
1998 首間倫敦店開幕。
1999 首間洛杉磯店開幕（目前己歇業,轉開業於好萊塢時尚大道Rodio Drive）。
1999 首間東京店開幕。
2006 轉戰巴黎服裝周，發表06’07’秋冬秀。

@Source: BRAND名牌誌2008年8月號 文／Shawn

故宮晶華》人人都是「收藏家」珍貴國寶端上桌@Food

(圖片提供／許斌)
(圖片提供／許斌)
(圖片提供／許斌)

文／宋祖慈；攝影／許斌

故宮博物院有餐廳了，開幕迎賓之作，端出的菜色是「故宮國寶宴」。當國人熟悉的故宮國寶「翠玉白菜」與「肉形石」變成了一道道美食，並且真的吃到嘴裡，我只能說，故宮早該有一家博物館餐廳了！

翠玉白菜唯妙唯肖

故宮是個必須細細參觀的博物館，但以往的餐飲設施卻一直無法滿足訪客的餐飲需求，座位少、食物也沒有特色，感覺在這層服務上，故宮並不留客。總算故宮在擴 建整修之後，於正館西側行政大樓旁打造了一棟地下2層、地上3層的餐飲中心──故宮晶華。院方表示，故宮晶華這件BOT案的目標不但在滿足遊客的餐飲需 求，並期望以文化創意服務來展現現代故宮特色；經營管理的晶華酒店集團，則可好好利用這獨特又獨家的市場環境，大顯身手端出足以襯托甚至彰顯故宮典藏的五 星級美食服務。

新開幕的故宮晶華，帶著大家的期待，推出與展品結合的「故宮國寶宴」套餐，分別是「翠玉白菜」、「弦紋鼎佛跳牆」、「白玉錦荔枝」、「肉形石」、「元朝雲 林鵝」、「香苗藏鳳袖」和「多寶格御點」、「鮮果毛公鼎」。其中「翠玉白菜」與「肉形石」因為模仿的對象是故宮歷年來最受歡迎的展品，而且真做到了唯妙唯 肖，可說是主廚的力作。

「翠玉白菜」的本尊，在正館3樓的308展室，這件翠玉雕作是清代作品，因為原置於紫禁城的永和宮，推測應是光緒帝妃子瑾妃的嫁妝；以白菜為題材看來再日 常不過，其實有著象徵清白的涵義，而菜葉上停留的螽斯和蝗蟲，則寓意著多子多孫，一直是受民間歡迎的吉祥題材。這座雕件完美運用了翠玉白綠對比的顏色、呈 現自然又擬真的白菜樣貌。

來對比一下餐桌上的這道「翠玉白菜」吧。主廚選用產自中臺灣的娃娃菜，取其中心的葉菜層、長約8至10公分並且要形似國寶的白綠漸層色。烹煮時先以火腿、 雞高湯汆燙入味，再淋上XO醬汁食用，菜上的小蟲，則用櫻花蝦來代替。當白菜用特製的小匙托著，以和國寶相同的角度「站」著上菜的時候，大家其實已不會苛 求它吃起來的滋味，而是跟站在真品前欣賞時一樣的反應──「好像啊」！

另一個也很像的作品是「肉形石」，它也是清代的作品。這件瑪瑙類的礦物經過漫長歲月形成了一層層不同色澤的紋理，就像一塊肥瘦相間的東坡肉！工匠運用原石 的質感來加工琢磨，並將表面染色，讓石皮呈現肉皮甚至有毛孔的柔軟效果，而且，看起來就像滷得很入味、幾乎要發出香氣。據精通粵菜的蕭廣安主廚說，這件作 品的挑戰在選肉和刀工，畢竟一塊滷到爛的蹄膀肉是很難切成想要的樣子又乖乖站好的，他們反覆實驗多次之後，才達到目前的視覺效果。

