紐約時裝周／創意趕走寒意 穿出歡樂美@Fashion

Marchesa以蝴蝶夫人為主題，在領、腰和裙襬融入和風。
圖／美聯社
Philip Lim以畢卡索的名畫為繆思，融入藝術品味。
圖／美聯社
Anna Sui新裝以嬉皮花朵結合馬戲團的趣味元素，充滿歡笑。
圖／法新社

聯合報╱記者陶福媛

受大環境影響，「實穿」已是時尚主流。不過也有設計師不願向現實低頭，紐約時裝周16、17日登場的Anna Sui、Phillip Lim、Marchesa，堅持在設計中融入美學、創意和歡樂趣味。

不願隨波逐流的Phillip Lim說：「誰要買沒有設計的基本款？我認為美感還是必要的，總要給消費者一個採購的理由吧！」於是他在服裝融入美學品味，以畢卡索名畫「三劍客」為繆思，在基本款中融入大膽色塊和線條，加入些許創意，

Anna Sui的設計更是天馬行空，不改浪漫唯美、超脫現實的個性，延續上一季繽紛花朵的嬉皮時尚，更加入軍樂隊禮服、馬戲團小丑等趣味元素，連褲襪都花不溜丟。時尚評論家說：「Anna Sui秀上的模特兒表情超開心的，大概因為她們能穿平底鞋走秀的緣故吧！」

Michael Kors在秀前接受採訪時說，他喜歡建築美學的設計，但調子冷又孤傲，「感覺像是哀傷的女人，我一點也不喜歡！」於是他將冷峻的建築美學和結構設計，融入繽紛色彩，如淺藍、紫、薄荷綠等，變得更柔美。

受好萊塢女星喜愛的Marchesa，設計總監Georgina Chapman這一季以日本「蝴蝶夫人」的和服為設計靈感，晚禮服的和式領露出香肩、和服束腰包裹女人的曲線、裙襬曳地散開如綻放的花朵、融入刺繡手繪水墨畫的Obi和風外套等，十分精緻優雅。

@Source from: 【2009/09/18 聯合報】@ http://udn.com/

拉格斐好神 改造莉莉艾倫包驚豔@Fashion

拉格斐親自掌鏡，將可愛俏皮的莉莉艾倫改造成時尚女神。
圖／CHANEL提供

聯合報╱記者陶福媛

想知道香奈兒設計總監卡爾拉格斐(Karl Lagerfeld)是如何將邋遢的英國歌手莉莉艾倫 (Lily Allen)，改造成氣質高貴的絕色美女？近日香奈兒將這段形象廣告的幕後花絮po上官網，讓人一窺拉格斐的功力。

當香奈兒決定聘用莉莉艾倫擔任秋冬新款包Coco Cocoon的廣告代言人，大家都不看好，認為要將這個在歌曲中罵粗口的浪蕩女化身為香奈兒女神，恐怕難度有點高。結果證明，拉格斐果然有「化腐朽為神奇」的神力。

拉格斐說：「我很喜歡莉莉艾倫，她的韻味與香奈兒女士有些許相似之處，兩個都是靠自己闖天下的女人。她很酷，年輕且機智。廣告拍攝過程超有趣，充滿活力的莉莉也愛上這系列包款，還有她那經典的英式內斂氣質，太精彩了！」

Coco Cocoon系列廣告是以黑白灰色調為主，拉格斐以奧黛莉赫本在電影「第凡內早餐」中的造型，重新塑造莉莉艾倫的時尚形象，風格優雅高貴，但仍保有莉莉艾倫的俏皮天真，為香奈兒注入鮮活動力，正符合Coco Cocoon年輕、時尚、行動力的商品特色。

Coco Cocoon全新系列將於10月3日全球同步上市，售價38,500元起。

@Source from: 【2009/09/16 聯合報】@ http://udn.com/

平價服飾 打響新時尚經濟@Fashion

受不景氣影響，時裝業有愈來愈多設計師擁抱平價和實穿，高貴不貴的休閒服飾蔚為流行。
路透

經濟日報╱編譯于倩若

亞裔設計師Richard Chai本周在紐約時裝周展示的並不是與他同名的品牌，而是他新成立、價格較平易近人的品牌「Love」，明年春季開賣的Love品牌新裝售價約只有Richard Chai品牌的三分之一。

受不景氣影響，時裝業有愈來愈多設計師像他一樣擁抱平價和實穿，Richard Chai說：「我希望Love走平易近人路線。」他坦承「平易近人」一向被時裝界視為粗俗或不入流，也意味犧牲了創意和完美無缺。

休閒服飾抬頭

但這就是新的時尚經濟：不講究華麗鋪張，比較有銷路。

在榮景時，走商業化路線的設計師，有時會在作品中加入衣袖等實用元素讓服裝變得更實穿，多少會遭到時尚界鄙視；但現在，許多設計師開始製作更休閒的服飾，尤其著重在高品質的運動服。

這種衣服穿起來更舒服，生產成本也較低，因為布料更便宜、設計也比較簡單。

零售商一直呼籲時裝業降價，以及設計能吸引更多消費者的時裝，要設計師降價可能比要他們預測哪些款式會暢銷容易許多，這也是做這行的人必須承擔的風險。時裝業已連續第二季降價求售，許多設計師的降幅超過20%。

設計師札克．珀森（Zac Posen）用較便宜的新布料創造時尚，他說：「我一直有在使用扎實棉（cotton twill）來壓低成本。」

珀森大幅增加賣得較好的日間服飾，雖然這類服裝通常不需要太多的創意，較缺乏獨特性，也比較不可能為設計師打響名號。

降價才有市場

另一位設計師蘇菲．思萊特（Sophie Theallet）也愈來愈重視降價，包括Neapolitan在內的零售商原本嫌她創作的衣服動輒要價上千美元太貴，拒絕銷售她的品牌。

但思萊特本周在紐約時裝周推出的新品一口氣降價30%，讓許多零售商願意重新與她合作。

事實上，過去最昂貴的品牌被視為較有聲望，3.1 Phillip Lim採用高級布料，而且設計別出心裁，但偶爾還是會被說成不及售價較高的競爭對手「高級」。

一份在紐約時裝周期間做的調查顯示，零售商比過去兩季更樂觀，沙克斯百貨（Saks）副董事長法拉奇（Ron Frasch）和執行長薩多夫（Steve Sadove），以及Bergdorf's時尚總監法戈（Linda Fargo）都對新品感到滿意。

奢華概念轉型

高價過去意味著高聲望，這種觀念可能出現轉變，並且造福3.1 Phillip Lim這些高貴但不貴的品牌。

@Source from: 【2009/09/18 經濟日報】@ http://udn.com/

紐約時裝周／Donna Karan縐褶如風拂過@Fashion

明豔的大紅色，一向是Donna Karan的拿手好戲。
圖／美聯社

聯合報╱袁青

服膺生活簡樸自然的Donna Karan，把一切創意歸於大自然的洗禮，帶有明顯縐褶的上衣和窄裙，讓模特兒彷彿逆風而行，衣衫被風吹動的波紋，透過細碎或固定在衣服上的襉褶，呈現如風行板的美麗。

灰和白，偶然出現的一抹膚色，Donna Karan淡雅的色調襯托衣服上像被「擰」過的痕跡，更為真切動人。

@Source from: 【2009/09/16 聯合報】@ http://udn.com/

Smoking With Yohji Yamamoto@Videos

Yohji Yamamoto is a riddle wrapped in a mystery inside an enigma. But perhaps there is a key. That key is smoking. Artist Jeremy Kost captures the famed designer doing just that in his latest screen test. Watch and be mesmerized.

新秀獲好評 吳季剛推連鎖店@Fashion

吳季剛11日在紐約時裝周推出新作品，展現更現代和性感的風格。
路透
吳季剛。
路透

「華爾街日報」報導，今年1月美國歐巴馬總統就職活動中一個讓人印象深刻、歷久難忘 的影像，就是新的第一夫人蜜雪兒那席露出背部和手臂的單肩白色晚禮服。這套禮服結束了數周來對歐巴馬夫人當晚衣飾的熱烈猜測，也使幾乎沒沒無聞的時裝設計 師吳季剛(Jason Wu)一炮而紅。

來自台灣的吳季剛充分把握這種難得的宣傳。今年1月他手下只有六個人，只有10家商店賣他的衣服，現已擴充到40家，包括Saks、Neiman Marcus、倫敦的Harrods等高級名店，今年營收可望達到400萬美元。吳季剛已雇了私人助理，員工也增加到10個人，還準備繼續加人。

26歲的吳季剛11日在紐約推出成名以來第一次時裝作品展，當天他本人也換下平常的李維牛仔褲和Converse運動鞋，穿上迪奧西裝。

吳季剛希望藉著這批最新作品，一改他已出名的端莊路線，建立更現代和性感的風格。為了成立廣泛的成衣品牌，他加入針織衣物、外衣和更多日常穿著，以滿足女性各方面的需求。

他的新作品試圖在淑女和大膽風格之間保持微妙平衡，用鮮明的色彩和豐富的質地，為典雅的線條增添活潑氣息。這些服飾從用垂肩外套搭配線條簡潔的長褲，一直到用駝鳥毛製作的小禮服，有意應付各種場合需要，而且都非常實用，而現在零售商尋求的就是廣度和實用。

這場展示會吸引許多零售商，包括Saks Fifth Avenue和Bergdorf Goodman高級主管，顯示吳季剛有多麼熱門，及業者認定他的產品的商業價值。

吳季剛今年11月打算把工作室擴充到目前的四倍，並準備推出吳季剛連鎖店，日後再擴及鞋子和手提袋等配件。他的財務長兼生活伴侶古斯塔渥．蘭吉說：「這是製造一種生活方式。」也是21世紀賺大錢的流行法門。

