「在未來，每個人都能成名十五分鐘」，這是安迪．沃荷的經典名句。為什麼沃荷在20世紀藝術上這麼重要，他自然地將生活與藝術結合在一起，讓藝術不再高高之上，成為大眾的藝術，是一位觀念主義藝術家，也是普普（Pop）藝術之父。
沃荷在1928年出生，父親安德烈荷（Andrej Warhola）是一位礦工，母親是茱莉亞（Julia Zawacky）打雜工，排行第三，父母親是斯洛伐克人，1918年因戰爭逃到美國，父親早逝，家庭一度陷入困境。1945至1949年，在賓州就讀卡內基科技工程學院，因家境不好開始半工半讀，暑假到大賣場工作。畢業後和同學到紐約闖天下，在一些知名的雜誌社工作，也做櫥窗設計師，並把安德烈．沃荷拉（Andrew Warhola）改成安迪．沃荷。
提到沃荷，就像敘述「美國夢」一樣，其是一個力爭擺脫貧窮成為百萬富翁的人。他是一位新典型的明星、創作者、製造者與演員，也是一位非常會做生意的人，對他而言，能賺錢的藝術是一種最令人激動、迷人的藝術，從不忌諱將錢掛在嘴邊，這與其他多數藝術家大不相同。
沃荷的名言：「藝術就是金錢，金錢就是藝術」，曾提到，「在嬉皮時代，人們說，錢是一種非常醜的東西，工作也是醜的東西，但對於我來說；賺錢是藝術，工作是藝術，會賺錢的工作是最好的藝術」。
正因努力向「錢」看，沃荷創作動力十足，1950年代工作內容包括商業插畫、廣告設計和櫥窗設計，這使得在經濟上獲得滿足，開始有些小小聲譽，首次製作的廣告作品是隨著一篇「在紐約，成功是一種職業」一文而聲名大噪，此後有接不完的廣告生意。
1952年首次在紐約雨果藝廊（Hugo Gallery）舉辦個展。此時期創作是以一些比較單純的畫題創作，如「追憶遺失的鞋子」和「黃金鞋」，作品大部分使用金箔紙拼製而成，以「塗印技巧」的技法繪製，利用這種方式來呈現電影明星和名人的特徵。此外，在台灣巡迴展中的「黃金書」就是其1950年代的作品。
到1960年代，最有名的作品是反越戰、愛好和平、喜歡無憂無慮、抽大麻，象徵嬉皮年代的「花系列」。1965年到賓州當代藝術大學辦「花系列」個展，開幕典禮來了4千多人，結果看不到任何展示的作品，僅有壁紙的展示，展場牆壁皆以「花壁紙」來裝飾，這可引起媒體譁然，甚至有媒體在隔天報紙上稱被「裝肖」，隔天他就掛上「花系列」作品，充分善用媒體製造新聞。同時，也在當時創造展出的新視覺，顛覆當時的展場空間。
值得一提的是，沃荷的「工廠」，1963年夏天，沃荷在聯合國大廈附近租了一棟公寓，屋頂漏水，沒有暖氣，1年100美元租金，這是其最早的銀色工作室─「工廠」，內部全是銀色，夜店般的繽紛燈光加上搖滾樂，讓紐約的社會和藝術人士流連忘返，隨著知名度提高，藝術家、演員、歌手與影星每天川流不息。
沃荷在工廠大量運用絹印創作，讓藝術品可以像在生產線上製造產品一樣被製作生產，如康寶濃湯、瑪麗蓮夢露、可口可樂、美元、毛澤東、貓王等膾炙人口作品，均在這個工廠製作，大約製作2000張作品。
1970- 1980年代，沃荷大量製作名人、明星肖像，善用了名人知名度讓自己賺進大把鈔票，創作風格是「挪用法」，將名人在報紙或海報上的照片拿來加以套色，產生新的作品，但又不是刻板將照片輸出，會用不同的材料與技法，讓作品更有生命力。
舉例來說，作品「瑪麗蓮夢露」的影像來源，取自一本雜誌封面，以頭部為主，將頸部以下的衣服去掉，呈現特寫鏡頭，讓人們對瑪麗蓮夢露臉上的那顆大痣與美，深入人們腦中，用強烈與美麗的色彩，記住巨星的死亡，也告訴世人死亡是存在的，是人必經的歷程。
沃荷在1960年代改變了「刻苦貧困式的顏色」、「浮雕式的僵硬繪畫」；1970年代進入「錯綜複雜」、豪放的筆觸風格，模糊的輪廓，把電影明星轉變成美術館內的明星；1980年之後決定開始製作古典繪畫作品、隱藏繪畫，這種隱藏繪畫在1980年代常見，如這次展出作品「迷彩」。
1986年，沃荷執行最後的「列寧」肖像與「自畫像」一系列聯品；1987年在一次膽囊手術之後辭世，終身未婚。
@Via:2009-01-28 工商時報 / 徐晨縈／台北報導
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