「多寶格御點」則是點心主廚屈永雄的拿手。用木製階梯架來呈現叉燒酥、桂花紅豆糕等甜鹹點心，是由多寶格得來的靈感，下午茶時段來故宮晶華也不妨單點一份來「賞玩」一下。

冰裂紋路視覺穿透

故宮晶華坐落在故宮的中國宮殿式建築群中，建築師姚仁喜以具有穿透效果的玻璃帷幕外牆來融入環境，以冰裂紋的語彙向故宮致意，是很高明的設計。故宮去年才 於「大觀」展中完整展出汝窯作品，北宋汝窯瓷器被稱為青瓷之魁，但因燒製時期不長，傳世品極少，歷代視為稀世珍寶，目前全世界僅存約70件，其中有21件 藏於故宮，堪稱世界之最。故宮瓷器展品中的代表作「青瓷蓮花式溫碗」便有著細膩雅緻的冰裂紋路，它是因為釉藥品質和燒窯技術所產生的裂紋難以控制，而有天 成一般的效果。

故宮晶華的玻璃帷幕外觀採用了冰裂紋的設計，就像把建築比做一件瓷器，與故宮這些有名或無名的藝術家們呼應。穿透的視覺效果，讓用餐者能攬外雙溪綠意入室，也讓夜間的故宮多了一個散發夜宴活力的光點。

室內裝潢客棧樣式

冰裂紋的元素一直沿用到室內設計，而將中央挑空6米的1樓餐廳設計成古代客棧樣式的室內設計師竟是日本人，不知橋本夕紀夫先生是否愛看我們的古裝電影？從 1樓走道兩旁矗立直達2樓天頂的燈柱，是仿新石器晚期的玉琮造型，它在古代是祭祀的禮器（相關展品於正館3樓303室展出）。1樓錯落的方桌是小吃區，以 單點粵菜為主，盡頭是中式點心的開放式廚房。牆上的裝飾選用大幅《唐仁宮樂圖》和《宋徽宗文會圖》，彷如樂官正無聲地伴奏著，增添不少用餐的雅趣。

2樓是10間包廂，分別可容納8至20人不等，皆以故宮典藏的書畫家名號命名，包廂內的主牆面便以該藝術家的作品裝飾；如大包廂「蘭亭居」便以王羲之的 《蘭亭集序》、「東坡居」便以蘇軾的字來作視覺設計，用餐的同時也因環境的烘托，像是進行了一場藝術饗宴。（蘭亭集序「行書第一」的名氣太大，讓設計師不 能免俗地選了這件作品，但它並非故宮藏品，就目前所知，世上也沒有任何一個「活人」收藏這件珍品。）

故宮晶華3樓為宴會廳、地下2樓則規劃為能展現臺灣美食文化的美食街，以不同的價位滿足遊客的餐飲需求。

故宮創意融入生活

博物館需要餐廳，意義並不完全在消費或包裝過的消費；傳統博物館的意義，以典藏、研究、教育為主要目的，話說硬一點，像故宮博物院這樣的博物館，是國力的展現，但是深不可測的殿堂式博物館真的符合民眾的需要嗎？其實我們已經看到了故宮的轉變。

故宮像是這個城市的靈魂，它收藏了文明的記憶，換句話說，是生活的記憶，讓每一個進來參觀的人思考歷史、文化、藝術、生活。不再滿足於寶庫式的被動貯藏角色而積極地走入觀眾的生活中，是80年歷史的老故宮在新時代一個美好的發展方向。

故宮博物院會是每一個人的繆思（Muse），在餐飲服務或紀念品設計上展現的文化創意，將會輕鬆而無滯礙地融入生活。而對故宮晶華的廚師們來說，當訪客不 用再帶便當去參觀故宮之後，他們或許反而成了帶著筆記本仔細端詳藝術品的一群，因為如何把國寶與美食結合，繼續端出令人驚豔的菜單，會是他們掌杓生涯中精 彩的一頁。

故宮晶華

地址：至善路2段221號／故宮博物院內

營業時間：11:30.21:00（全年無休）

訂位電話：2882-9393轉101或102

@Source: 臺北畫刊2008年08月號