@Source from: 【2009/09/15 聯合晚報】@ http://udn.com/

Artbank如何支持澳洲當代藝術@Art

ArtBank藏品。
ArtBank藏品：蘭頓（Christopher Langton）2007年的作品《無題》（Untitled）。

凱瑟迪（Geoffrey Cassidy）

文‧攝影／陳沛岑

在經濟動盪的時代下，文化與藝術產業的發展除需產業界人士各自努力外，無疑還需政府單位的扶植，但究竟政府可以透過何種方式進一步地來幫助、促進產業的發 展或成了人們心中的疑問，除了現行設立的創作補助金申請專案、辦理獎項、提供藝術家至國外公家藝術機構駐村交流展演、舉辦城市藝術節外，是否還有什麼方式 可以讓藝文產業鏈更加地活絡、讓藝術貼近人們的生活？澳洲的藝術銀行（ArtBank）或提供了一個可行的方案。

若分析澳洲的藝術市場，將發現或因為地理位置的影響，本質上它還是一個以內需為主的產業，雖然近期由於澳洲畫廊群的集體積極對外拓展觸角、在歷年國 際重要大型展覽上澳洲藝術家的表現吸引了外界關注的目光，人們對於澳洲當代藝術的認識程度與日俱增並肯定其重要性；然而無可諱言的是，今日國際級的重要收 藏者、廣大的海外市場投資人入場澳洲藝術市場的比例並不大，澳洲藝術的國際消費盤局還甚微小；其實後面這個狀況與台灣藝術市場的處境相當類似，但澳洲政府 在擴大內需與支持本地的畫廊與藝術產業上，卻展現了不同的態度，而當中，體現這個差異點的便為當地獨特的政府單位──藝術銀行（ArtBank）的成立與 運作。近期藝術銀行的執行長凱瑟迪（Geoffrey Cassidy）接受本刊獨家採訪，談論了藝術銀行創立的背景、實際運作的模式與目前的營運狀況。

擁有最多澳洲當代藝術品的收藏庫房

澳洲藝術銀行於1980年成立，一開始隸屬於澳洲文化事務部（Cultural Affairs Branch of the Department of Home Affairs），成立的背景基因於當時一批政府官員至加拿大拜訪時參觀了當地的藝術銀行，認為該模式能幫助國內藝術產業的發展，因此在回國便籌組澳洲藝 術銀行的成立，目前藝術銀行的總部設在雪梨（Sydney），並於墨爾本（Melbourne）、伯斯（Perth）設有分部，總員工數為17人。

提到「藝術銀行」或許大家會想像它是否提供藝術品的抵押、貸款、保管服務？事實上它完全不涉及上述三項業務，只是單純的提供藝術品的「出租」服務與 租借藝術品的諮詢。凱瑟迪指出藝術銀行主要功能有二：第一，每年儘可能大量地購買「澳洲本地」的藝術作品，建構銀行可出租的資產，而購買的動作對藝術家創 作、本地畫廊產業的經營無非能達到最直接的鼓勵；第二，透過出租的事業，創造讓民眾與藝術品共同生活的機會，例如讓一般大眾直接在工作場域或生活中經驗藝 術品可能為感官、想像帶來的愉悅或啟發，此亦涉及美學教育的目的，例如若當地民間企業向藝術銀行承租一批作品後，藝術銀行會派專人到該公司在午餐或休息時 間舉辦非制式的作品賞析與導覽活動，和與會者分享出借作品的內涵、創作背景，培養人們對藝術欣賞、感知的興趣與進一步同作品對話的可能。

在創立的初期，藝術銀行的營運仰賴政府資金，是個「不斷花錢的機構」，然而自1992年起，藝術銀行已經能由出租藝術品的所得來自付開銷，無需靠政 府補助即可營運自如，甚至日益擴張（但仍為一公家單位，今隸屬於「澳洲聯邦政府水資源文化遺產與藝術部」（Department of the Environment Water Heritage and the Art）之下）。例如墨爾本的分部即於2004年成立，而藝術銀行近年在投入在藝術品購買的預算更有顯著的增長，如成立初期1980年政府提撥給藝術銀行 購買作品的預算為25萬澳幣，2007年當凱瑟迪甫加入時，該年預算約為65萬澳幣，但在去年，他把預算追加至100萬澳幣（約為新台幣2712.2萬 元），凱瑟迪自豪的表示此為「有史以來最高的預算紀錄」（若單以投入澳洲當代藝術的購藏來說，其實這是個可觀的數字，並且全澳洲所有美術館年度購藏當代作 品的預算都沒藝術銀行來的高），而他們也毫不保留地把預算「全數花完」！例如在去年7月底舉辦的墨爾本藝術博覽會（Melbourne Art Fair）中，短短四天的時間，藝術銀行花了20萬澳幣（新台幣680萬元）買下48件澳洲藝術家的作品，包括以肖像攝影著名的墨爾本藝術家歐巴札尼克 （Simon Obarzanek）的攝影作品、擅以鐵絲網為材製作變形雕塑的沙特（Britt Salt）之作品《Monoform S.049》，其無非是藝術博覽會中的最大買家之一，除此之外他本人和工作伙伴並經常四處去看展，不僅只向重點城市雪梨、墨爾本兩地的畫廊買作品，而是試 圖把收藏範圍擴大至澳洲6個州與兩個自治區中的畫廊、藝術機構裡，企圖支持當地「整體」的藝術產業與「最多數」的藝術家。

雖然墨爾本藝術銀行總部的外觀看起來不甚起眼，甚至可說相當儉樸，活像個鐵皮屋，然而一但走入其中將會發現裡頭四處皆是寶，藝術作品以看似無調理實 則有潛在秩序地被擺置在空間之中。一樓空間幾乎全被作品所佔據，廣大的儲藏室中設有一排排活動的網架，上頭掛置著各種類型的作品，並有展示間 （Showroom）、租借諮詢室、作品維護、拆送寄貨整理區。目前藝術銀行擁有總價值超過3500萬澳幣，總數達9779件的作品，堪稱是一擁有最多澳 洲當代藝術作品的收藏庫房，而每件作品都經過電腦建檔，透過系統化的管理掌握藏品的細節、所存放的位置與租借狀況。在去年的全盛時期有高達75％的作品全 部出借於外，凱瑟迪笑說，他幾乎要以為總部的儲藏室變成了「空城」，而每每當他在辦公室看到某件作品時，常會覺得自己是「第一次見到它們」，許多作品非常 熱門，常年租借在外，讓他甚至「忘了曾買下這些作品」。藝術銀行的成功不喻自言。

多元的藏品：收藏機制與標準

凱瑟迪指出藝術銀行並不是一個像是「美術館」的機構，它沒有那麼大的學術包袱，銀行的建立主要在支持澳洲「本地」藝術發展、透過在第一市場的畫廊、 藝術博覽會中購買作品給藝術家實質的助力，以收藏「在世」的當代藝術家、市場上新興藝術家的作品為準則。而藝術家創作的媒材多元，所以藝術銀行的收藏也橫 跨雕塑、平面繪畫（當中有40％原住民的創作，此也為藝術銀行藏品的重點特色之一）、攝影、工藝類的瓷器、紡織、玻璃製品（各類藏品比例請參考右圖），在 當中觀者也可見不少知名藝術家的作品，例如墨法特（Tracey Moffatt）、韓森（Bill Henson）、巴頓（Del Kathryn Barton）、前輩藝術家歐莉（Margaret Olley）、迪克森（Robert Dickerson）等人的作品。而在所有藏品中，目前市場價值最高的即為日前剛於維多利亞國家藝廊（National Gallery of Victoria）舉辦個展的澳洲現代主義名家布拉克（John Brack）一件完成於1992年的油畫作品，市值約為60至70萬澳幣（約新台幣1600至1900萬元）。凱瑟迪表示其實這是他們很早期購入的作品， 只是今日其市場價值攀升許多。

事實上藝術銀行平均購買單件作品的預算是4000澳幣（換算成新台幣僅11萬元），並不是一個很大的數目，但唯有如此才能將資源分散給「盡可能多」 的獲益者（支持最大多數的藝術家，但當然也有例外的狀況會增加單筆購買預算），其不諱言在近幾年市場爆衝的狀況下要用這樣的單筆預算來買作品略顯得「有點 難度」，唯藝術銀行在每一筆購藏決定之前，都經過審慎的考慮，所將購藏的作品必須是「藝術家階段創作中具代表性、質量好的作品」，特別傾向在藝術家還未那 麼具名氣時入藏其作品（此時作品價格較便宜，多能在設定的預算之內），除此之外，其也必須把絕大多數客戶的喜好納入考量，比方說普遍大眾喜歡明亮、色彩豐 富而非死氣沉沉的作品，或者許多出借的作品展示處往往是辦公室，在工作場域中主題太過具爭議性有時會影響員工工作心情……，雖然這樣說來選擇具有的作品風 格的作品顯得「安全」許多，但基本上藝術銀行還是願意冒險，盡量把購藏的作品類型多元化，以符合各類不同的需求（儘可能地支持藝術家、服務客戶，有時也必 須「教育」客戶接受具前瞻性的作品）。而基因於銀行內專家的眼光，不少其他接洽的藝術家在幾年之後都成為市場的寵兒、作品價格也隨之上漲。因此現下許多畫 廊、藝術家也會認為讓作品列入藝術銀行收藏中代表了某種指標。

而自去年8月開始，藝術銀行也首度跨足錄像藝術的收藏，雖然目前的此類作品數僅佔整體收藏比例的0.1％，僅12件（當中包括已成名的藝術家克魯克 斯（Daniel Crooks）的《第四號交會點》（Intersection No. 4）、新銳藝術家：佛勒（Hayden Fowler）的《奧德賽之羊》（Goat Odyssey）、布萊克摩爾（Kate Blackmore）的《契努克人》（Chinook）、米契（Dorota Mytych）兩件閱讀系列作品等），但凱瑟迪認為「這只是個開端」，錄像已成為當代藝術家普遍使用的創作語言，未來藝術銀行將逐漸著重在此方面藏品的建 立。

藝術銀行每年不斷地買作品，但卻未曾因為想「獲致大量的利益」把早年購藏但今具有高度市場價值的作品賣出，主要的收益來源還是以出租作品為主，而就 算賣作品，所考量的也非作品的市場價格，每年藝術銀行會檢視作品出租的狀況，長年乏人問津、在5年間未被成功出租的作品才會被出售。

簡單、人性化的租借制度

藝術銀行對外的租約制度相當簡單，觀者可以透過網路或實地到三處藝術銀行的所在地挑選喜歡的作品，而藝術銀行的顧問群也會實際去拜訪有意願承租作品 者將來要放置作品的空間，根據客戶的品味、空間建築、裝潢風格提出作品的推薦與未來呈現方式的建議。而兩方簽署的租約以一年為期，一年到了可以重新續約或 重挑新作品，租金與藝術品原作的價值相較相對低廉，僅抽取原作約10％至20％的價格為一整年的租金。承租單件作品一年的租金最低為100澳幣，最高也僅 為5000澳幣（不含運費）。雖然隨著藝術家的成名，作品的市場價值可能會攀升，但藝術銀行某種程度上視自己為一個「講求信譽的商家」，稟持租金恆定的原 則，僅依作品買入的價格來作為租金定價的換算基準。如一件5萬澳幣的作品一年的租金為500元，5年後即使這件作品在拍賣場上估價變成15萬元，藝術銀行 還是只收取500元的年度租借費用。而政府也制定了一個絕佳的制度──租金可全額抵稅來鼓勵人們向藝術銀行租借藝術品。

另一方面，若承租人對所租借的作品日久生情，藝術銀行並不會就把作品賣給對方，反而是介紹感興趣者買畫的管道，請人們直接至畫廊或拍賣公司購買作品，某種程度上，藝術銀行也為培養潛在的收藏群盡份力量。

雖然合約一簽就是一年，但當中還是有彈性的變通空間，例如若在簽約期限內，客戶突然看膩了承租的作品，藝術銀行提供同價作品轉換的承租服務。又如去 年發生全球金融風暴，凱瑟迪坦白的說其實藝術銀行也受到了風暴的波及，因為「它直接影響了其客戶群」，在不景氣的時刻人們雖然還是愛藝術，但是無可否認的 是，藝術仍被視為「奢侈品」並非「必需品」，尤其當人們在各方面都必須縮減開銷時，藝術銀行出租作品的事業就像其他一般的民間企業一樣，受到了影響。雖然 在此時藝術銀行並不會為了拉攏客戶給予如跳樓大拍賣般的高幅度租金折扣，但是一旦已簽約的客戶認為無法負擔租金，即可和專員討論，經過溝通，兩方可以調整 租借的作品內容，如根據客戶現今的預算換成租金較低的作品、承租差額用來延長合約的年限之類都是可行的變通方法，顯得相當人性化。

而面對金融風暴，維持客戶對於租借作品的意願、保持和去年度同樣的營收額成了目前藝術銀行最大的挑戰，然而凱瑟迪認為基本上這個承租作品的機制已經 相當成熟，藝術銀行已打出口碑，而作品租金的收取也相當的合理、低廉，雖然短期間因景氣因素會影響客戶承租藝術作品的慾望，但以長期來看他並不過分擔心， 而現下他也僅採取與一般企業一樣的方式，透過廣告、座談會等方式來宣傳藝術銀行的理念與服務。

Who are clients？

在成立的初期，藝術銀行的客戶主要是澳洲本身的政府機構，除了境內的政府部門，澳洲駐外的大使館、外交、商工辦事處皆為作品承租的最大客戶（在公部 門展示澳洲當代藝術作品也有文化外交等宣傳作用，可擴大觀者對於澳洲藝術的興趣與理解）。然而凱瑟迪指出：在近年客戶群的組成有顯著的變化，今政府公部門 僅佔34.8％，佔據53.4％最大多數的為一般的私人企業組織與商家（如當地銀行、波音公司、餐廳等皆為作品承租者），另外11.75％的客戶則為一般 民眾，實際上在四年前的統計中，一般民眾僅佔總客戶比例的6％，由此足見大眾接受程度的日益增長。而除了收費的出租作品外，針對美術館的策展人、國際的策 展單位，基於教育與促進人們對於澳洲當代藝術的理解，藝術銀行傾向無償出借作品。

面對作品被毀損或遺失如何處理的問題，凱瑟迪表示他們非常的幸運，或者該說租借者對於藝術作品其實有高度的愛惜保存與維護意識、作品也不如人們想像 的脆弱，在他任內作品毀損的事還尚未發生，而事實上當價位較高的作品要出租時，在承租的合約中也會包含保險，若真有不幸事件發生，保險也能理賠；此外針對 價值超過20萬澳幣的作品，他們傾向把作品保留出租給政府機構，例如像大使館、澳洲駐外的工商辦事處皆有嚴密的保全措施，把作品放在裡面，安全問題無需實 堪慮。

堅定恆常的力量

在金融風暴之下，許多買家正在縮減購買藝術作品的預算，雖然藝術銀行的業績也受到影響，但顯然藝術銀行並非以「營利」為主要目的，它的背後有更大的 遠景，也因此即便業績下滑，凱瑟迪仍決定不刪減作品購藏的年度預算，他期望未來預算只會增加而不減少，即便有些許困難，但2009年購藏預算仍維持跟去年 一樣的水準為100萬澳幣，他指出：當藝術市場好的時候，許多人不斷地買進、賣出作品，那時藝術銀行並沒有那麼地重要，甚至或許可說無足輕重，然而當市場 衰退的時候，許多人都抽身了，此時的堅持、持續投入扮演的力量支持則相形珍貴，希望未來藝術銀行能持續扮演「刺激市場」、「支持藝術」的作用而努力。

凱瑟迪認為藝術銀行的體系，在過去29年的實踐中證明了它的可行性與有效性，而至今不管在商業或是文化層面都有顯著的收效，事實上相當值得其他國家 借鏡，他期待在未來藝術銀行不僅在澳洲本地能繼續拓展，也能在海外見到更多相似的藝術機構，為成為藝術產業的催化劑、推進劑努力。

Profile
凱瑟迪（Geoffrey Cassidy）畢 業於澳洲昆士蘭大學（University of Queensland）主修現代藝術與法律，畢業後曾任職於一商業畫廊，不久便進入蘇富比國際拍賣公司澳洲分部服務，在長達10年的時間中先後擔任蘇富比 繪畫類專家、國際事務總監（International Director）與繪畫部門主管（National Head of Paintings）。約兩年半前他離開蘇富比到澳洲藝術銀行擔任總監，對此新職務他感到相當滿意，其表示在拍賣公司每天面對的其實就是作品的買賣，而生 意是很殘酷、一拍兩瞪眼的事，只有賣出或流標；而現下他認為在藝術銀行能更優遊自得、自在地面對藝術、更直接與當地藝術社群產生連結與互動。除了總監一職 外他亦兼任新南威爾斯國家畫廊（Art Gallery of New South Wales）藝術稅務獎勵（Tax Incentive）部門委員，並常受邀為國家藝術獎項評委、藝術機構講師。

@Source from: 《典藏今藝術》2009年09月號

台北，演化中@Culture

2007年同志遊行，祁家威站上國父紀念館圍牆高舉彩虹旗，與身後台北101相映成趣。王盛弘/攝影
台北故事館是基隆河畔、中山橋頭最美的風景。王盛弘/攝影

那時候，這裡還沒有台北一○一，還沒有誠品書店複合商場，沒有我總是搞不清編號好幾家新光三越百貨，沒有數不盡的豪宅林立……雖然市政府、華納威秀影城、 世貿中心、凱悅飯店、新舞臺已經使它有錐處囊中的態勢；那時候，夜裡散步還會聽見青蛙嘓嘓嘓，五六月間聞得到野地裡梔子花香飄送，馬路邊簡陋圍籬裡一畦畦 青菜，農夫農婦彎腰澆水徒手薅草……

　東區以東，台北一○一

　捷運台北市政府站。我混在人流裡落了車，或許慣習於自助旅行，故而對一臉茫然旅人自然有份感同身受，偶爾地會有人：操著粵語呱啦呱啦小情侶、淺膚色淺髮 色洋人家庭，或是一身俐落單槍匹馬，比著旅遊指南上圖片問我怎麼走；圖片只如郵票大小，但我瞄一眼便能自動在心中補足細節；那是一棟宛如方竹一節一節往上 竄長的巴別塔，世紀末開工，二○○四年完工，本名「台北國際金融中心」，暱稱「台北一○一」。

　玫瑰如果不叫玫瑰，仍然不改芬芳。吸引觀光客前來的，自然不會是它的命名，而是它高達五○八公尺；甚至不是它的高度，而是它的頭銜──世界最高建築。好 像到了奈良不能錯過東大寺──世界最高木造建築，到了法國南部想去走走米洛大橋──世界最高橋樑，如若身在吉隆坡，又哪能不去看雙塔，它也是世界第一高。 喔，不！台北一○一落成後，璽印已經交接。

　辦公室就在捷運市府站附近，工作空檔駐足玻璃帷幕旁，不遠處台北一○一以拔地之姿聳立跟前，晴日裡閃著耀著亮白光芒，陰天時端頂藏進雲繚霧繞，紅色飛航警示燈若隱似現。

　我並不欣賞這棟建築，並非基於建築大師萊特譏評曾經的第一高樓帝國大廈為「貪婪的紀念碑」同樣的社會良心，也不因為它果然印證了謠傳卻又言之鑿鑿的建成 世界第一高建築的國家，該國經濟將隨即江河日下；而是，肇因於它的造型，節節高昇的蘊意太張揚，富有民族色彩的裝飾又太感性，如此招搖卻又不美，怎麼看都 不該成為一座城市的驕傲。

　但也許時間會證明我是錯的，十九世紀末艾菲爾鐵塔落成，莫泊桑說，欣賞鐵塔的最佳地點就在鐵塔內部，因為那是巴黎唯一看不到鐵塔的地方。可是現在，巴黎鐵塔之於巴黎，已如克拉克.蓋伯不能沒有唇上一溜小鬍子，瑪麗蓮.夢露拍照總是要噘嘴。

　儘管如此，台北一○一站在那裡，的確曾經使我動心，不用說每年跨年倒數，數萬雙眼睛仰望那數十秒鐘的璀璨異常；平日，彩虹的七款顏色依序在星期一到星期 日的黑絲絨般夜空中發光，多年前這個工作找上我，主管約我吃晚飯，用過餐推門離開餐館，走進小巷裡，一抬眼便望見它亮在眼前。

　它亮在那裡，好像就標示著為它澤被的這個信義區，便是這座城市的首善之地，如果在紐約是曼哈頓，如果在倫敦是倫敦市（City of London，西提區），如果在上海是浦東新區，一種想像，一種虛榮；是的，就是虛榮這種對人不易對自己更難以承認的一瞬情緒作祟，我把工作應承了下來。

　其實，這回是「鳳還巢」，一九九八年起我就曾在這個公司服務了兩年，那時候也住附近。

　那時候，這裡還沒有台北一○一，還沒有誠品書店複合商場，沒有我總是搞不清編號好幾家新光三越百貨，沒有數不盡的豪宅林立……雖然市政府、華納威秀影 城、世貿中心、凱悅飯店、新舞臺已經使它有錐處囊中的態勢；那時候，夜裡散步還會聽見青蛙嘓嘓嘓，五六月間聞得到野地裡梔子花香飄送，馬路邊簡陋圍籬裡一 畦畦青菜，農夫農婦彎腰澆水徒手薅草……

　短短十年，十年短短。同一個地方如塑料聖誕樹的裝飾已經掛上，電源一接通，一樹晶瑩剔透；再早十年，我剛自南部農家北上的一九八八，一枝枝塑料針葉尚未插妥，地面上立著的，只有枝葉稀疏的骨幹。這個城市演化太快。

　演化太快這個城市。二十年前我讀過一則消息：信義區某廢棄軍營一座池塘成了生物樂園，保育人士籲請保留；消息在報上披露，一夜之間，推土機轟隆隆如變形 金剛開進軍營。二十年過去，插著刺刀的步槍長成世界第一高樓，養著水族的池塘化成地下停車場，那些被驚嚇了的候鳥留鳥青蛙蟾蜍又與飽受壓力、體內畜著一頭 脆弱軟體動物的都市人何其相像。

　西區，紅樓

　信義區位於東區以東，與它遙遙相對的是西區，這裡也有一頁我親身體驗的城市演化史。

　二十年前，我帶著父親「你作什麼決定都好，但不管作什麼決定，都要能夠為自己負責」的叮嚀負笈北上；搭野雞車走中山高，自林口台地進入台北盆地，我趴上 車窗要牢牢記住這座城市第一眼，當車子橫越淡水河將直抵城市的心臟──台北火車站，我自高架道路上張望到的是中華路上中華商場，長長一列方塊建築宛如火柴 盒排列，斑駁，雜亂，不是想像中的光鮮亮麗，但興奮壓過了其他情緒。

　我的一名馬來西亞同學的感受就大異其趣了。他的台北第一印象也是中華商場，「很失望」，他說，他萬里迢迢來到台灣，為的是龐鉅的中華文化想像，而非幾棟爛房子。

　中華商場位在中華路西畔，中華路原是日據時期北市最敞寬的馬路，縱貫鐵道沿路興築；國民政府播遷來台後，鐵道兩側冒出大量違章建築，凌亂不堪，六○年代市府加以整頓，在原地蓋了商場，忠孝仁愛信義和平也是中華文化符碼，一共八棟三層樓建築。

　這座台灣最早集合商場，到了末期已如都市的腫瘤，我親睹它最後四年時光；然而，有記憶的地方最美，一棟連著一棟踏著低低高高的階梯逛去，集郵社，古玩 社，公廁終年瀰漫尿騷腥臭、地板永遠泛潮，舊書店，成衣店，點心大王的舊桌椅上陽光斜斜射來，把蒸籠剛掀開那一霎映顯得雲蒸霞蔚，唱片行，電器行，商場後 方噹噹噹平交道柵欄放下，火車空嚨空嚨駛過，建物好似也有了一陣輕顫。這一切，都因為籠罩於懷舊的氛圍而折射出金黃的氤氳。

　我上台北第二年，鐵路地下化；又三年，中華商場拆除，抗議補償不公的白布條宛如白幡掛滿天橋與建築立面，場面十分淒厲。隨著商場的消失，西門町驀然沉 寂，寂寞的老人、賣春的少女、逃家的少年麇集，晚上電影散場，走在路上會有男人突然現身，問道：「少年耶，要否？」一回我受到驚嚇，猛可舉手一揮，倒把那 三七仔也嚇了一跳；日後再遇上相同情況，我改換一臉世故，當作沒聽見。

　直到新世紀，中華路拓寬工程完成、捷運通車，驀地，芽眼破醜黑種皮而出，新一代青少年受到召喚，重新歸隊；不同於東區的時尚穎新，找不到一座古建築，西區處處是歷史的場景與殘跡，吸引的卻是最稚幼青少男女，踩街，打電玩，看電影，呷阿忠麵線、鴨肉扁。

　這回西門町活化，並非剷除了什麼舊建築、蓋起什麼新建物，而多半是現有資源的翻新再利用，最具指標性的是「紅樓」。

　紅樓是一棟磚造八角樓，建於二十世紀初，原為商場，一樓買賣日用品，二樓購售骨董字畫；台灣光復後變更為「紅樓劇場」，演粵劇，播二輪電影，有過一時的 風光，但終究不敵鄰近商家而黯然落幕。直到近十餘年，被指定為古蹟、委外經營，如今的紅樓有了全新內涵：進駐了咖啡館，陳列紅樓歷史照片，年輕人的創意產 業也在這裡扎下根，開小店賣自創品牌成衣、飾品、卡片等各種小玩意兒好有趣；我到西門町看電影，如若時間充裕，有時會一方小店看過一方小店，每回都如第一 回那樣新鮮。

　不過，紅樓維修仍見台灣慣有的近利求功的缺陷，屋頂竟便宜行事，以鐵皮披覆；旅行京都時我曾觀察過日本工匠維修傳統建築的細膩用心，兩相比較，不禁有一聲浩嘆。

　當暮靄四合，紅樓展現另一番風情，夜店一家緊挨著一家開在露天廣場旁，尤其休假前夕更讓人咋舌，樂音如雷，歡聲笑語海浪般一波緊接著一波拍岸，好揮霍浪 擲著青春；顧客以男同志為主，理平頭，穿緊身T恤，全身曬成麥色，一眼望去上千人，也許是亞洲最大男同志露天聚點？圈裡人暱稱這個廣場為「小熊村」，一開 始是一家叫作小熊村的酒館在這裡落腳，吸引了一大批以「筋肉以上，肥胖未滿」為主流美學的男同志前來消費，小酒館遂一家又一家在夜裡亮起了霓虹，消費者早 已不再有類型的侷限。

　讀過口述歷史，說紅樓「淪為」映演二輪影片的戲院後，常有男同志躲在戲院後排座位尋求慰藉。那是多少年前的事情呢？從黑暗中互相取暖到露天酒吧的盛況， 二○○三年第一屆同志遊行自二二八紀念公園出發，一路走到紅樓廣場，路人中有人高喊加油，有人靜默旁觀，有人不明所以，但沒有人噓聲反對，台北同志運動在 這十年間堪以「大躍進」來形容。

　北區故事館，南區紀州庵

　古蹟活化，西門紅樓是成功的案例，其他如北投溫泉博物館的前身為溫泉建築，長安西路當代藝術館借了舊市府紅磚軀殼，徐州路市長官邸藝文沙龍改建自舊市長 官邸日式宿舍，中山北路光點台北則為舊美國領事館……適當的維修、利用，老建築煥發新內涵；星羅棋布這些老建築讓旅人的眼光在稱不上美的台北有了聚焦處， 其中，北美館正對面台北故事館實為基隆河畔、中山橋頭一瞬最美的風景。

　台北故事館原名「圓山別莊」，茶商陳朝駿延聘英國建築師設計的都鐸式二層樓屋子，一樓磚造以承重，二樓木結構髹漆上鮮黃外牆，屋頂鋪銅瓦在時光中氧化成優雅綠色，這棟屋子宛如童話故事發生的場景。

　陳朝駿交遊廣闊，孫中山、胡漢民等人都曾是座上客；後來一度荒廢，一九六三年次的楊照說：「小時候住附近，都叫它鬼屋。」但我讀大學時修攝影課，曾和同學來這裡外拍，已經經營起咖啡館，阮囊羞澀的兩人在院子裡拍過一陣後離去，沒敢進屋子點一杯咖啡啜飲。

@Source from: 2009-09-15 中國時報 【王盛弘／文】

詹偉雄：豪宅論@Thinking

台灣興起「豪宅熱」，約莫有個三、五年了，自金融風暴中回春之後，據說台北市已出現每坪近兩百萬、一戶五億元的大樓。

由後見之明看來，「豪宅」之成為一種流行、之所以變成一種「制服性」的景觀（新古典主義的立面線條），並內蘊一種刻板的生活標準（例如幾乎每棟豪宅都強調 「制震」，而從不提及「居家氣氛」），固然與資金條件和兩岸前景脫不了關係，但當代富人那特殊的內在心靈世界，恐怕更具備著一種辯證性的主導力。

除了少數世襲的金融世家外，台灣富人社群絕大多數是靠「OEM／ODM」出口產業起家，在九○年代轉移製造基地到中國，成為自信滿滿的台商大亨。在他們的 生命歲月裡，要成為一個百戰百勝的「接單競爭者」，某種泯滅自我主見、處處以揣度原廠心意為軸心的日常生活是必需的，如此才能像日裔英籍小說家石黑一雄小 說《長日將盡》裡的「英國總管家」（butler）一樣，洞穿所有如魔鬼般的代工細節，提供著不著痕跡、恰到好處的服務。

小說中，「英國總管家」的專業出神入化，但一出了這個世界，他就得謹慎而神經質地依循著各種權威指示才能過日子，當父親過世、愛人告別，呼喚他見最後一 面，他都以「服務主人」為由，強自壓抑自我的慾念，保持著忠於職守的表面尊嚴，活出一種自欺卻欺不了別人的荒謬感。台灣富人活得當然不如「英國總管家」這 般悲劇，但他們人生中的某種「去自我性」卻是相通的。

看看「豪宅」一些共同屬性就知道了：位於市中心的「豪宅」，照理說生活品質較差，但這不是大亨在乎的，因為「豪宅」被社會、被產業社群、被大亨心理想像的 「有意義他者」（significant others）看到，才是最重要的：這座「豪宅」是他出人頭地的印記，「住得好不好？」他沒能力、也不認為情理上該在乎，反而是「建築立面」必須要跟老豪 宅劃清界線，但又必須保持「新豪宅」的社群視覺辨識度，因而，將石材、金屬、玻璃開窗進行垂直分割的新古典風格，就成了「制服表情」。

「豪宅」會熱，是因為社群裡一個領頭者買了、打造了「印記」，於是眾人便接踵而上，他們不是嚮往一種「美好的新生活」而購屋，而是因為「恐懼」沒跟上、被遺忘。

「豪宅」主人多半在意同儕評價，因此「在家豪奢宴客」（人類學者Mary Douglas研究「誇富宴」說：主人愈浪費，愈證明他看重我們的關係）是生活的必要，大而無當的餐廳因而變成另一種制式，與之呼應的是「書房的缺席」， 這未必表示他們不喜歡讀書，而是「家」既然是等著「外在目光」來觀看的，讀書這種個人「內在尋思」、難以創造驚奇的行為，便遠不如將空間讓位給社交性的低 溫酒窖、音響室或迷你畫廊。

想著他人觀看自己房子所流露的驚奇，大亨們開始對自己一生的成就微笑起來，他不曉得，他一生中壓根就沒有甚麼驚心動魄的物質體驗，這戶豪宅在他的代工客戶眼中，其實仍不過只是間「總管家宿舍」……。

（作者為學學文創志業副董事長）

@Source from: 【聯合報╱詹偉雄】2009.09.13

餐桌上的最佳配角 餐具．另一種食的藝術@Art

文／Ada

曾被讚譽為近三百年來最偉大銀雕藝術家的Georg Jensen曾說，餐桌是家庭的象徵，當家庭成員聚在一起享用晚餐，如果這時有美麗的餐具相伴，那一定會是更愉快的用餐、或者說家庭經驗。

器皿會反應時代特性，每個時代風潮都因為先有了思想的醞釀，而後才形成一種生活方式，繼而才影響了器皿與其相關使用的各種物品，早期銀器餐具的使用多半僅在王公貴族的上流社會裡，這也使得銀器一直以來都代表著快樂富足的象徵。

說起銀器餐具，就非得提起幾乎與丹麥畫上等號的百年銀器品牌GEORG JENSEN，創辦人Georg Jensen曾說：「銀是我們所能擁有的最好材質。銀擁有如月亮溫潤迷人的光芒，就像丹麥夏夜裡的曖曖光輝。」

用生命積累的手感

在目前高度機械化的時代裡，銀器的價值也就在於它的必需被手工打造，一件GEORG JENSEN的銀器餐具，約需五百個工作時數才能完成，製造過程裡的繁複奢華與高超技術，不僅表現在精緻的外表，同時也賦予作品內在無比的價值。

銀雕工匠在製作銀器時，必須用靈敏的手去觸摸判斷銀質拉薄繃緊的程度，並且準確無誤地錘打，銼磨甚至鏤刻，另外，銀的硬度並不高，所以要打造出垂直水平的 角度是非常困難，因此如果妳有幸收藏了一件銀器，務必要去撫觸銀雕的細工，體會前人工匠的心血結晶，因為這所有一捶一痕，都是工匠們一次一次的敲打，用生 命所積累的手藝顛峰。

白色黃金

瓷器從中國唐朝開始發展盛行，而後由馬可波羅傳回了歐洲，馬可波羅以「半透明的貝殼」將之命名為Porcelain。瓷器通常也被稱作「白色黃金」，在路易十四的王宮中，深受許多貴族夫人們所喜愛，它是財富與品味的象徵，也是人人所渴望擁有。

這種精緻的製陶原料，是由高領土、石英、長石所混合而成；主要是由一種高領土決定了它的透明度、堅硬度、光澤和清脆的響亮程度。而一般所說的骨瓷，是由 Josiah Spode在西元1800年所發明製作。骨磁因添加了動物的骨粉而得名，骨粉使得瓷器光澤耀眼，透明度更高，清脆度也更好，更堅韌強硬，不易碎，呈現出一 種淡淡的象牙白色，種種明顯的特質都是因為加入了動物的骨粉使然。

技巧背後的藝術創作

製造瓷器的過程相當繁複，尤其是一種稱為depositing的技術，是當結束器皿彩繪裝飾後，需要經過三次的窯燒過程。但因工藝師無法將金、白金或彩色 的線條裝飾在器皿邊緣上，因而必須將這易碎的步驟委任給專業的畫磁師傅（fileur）來製作，包括ARMANI、HERMES餐瓷上的圖案，都是由畫磁 師傅一筆一筆手工描繪。

可是使瓷器攀上崇高地位的並不僅是因為它的製作難度或手工描繪技巧，每一件瓷器背後的創作靈感所賦予的文化性，才是真正可貴之處，像是HERMES餐瓷光 是構思就要花上一年以上的時間，而且往往有其特別源引的歷史文化或風俗藝術，另外像是法國的Haviland餐瓷與來自米蘭的DMK，都長期邀請不同藝術 家、設計師參與設計餐瓷創作，這都是讓參磁能有超越實用之外的典藏價值。

@Source from: 《BRAND名牌誌》2009年7月號

楊乃文：時尚只是讓自己變好的工具@People

文／Shawn

冷冷的楊乃文和雙魚座這個事實，一直有種衝突感，但實際接觸她之後才知道，原來冷熱之間，不像妳想的那麼絕對。

我發誓，楊乃文絕對是拍過的藝人當中，最不難搞的！在拍攝現場見到楊乃文，纖細的身形和之前媒體塑造的強勢形象不成正比，她開朗的和攝影師打招呼，聊起16年的第一次合作，記性之好讓人不可置信。採訪時，大著膽子問她：「以前大家都說楊乃文很難搞，妳認為呢？」

她說：「我覺得是大家習慣看到微笑的、看似友善的藝人；但是今天我沒有露出滿臉笑容，不代表我就是個不友善的人。」講到這，她沉思了一會說：「而且我發現 很多時候笑得愈多、反而愈有問題，妳不覺得嗎？」相當精闢的見解，一語道破形象和真實的落差。而楊乃文的真實就藏在她看似冷酷的外表底下，「其實我不難 搞！」她說，原來曾經有人問過她：「妳們公司最難搞的女藝人是誰？」那時候大家都以為會是她，「沒想到票選出來我是最後一名，哈哈哈。」她得意地笑著說。

楊乃文出道以來，以冷冽外型搭配搖滾曲風，充滿時尚感的形象和模特兒工作經驗，讓她一直給人走在流行前端的印象，沒想到她說：「別再提模特兒的事了，我會 覺得很不好意思。」當初她會當模特兒，純粹是為了賺生活費，「那時候當模特兒不像現在那麼流行，我完全沒有抱著那種憧憬。只是覺得模特兒工作不會太佔時 間，而且拍一、兩個廣告的收入就足夠我用很久，所以才當了4個月的模特兒。」她說，因此她自認對模特兒這個工作不是真的專業，別人拿「楊乃文當過模特兒」 這件事來談論，會讓她感覺很害羞。 「而且我不上相，」楊乃文說，「所以我不喜歡拍照。」之前上節目要秀小時候的成長照片，結果她找了半天除了嬰兒時期，幾乎沒有什麼留下什麼照片，「沒辦 法，我覺得拍起來不好看嘛！」但是現在這麼多人喜歡拍她，難道不認為自已其實是有味道的嗎？「我比較希望上相耶！要是我可以怎麼拍怎麼美，就不會那麼排斥 了。」她揶揄說。

即使如此，每次入棚拍照她仍是戮力以赴，像這次拍照前，她已經踩著6吋高不合腳的高跟鞋一整天，因此是一跛一跛的走進攝影棚，但是一站到鏡頭前面，攝影師 要她跳就跳、要做出不合人體工學的姿勢就做，拍到抽筋還忍著痛繼續，直到我們發現她的求助神情……，鏡頭前氣勢逼人的楊乃文，沒想到也有小鹿斑比般的眼 神，流露出雙魚座內在需要人保護的一面。楊乃文說：「幫雜誌拍照的時候，因為是跟時尚專業人士合作，我會讓對方完成他的藝術品；但如果是跟我的音樂有關， 例如說專輯攝影，我會有自己的想法，也會很堅持，因為造型是我音樂的延伸，它必須能代表我自己。」

“愛到就是愛到了，選擇愛情不是比選擇金錢有趣嗎？”

說到音樂，那是楊乃文從小的夢想，之前她曾說過自己從6歲就立志當歌手，不過現在問起這件事，她出人意料地說：「小時候只是天馬行空、隨便想想，那種願望 是很不切實際的，誰小時候看到電視，不會想當裡面那個漂漂亮亮的人？」「走上音樂這條路，並不是什麼從小立志，我只是單純的喜歡音樂而已。因為喜歡音樂， 從鋼琴、琵琶到長笛，什麼樂器都跑去學；到澳洲之後，能加入的社團就加入，唱詩班、舞台劇通通參加過。」對於音樂的熱情這麼強大，最後會成為音樂人，與其 說是無心插柳，更可以說是水到渠成吧。

然而，當興趣變成職業之後，也會遇上現實與理想的落差，她說：「當音樂變成收入的來源時，欣賞音樂不再是那麼單純的享受，聽到一首歌會忍不住分析錄音錄得 好不好？吉他彈得對不對？別人會不會喜歡？以前誰管錄音錄得怎麼樣，覺得這首歌不錯就喜歡它。現在這樣的狀態好不好，我不確定。」即使如此，楊乃文依然不 後悔走上這條路，因為對她來說，活在音樂裡的每一刻都是快樂。 除了音樂之外，書籍、電影、藝術也是楊乃文的喜好之一，「我喜歡美麗的東西，喜歡看科幻片、科幻小說，喜歡有才華的人。」她說，「我有一個認識很久的朋 友，最近才知道原來他大學一開始念的是英國文學，突然之間，他變得比之前Attractive許多，雖然後來步上電腦公司的工作，但是念過英國文學這件 事，對我來說就是莫名的有魅力。」她補充道：「不過對方要結婚了啦，千萬不要誤會。」才華或許是楊乃文的罩門，之前傳出過的誹聞對象，也都是才子一族，雖 然才華可能代表著對未來的不確定，但是楊乃文說：「愛到就是愛到了，選擇愛情不是比選擇金錢有趣嗎？這不代表金錢不重要，只是我覺得錢自己賺就好了。」

不管是愛情或工作，楊乃文都堅持走自己的路，關於時尚，她也有話要說：「我覺得時尚是一種很好的工具，它能夠幫妳把內在的自己帶到外在來，但是如果流行什 麼就穿什麼，反而變成盲目。我認為有效的運用工具，而不是反過來被牽著走，才是時尚的意義。」不過愛美的楊乃文在個人保養上，卻是另一種態度，認識她許久 的造型師說：「楊乃文常常比我更有實驗精神，有新的保養法、產品，她不僅大膽嘗試，還會深入研究，功課做得比我還多。」楊乃文最近著迷上精油按摩，拿來當 化妝水、精華液，甚至還拿來吃！她笑著說：「前陣子我嘗試斷食療法，打算7天不吃東西，只喝流質的果汁或水，結果有一天家裡存的果汁沒了，又餓得不想喝 水，所以只好把玫瑰純露拿來對水加果糖喝。」至於好不好喝？「那時候只要有甜甜的東西就好了，根本沒去想什麼好喝不好喝。」楊乃文大笑說。

認識楊乃文愈久，會發現她的冷酷真的只是「不笑而已」，真正的她，有著溫暖敏感而柔軟的雙魚心。如果妳喜歡她的歌，那妳一定會更喜歡這個真實的楊乃文。

楊乃文的5個喜歡

˙我喜歡包包愈小愈好，因為我不補妝，只要能放護唇膏、手機、皮夾、鑰匙就足夠了。

˙我喜歡看秀，因為我懶得逛街和試穿，有人穿給自己看不是很好嗎？

˙我喜歡二手衣，大學時買了一堆二手大衣，只要8百、1千的，好看又不會撞衫。

˙我喜歡馬汀大夫鞋，對我而言那已經不只是一雙鞋，而是一種文化。

˙我喜歡歌德風，私底下會這樣打扮，Vivienne Westwood和Jean-Paul Gaultier都是我愛的設計師。

@Source from: 《BRAND名牌誌》2009年9月號

Alexander Wang 聲勢直逼Marc Jacobs@Fashion

Alexander Wang 09'10' A/W‧圖／Club Designer

Alexander Wang是華人時尚設計界的花美男代表。圖／資生堂

資生堂請來Alexander Wang跨界設計的彩妝品。圖／資生堂

文／Ivy

在2009年6月Alexander Wang得到有時尚界奧斯卡CFDA 2008最佳潛力女裝獎後，我們又多了一位台灣之光。因為，這代表著繼Jason Wu（吳季剛）成為美國總統夫人的心頭好設計師之後，再一位華裔的時尚新星誕生。

天才型設計師

Alexander Wang來自一個移民加州的台灣家庭，儘管在舊金山出生成長，Alexander Wang還是從小接受雙語言教育，至今說得一口不算標準且語調逗趣的中文，還聽得懂一點台語。他的雙親是一對成功的商界人士，因此Alexander Wang的中文取名非常獨特，叫做「王大仁」，兒時的他一出現時，大家還會開玩笑說是『大人（仁）』駕到了。

在小學階段，Alexander Wang就表現出個人繪畫天份、16歲就獲跳級就讀帕森設計學院（Parsons School for Design）的資格；後來在就學期間，也得到在《Teen Vogue》打工的機會，之後更幸運的跟在Marc Jacobs身邊實習，這很有可能也是造成日後很多人把他拿來與Marc Jacobs相比的原因。

他的天份幫助他在大二就自創品牌，並在3年內就獲時尚新人獎的殊榮，當年他只有24歲，卻已經是紐約時裝界一顆最耀眼的新星。

紐約最辣的牌子

當紅影集《Gossip Girl（花邊教主）》主角布萊克萊佛利（Blake Lively）、歌壇小天后蕾哈娜（Rihanna），都是他的頭號粉絲，琳賽蘿涵（Lindsay Lohan）還曾經在個人部落格上寫著：「今天拿到Alexander Wang的衣服超開心的。」Alexander Wang幾乎可以說是現在紐約美眉們心中最辣的牌子！

到底是什麼魔力讓Alexander Wang的作品受到各大時尚評論家的青睞？細看那讓他成功的原因不外乎就是：簡約前衛的剪裁，卻又不那麼詭異乖誕，時尚有型但也穿得上街。這就是 Alexander Wang的魅力；他喜歡大量使用黑白灰三色基本色，在平凡簡約的衣服上添加點變化，再依照各季不同的流行趨勢修正方向。

跨界合作邀約不斷

在紐約，秀上的成功幾乎就等於商業上的直接效益，不意外地，Alexander Wang變成了所謂當紅設計師，許多跨界合作的案例，也紛紛自動上門，甚至跨足了彩妝領域，與日本的知名彩妝品牌資生堂心機彩妝合作。在這次的跨界合作 中，他將「富時尚感的實用性」設計理念延伸至彩妝創中，不只為包辦了此系列的眼影、唇膏與唇蜜，就連包裝色彩、材質設計都是由他一手打造。

與資生堂的跨界合作，讓他在走紅之後公開造訪台灣，當時，他留著一頭亂中有序可愛的捲捲中長髮、並以黝黑健康的膚色與淺淺的靦腆笑容現身，穿著黑色寬大的T恤與窄管牛仔褲，簡直就是設計師中的花美男代表。

在本次的訪台中，他只炫風式地停留3天，一天留給公開行程，另外兩天則是他自己與家人敘敘舊的日子。在這此的訪台中，他談到自己創作風格，並認為：「生活 就是我的靈感！因為真正的美好應該是留在生活中，而不是伸展台上，所以一項可以被稱為美好的創作，應該是在私下的真實生活裡，不加矯飾還會讓你覺得好看 的。」他這樣解釋自己的創作。

與Jason Wu同為台灣之光的他，回台之後不免被拿來比較一番，但對於這個問題，不僅主辦單位擋得快，就連轉個彎問他，他都顯得相當小心翼翼。

「你最欣賞哪位設計師？」有人這樣嘗試著問。

「我想這是個很難回答的問題......」這就是他簡短的答案。

從女裝擴充出的事業野心

Alexander對人生規劃極非常有前瞻性，因此即便已經紅遍了紐約，但談到未來計畫時，他還是一樣有說不完的生意經，完全不像個20多歲的大男孩，對 事業的規劃顯出相當成熟的態度。他說到，自己接下來想要跨足設計香水，因為：「幾乎所有的一線設計師，最後都會投入研發設計香水。因為服裝搭配契合的香 水，所展現的整體氛圍才算完整，雖然我現在還沒有這樣的習慣......，未來我還有多想做的事情，設計香水正是其中一部分；另外，我也想設計配件，像是 鞋子與包包，也想設計男裝，我希望2010年可以推出我的男裝系列。」他滔滔不絕地說著未來計畫。

出生於1984年的他，雖然現在只有25歲，但他以初生之犢不畏虎的氣勢，加上年輕人用不完的創意與動力，勇闖紐約時尚叢林，也做出了一番成績。之後他會 再帶出怎樣的作品與創意之舉，如男裝、配件、香水......，都不令人意外。意欲全面性攻佔時尚界的Alexander Wang，未來的發展，還大有看頭。

@Source from: 《BRAND名牌誌》2009年9月號

紐約時裝周／春色點染 輕鬆就是美@Fashion

Y-3的春夏秀上「帶球走」的模特兒傳達出輕鬆氛圍。
圖／路透
Derek Lam以40年代小圓點圈出明年女裝輕俏的女人味。品牌春夏包款可提可背，流蘇點綴，實用又搶眼。
圖／路透
「決戰伸展台」小子席瑞安諾，也是紐約時裝秀的場外花絮。
圖／美聯社
聚精會神看秀的美國版VOGUE總編安娜溫圖，時尚說了算！
圖／路透
DKNY一反極簡，以中性風格穿出印花的自由自在。
圖／美聯社

聯合報╱記者袁青

山本耀司主導的Y-3足球裝、華裔設計師Derek Lam的短夾克，以及另一華人之光Alexander Wang的拳擊運動風，2010春夏「紐約時裝周」設計師們有志一同，齊心釋出一股強烈的休閒氣氛，或許只有穿出輕鬆感，才是唯一對抗美國已到谷底景氣的良方。 Y-3秀上直接抱著足球走台步的模特兒，明擺著仍沈醉在世界足球賽的氛圍中，結構式男裝的Blazer（單件式西上衣）搭配寬鬆吊帶褲，三分男孩樣的親切。「網狀質料和硬挺布料互搭，才不會邋遢。」設計師山本耀司說，明年春夏的運動風應該不只是球衣的翻版。

DKNY明年春裝，不再一味極簡的輕俏印花，倒令人有幾分意外的驚喜。牡丹、小甘菊快樂的圖案，像潑墨畫又有塗鴉的趣味，也是以Boyfriend的一派 輕鬆取勝；回頭再看TOD'S設計總監、華裔設計師Derek Lam，推出同名女裝的的春裝，選擇40年代女性化的小圓點和美國星條旗的星星圖案，散發出青春可人的迪斯可活力。

開出紅盤的「紐約時裝周」，可清楚地感受到2010春天不遠，而美國經濟復甦的熱情才正點燃。

@Source from: 【2009/09/15 聯合報】@ http://udn.com/

LV訂製創意 拍賣獻愛@Fashion

路易威登家族第5代傳人Patrick Louis Vuitton，是位出色的工藝大師，精心設計訂製硬框手提箱。
圖／LV提供
音樂家兼作曲家Gustavo Santaolalla 接受LV之邀為心愛樂器訂製皮箱，將參加蘇富比義賣為慶祝紅十字會 150周年。
圖／LV提供
LV為紅十字會成立150周年，特別訂製手提醫療箱。
圖／LV提供

聯合報╱記者袁青

名廚、攝影大師、當代藝術家、作曲家和LV品牌第5代傳人，個個來頭不小，可能只有LV才請得動。2009年適逢人道救援機構國際紅十字會(Red Cross)成立150周年，Louis Vuitton路易威登特別發起一項別具意義的拍賣，所得善款悉數捐贈紅十字會。 由LV一手策畫的「卓越工藝‧創意求新」慈善拍賣會，計畫邀請6位各領域頂尖創意人，以品牌獨特的特別訂製工藝，發揮創意。包括國際名廚Ferran Adria、當代藝術家Damien Hirst、攝影大師Annie Leibovitz、音樂家兼作曲家Gustavo Santaolalla、時裝設計師Marc Jacobs以及路易威登第5代後人兼特別訂製部門主管Patrick Louis Vuitton，各自構思設計獨一無二的訂製產品。

這6款嶄新的LV訂製商品，多半以Monogram及Damier Graphite帆布、Nomade皮革甚至名貴的鱷魚皮為材料，不論是經典的硬框手提箱或軟身手提袋都有著濃厚的個人和時代色彩。其中，LV第5代傳人Patrick Louis Vuitton擅於發揮家族傳統並融合創新，是位出色的工藝大師；35年前他從Asnieres訂製皮箱工廠的木工部門基層做起，直到成為出色工匠，才轉任特別訂造 部門主管。他精心設計許多訂製皮箱，例如，Boite Commandes Speciales硬框手提箱，內裝配有兩個特別製作的間隔，可收藏軟尺、相機，以及擺放水彩顏料、畫筆及寫生簿。

此外，路易威登為向紅十字會祝賀，也精心訂製「紅十字會手提醫療箱」，連同6位創意大師獨一無二的新作，進行拍賣；活動由蘇富比負責策畫慈善晚會。預計今年11月17日在倫敦Bond Street蘇富比總部舉行。

@Source from: 【2009/09/13 聯合報】@ http://udn.com/

野口勇 作品精華留紐約@Art

文：劉馨蔓

曼哈坦下城金融區匯豐銀行門前，一個火紅的立方塊以一個尖角精確地站在廣場上，吸引路人的目光，這件鋼製公共藝術品叫「紅立方」(Red Cube)，它不但展現了完美平衡，和後方的黑、褐、白建築物也成鮮明對比；此外，下城的大通銀行內，一個下凹的噴泉造景，為象徵金錢遊戲的大廳帶來無限 禪意，讓人頓時獲得身心靈的鬆弛。原來這些都是日本名藝術家野口勇(Isamu Noguchi)的作品。

令人驚訝的是，這位藝術天才不但當過紐約居民，在皇后區長島市還有一間專門收藏他作品的博物館—Isamu Noguchi Garden Museum（簡稱野口勇博物館)。

原是住宅工作室

要 參觀野口勇博物館，不開車的人可搭N或W線地車，在百老匯站(Broadway)下車後，往東河方向走，穿過廢棄工廠區約10條街，就是野口勇博物館了。 從外觀看起來，這棟紅磚建築有著大戰前的古意，進入博物館內，則彷彿走進一座禪意無限的庭園，減低了一般人對博物館的嚴肅印象。

1974 年，野口勇買下這座工廠兼加油站的地產，作為他的作品陳列館，而他的個人的工作室兼住宅就在工廠對面。1985年，博物館正式對外開放，不幸的是，野口勇 在1988年過世。該建築後來被市府列為危樓，一度休館進行兩年半的整修，花下1350萬元，直至2004年6月才重開，同年，館內舉辦了野口勇百年冥誕 特展，惠特尼美術館也展出他1944年到1948年的擬人雕塑作品。

野口勇博物館內共有13間展廳，收藏240餘件野口勇心 愛的作品，有石雕、金屬、木頭、陶土等材質，以及庭園景觀雕塑，另外還有他在世界各地的大型公共藝術品模型、舞臺布景設計模型、以及最知名的AKARI系 列燈飾作品；重新整建後的博物館，增闢了教育室、咖啡廳以及禮品部，還貼心地添加了許多殘障人士的設施。為讓各界都能分享野口勇的創意，館方開放他的作品 出租，由國際藝術機構借去展覽，研究人員也可自由使用藝術家的豐富資料，包括野口勇的錄音帶、書件、手稿、照片等。

作品與空間對話

野 口勇有個習慣，如果他所製作的作品太完美，會捨不得賣出去，寧願再做一件新的給委託單位，而將原作留給自己，所以野口勇博物館雖不大，卻是野口勇一生的精 華所在。雖然每件作品都標出名稱和內容，不過野口勇一向不太愛為作品命名，因為他不希望觀賞者的思路被名字箍制，因而產生誤解。

走 進野口勇的藝術之家，可以體會他如何為讓作品與空間對話，他的每件作品都像一位禪師，在沉靜中訴說生命的真諦。其中最特別的是戶外雕像公園，擺放著他的經 典石雕，大部分是大理石和玄武岩作品，地上鋪滿黑礪石，外圍樺樹環繞，形成剛柔平衡的美麗庭園。而這些石雕兀自在花園角落中，彷彿在冥想和沉思，又似各自 寧靜地對話，讓來參觀的民眾都不忍大聲喧嘩，

要為野口勇下定義是非常難的，因為他涉獵的藝術範圍相當廣，他同時是雕塑家、建築設計師、舞臺設計師、室內設計師、家具家飾匠、以及庭園造景師，這些才華，與他戲劇性的人生經歷有關。

野 口勇出生在美國洛杉磯，母親是美國作家吉歐蒙（Leonie Gilmour），父親則是以英文詩聞名的日本詩人野口米次郎（Yonejiro Noguchi）。野口勇還未出生，他的父親就回了日本，因此母親在他兩歲時才帶著他到日本與父親團聚，怎奈當時父親已另娶了日本妻子，他的母親便決定留 在日本獨力撫養他，直到14歲時，才帶他回美國接受美式教育，也因此野口勇能說流利的日文，同時對日本有一分濃厚情感。

特殊的家庭背景造就野口勇的天賦異稟，大學時期，他同時在哥倫比亞大學的醫學院和達文西藝術學校就讀，後來發現自己對雕塑的熱情愈來愈高，於是中輟了哥倫比亞的學業。在一個機會下，獲得古根漢藝術基金贊助，前往巴黎進修兩年，也成了他未來藝術成就的轉捩點。

在 巴黎時期，他拜在羅馬尼亞籍的現代主義雕塑大師布朗庫西(Constantin Brancusi)門下，擔任實習生，學習以雕和鑿為主的創作方式，兩年後回到紐約，開始專注抽象藝術雕塑作品。布朗庫西是大師羅丹的高徒，被公認是20 世紀最原創性的名雕塑家，2005年紐約佳士得的印象派現代藝術拍賣會上，布朗庫西的一座一米高大理石雕「空中之鳥」，竟賣得2745萬元，成為世界上最 貴的雕塑。野口勇的作品深受恩師影響，造型簡約，凸顯材質的語言特性。

曾娶過中國妻子

野口勇還去過俄國與中國，在中國時學畫水墨畫和園林造景，他與中國40年代的紅星李香蘭結為夫妻，但婚姻僅維持了五年便分手，後來他重回日本尋找詩人父親，並接觸到日本禪宗庭園的思想，開始跨向景觀花園設計，使他日後的作品完美融合東方的空間美學和西方的現代理性。

野 口勇同時擁有日本和美國血統的身分，在當時相當敏感。1941年第二次世界大戰爆發，由於他的一半日本血統而遭美國政府軟禁在收容所中，後來才獲釋；而挨 了美國原子彈的廣島要製作亡者紀念碑時，雖然鍾愛野口勇的設計，卻嫌棄他的半美國血統，遭到排擠未能獨當一面，他在日記中提到此事，感到相當遺憾。

1962 年後，野口勇廣受大型企業與政府機關的歡迎，承接了世界各地的景觀設計與建築計畫，目前世界各地，包括耶路撒冷在內，都有他的作品，他將簡約主義和東方禪 意融合的特質，運用在公共花園和室外公共雕塑內，且用材廣泛，石頭、金屬、陶瓷、紙、木頭、燈光、礦石，甚至水和聲音都是他的創作材料，而設計內涵囊括石 雕、室內設計、花園、遊樂場、公共藝術、噴泉、素描、紀念碑等，最出名的是他的石雕以及能引發冥想的石雕花園。

不過野口勇的作品並不限於花園和雕塑，舞臺設計也是他的專長。他與現代舞大師瑪莎‧葛蘭姆曾合作長達30年，葛蘭姆的一百多齣舞劇中，他參與的布景設計就有20多齣。

同時，野口勇也在1945年至1951年間為家具和燈飾做設計，他的線條簡潔優雅，就像石雕一樣不拖泥帶水，雖然已過了半世紀，他設計的商品至今都還在市場銷售。目前野口勇博物館內的禮品店，出售他設計的家具、燈飾、咖啡杯和掛鐘等，不過價格貴得令人咋舌。

傳奇成紀念郵票

野口勇傳奇的一生，讓美國郵政局為他印製紀念郵票，而他所創作的雕塑、園林造景和大型公共藝術，已成為當今藝術界的珍貴遺產。

野口勇博物館自6月17日起推出一個新的展覽，正式慶祝博物館整修完成，題目為Noguchi ReINstalled， 展出野口勇的全部作品以及他散在世界各地的作品模型，屆時，許多出借到海外的作品都會回籠，觀眾有機會看到更完整的野口勇。

另外，從6月至8月期間，每個月的第二個周日，博物館的雕像花園裡還安排戶外音樂會，與遊客同樂。若是團體參觀，人數超過10人以上且事先預約，博物館會特別安排團體導覽。

貼心建議：

野口勇博物館(The Noguchi Museum)地址：長島市Vernon Boulevard(介於第10 St和33 Road之間)。

交通：可搭N、W線地車在百老匯站(Broadway)下，往東河方向步行約10條街後左轉。

開放時間：周三至周五上午10時至下午5時；周六與周日上午11時至6時；周一和周二閉館。

門票：成人10元；耆老和學生5元；12歲以下兒童免費。另外，每個月的第一個星期五，入場費是自由捐獻。

網址：www.noguchi.org。

@Source from: worldjournal.com

Alexander Wang 25歲美名揚@Fashion

服裝設計師Alexander Wang（王大仁）。
本報資料照片

聯合報╱記者葛大維

來自台灣的服裝設計師Alexander Wang（王大仁），今年6月贏得有美國「時尚奧斯卡」之稱的CFDA大獎後，成為時尚界新彗星，25歲的他接受美國知名「W」雜誌最新期訪問，表示： 「流行界最有趣的事，是發揮自我及挑戰自我，若耽溺於安逸，會失去鼓舞的動力。」

W雜誌以「小鬼當家」（Kid Rocks）為標題，點出Alexander Wang在時尚界引起的騷動。美國知名女設計師Diane von Furstenberg盛讚「他是明星，獨一無二」，但4年前若有媒體稍微提到他，也會說：「和Vera Wang毫無關係。」

Alexander Wang目前品牌營業額超過2千萬美元，銷售其品牌的紐約名店Kirna Zabete負責人莎拉伊絲莉說：「Alexander既是設計師也是商人，一般設計師只知幻想，但他懂得分類，洋裝、晚裝、休閒服、上班服，每種類別的設計都洗鍊而穩重。」

Alexander也發展皮鞋、皮包、飾品配件、墨鏡等，更開創男裝以 及副牌T collection，專攻年輕化、街頭流行風的便服市場。在明年春夏裝設計中，他就用精緻蕾絲混搭最夯的sweat stains（汗漬）引領潮流。

設計對Alexander來說是有趣的，他說：「關於時尚，大家應該放輕鬆享受。在時尚界工作，我永遠記得Marc Jacobs（LV設計總監，Alexander曾在其個人品牌旗下工作）說的：當人們很快接受你的設計之際，就是你該改變方向的時候了。」

@Source from: 【2009/09/09 聯合報】@ http://udn.com/

Pavilion by Zaha Hadid@Videos

"Superimpositions of spatial structures with hidden traces of Burnham's organizational systems create unexpected results in the Burnham Pavilion. By using methods of overlaying, complexity is built up and inscribed in the structure."

-Zaha Hadid

JS Bach / Zaha Hadid Architects Chamber Music Hall for Manchester International Festival@Arch

If you’re in Manchester, England this Summer, don’t miss the opportunity to experience an absolutely spectacular cultural highlight: the solo works of Johann Sebastian Bach performed in an extraordinary new chamber music hall designed by Zaha Hadid Architects.

The chamber music hall has been installed within Manchester Art Gallery for the duration of the Manchester International Festival 2009. From the festival program: “Across a series of nine concerts, three internationally acclaimed musicians will perform Bach’s solo instrumental works in this unique, intimate space. The aim: to create a near-perfect environment for the audience to experience some of the world’s most beautiful chamber music. A union of two true originals, three centuries apart.”

The concert series in the new chamber music hall will run until Sat, July 18. Daytime entry to the installation is free. It will be open for viewing July 4 – Aug 31, Tue – Sun (and Bank Holiday Mon) 10am - 5pm.

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JS Bach / Zaha Hadid Architects Chamber Music Hall at Manchester Art Gallery for Manchester International Festival (Photo: Luke Hayes)

Here is a descriptive text from Zaha Hadid Architects:

Zaha Hadid Architects have created a unique chamber music hall specially designed to house solo performances of the exquisite music of Johann Sebastian Bach.

A voluminous ribbon swirls within the room, carving out a spatial and visual response to the intricate relationships of Bach’s harmonies. As the ribbon careens above the performer, cascades into the ground and wraps around the audience, the original room as a box is sculpted into fluid spaces swelling, merging, and slipping through one another.

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Photo: Luke Hayes

The design process involved architectural considerations of scale, structure and acoustics to realize a dynamic formal dialogue inseparable from its intended purpose as an intimate chamber music hall. A layering of spaces and functions is achieved through the ribbon wrapping around itself, alternately compressing to the size of a handrail then stretching to enclose the full height of the room. Circulatory and visual connections are continually discovered as one passes through the multiple layers of space delineated by the ribbon.

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Photo: Luke Hayes

The ribbon itself consists of a translucent fabric membrane articulated by an internal steel structure suspended from the ceiling. The surface of the fabric shell undulates in a constant but changing rhythm as it is stretched over the internal structure. It varies between the highly tensioned skin on the exterior of the ribbon and the soft billowing effect of the same fabric on the interior of the ribbon. Clear acrylic acoustic panels are suspended above the stage to reflect and disperse the sound, while remaining visually imperceptible within the fabric membrane. Programmed lighting and a series of dispersed musical recordings activate the spaces between the ribbon outside of performance times. The installation is designed to be transportable and re-installed in other similar venues.

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Photo: Luke Hayes

Pivotal to its function is the performance of the ribbon. It has been designed to simultaneously enhance the acoustic experience of the concert while spatially defining a stage, an intimate enclosure, and passageways. It exists at a scale in which it is perceived as both an object floating in a room as well as a temporal architecture that invites one to enter, inhabit and explore.

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Photo: Luke Hayes

CLIENT: Manchester International Festival
PROGRAM: Chamber Music Hall
ARCHITECTS: Zaha Hadid Architects
DESIGN TEAM (Zaha Hadid Architects): Melodie Leung, Gerhild Orthacker
ACOUSTIC CONSULTANT: Sandy Brown Associates
FABRICATOR: Base Structures
TENSILE STRUCTURAL ENGINEER: Tony Hogg Design Ltd
SITE: Manchester Art Gallery, T1 Gallery
SITE AREA: 17m x 25m

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Rendering (Courtesy of Zaha Hadid Architects)

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Rendering (Courtesy of Zaha Hadid Architects)

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Rendering (Courtesy of Zaha Hadid Architects)

Acoustician’s Text (Mark Howarth, Partner, Sandy Brown Associates, Acoustician):

The challenge of the project was to take a gallery space primarily designed for visual art and help Zaha Hadid Architects in their vision to convert it into a modern extraordinary new performance space for chamber music.

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3D Model (Courtesy of Tony Hogg Design and Base Structures)

The initial part of the design involved testing the baseline acoustic response of the gallery space and looking at how this could be enhanced by the installation. This included investigating how the finishes and shape of the room determined its reverberation time (a measure of how long it takes for sound to decay in a room), and caused unwanted flutter echoes from sound repeatedly reflecting back-and-forth between surfaces. The measurements also identified the level of ambient noise from external noise sources, such as road and air traffic, and from air conditioning systems within the building.

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3D Model (Courtesy of Tony Hogg Design and Base Structures)

The selected gallery space is located towards the rear of the building, away from the noisy rumbling sound of Metrolink trams passing by the front. However, control of noise from the in-house air conditioning system to make it suitable for music was a challenge. The gallery has strict requirements for the regulation of air temperature and humidity to help preserve many of the precious works it houses. This meant it could not be turned off or reduced during performances. The importance of this was highlighted by the recent exhibition of 500 year old Leonardo da Vinci sketches in a connecting room to the new performance space. Control of noise from the air conditioning system was discussed with staff at Manchester Art Gallery and they were particularly helpful in carrying out works behind the scenes to help reduce noise intrusion to the new performance space.

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3D Model (Courtesy of Tony Hogg Design and Base Structures)

For optimum conditions for chamber music it is important to ensure that the reverberation time is not too long as this blurs individual notes so music can lose its intricacy. Equally it should not be too short as this provides a lack of response for the performer and causes the music to sound overly dry. The designers therefore looked at achieving a reverberation time of 1.4 to 1.7 s at mid-frequencies (500-1000 Hz) with a higher reverberation at lower (bass) frequencies to provide a warm room response.

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3D Model (Courtesy of Zaha Hadid Architects)

Measurements in the room indicated the existing ceiling and the large void behind it provided a significant amount of acoustic absorption. This influenced the choice of materials for the installation as the designers wanted to avoid adding too much additional sound absorptive material to ensure the acoustics did not become too dry. Zaha Hadid Architects therefore investigated use of different materials for the installation, including various fabrics, metals and plastics. These were developed as 3D CAD models by Zaha Hadid Architects and were then imported into acoustic modelling software by Sandy Brown Associates. This enabled the investigation of different finishes and sculptural shapes to enhance acoustic conditions around the stage and audience areas of the space.

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3D Model (Courtesy of Zaha Hadid Architects)

The final installation uses a lightweight synthetic fabric (150 g/m2) supported on a rigid metal framework to provide the flowing sensual shape of the installation while minimising absorption. The shape of the frame and fabric acts to scatter sound reflections between parallel walls within the gallery to eliminate flutter echoes and provide a more even diffuse sound for audience members. Around the stage, specially shaped acrylic reflector panels have been carefully positioned and hidden within the fabric of the installation. These are designed to reflect sound with a short delay back towards the performer and out towards the audience to increase the clarity and strength of the music while maintaining the reverberant response of the room.

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3D Model (Courtesy of Zaha Hadid Architects)

@Source from: http://www.bustler.net/index.php/article/js_bach_zaha_hadid_architects_chamber_music_hall_for_manchester_internation/