草間彌生（Yayoi Kusama）被稱為日本現存的經典藝術家，1929年3月出生於日本長野縣松本市，在1956年移居美國紐約市，並開始展露她佔有領導地位的前衛藝術創 作，現居住在日本東京。她的藝術實踐非常廣泛：繪畫、拼貼畫、雕塑、表演、電影、裝置、小說、詩歌和音樂。草間彌生還曾與當代卓越的藝術家如安迪·沃荷 （Andy Warhol）、克勒斯·歐登柏格（Claes Oldenburg）、賈斯培·瓊斯（Jasper Johns）一起聯展。
草間彌生---這個名字聽起來相當古典和優雅,但是任何看到其作品的人都會得到截然不同的感受----無窮無盡的圓點和條紋，艷麗的花朵重疊成海洋，混淆 了真實空間的存在，只有陣陣眩暈和不知身處何處的迷惑。重複性的圓點對於草間彌生與其被當作她與世界溝通的途徑，不如說是一種治療。草間曾說明這些視覺特 色都來自於她的幻覺，她認為網狀結構象徵富有生機的生命本質，而點組成了一面無限大的補捉網（Infinity nets），代表了她的生命。於是她開始畫這些斑點，它們像是細胞，種族，分子，那些生命最基本的元素，草間彌生把它們看成是來自宇宙的和自然的信號。 “地球也不過只是百萬個圓點中的一個。”她用它們來改變固有的形式感，在事物之間刻意地製造連續性，來營造一種無限延伸的空間，置身其中的觀眾無法確定真 實世界與幻境之間的邊界。
這是一個被精神病折騰了數十年的女人，十五歲時就嘗試跳軌，草間彌生約10歲時，開始被大量幻覺困擾，因而時常有自殺企圖。她留有當時為母親畫的鉛筆劃， 畫中就已充滿了小圓點。 “我一圈圈收著藝術這條線，盡可能努力摸索自己的生存方式。若是沒有這個窗口，我一定會在更久更久之前就受不了周遭的環境跑去自殺。”正是因為剛起步摸索 的藝術給她指引方向，她才得以生存下來，最後成為在日本影響深遠的重要當代藝術家。繪畫、雕塑、裝置、詩、小說，這些不同形式的藝術之於她，是將她系在世 界之中的錨，沒有藝術的話，她也就不在世上了。或許是藝術家的特質，她蘊含著巨大的矛盾，既有自殺傾向，卻又熱愛生命，她希望可以活到四百歲，這樣才可能 做完她所想做的。
草間在相當早的創作時期就發展出了自己的特色，她善用高彩度對比的圓點花紋加上鏡子，大量包覆各種物體的表面，如牆壁、地板、畫布、家裡會出現的物 品（還有裸體的助理）。她自己的打扮往往也與作品有很高的同質性，並以短上衣和非常強烈的眼影妝聞名。她是一個沉溺在自己的世界裡的藝術家，作品都是她緊 張的感官的反映，涉及到心理和性的層面。
“草間彌生不知是在哪面牆上鑽了一個洞， 窺知了造物者的某個手勢或背影， 她從此寄居這面牆上， 在兩個世界間來回顧盼。”——蔡康永
1959年，在抵達紐約18個月之後，草間彌生的五件作品參加第10街布拉塔美術館的一次年輕藝術家群展，每一件作品都是在一個稍暗的灰白色背景上，繪滿 網狀圖案，她的圓點受到紐約知名評論家的注意。唐納德·賈德在《藝術新聞》中寫道：“草間彌生是一位原創型的畫家。展覽中的五幅白色巨幅作品無論在概念上 還是其實現方式上都是前衛而有力的… …它發自於那些溶於平面的點，也發自於那些稍微偏離的但效果強烈的點……”
1964年，草間彌生組織了名為“千船會”的展覽，她把陰莖模樣的軟雕塑塞進船裡，擺滿了整個房間，房間的周圍都是這些作品的圖片，那些突出的陰莖從牆壁上的印刷品中得到回應，所有人都覺得淹沒其中了。
由於精神疾病的影響，草間彌生將極度重複擴展到雕塑和裝置藝術領域。更為有趣的是，這竟然引領了未來美國波普藝術的潮流。安迪·沃霍爾類似形式的展覽“牛 首交錯”出現於1966年。草間彌生在接受媒體採訪時，多次指出包括安迪·沃霍爾在內的美國藝術家曾經借鑒過自己的想法，而這些人在美國都“發了財”。即 便是在舉辦轟動一時的“千船會”展覽之後，草間彌生還是不被紐約主流藝術圈所認可，甚至總是在財務上深陷困境。
1966年，草間彌生“非法”參加威尼斯雙年展。她未經同意就帶著作品《那克索斯的花園》(Narcissus Garden) 出現在綠園中央的意大利館前面，1500個金色鏡球( 內部是塑膠製) 構成的裝置，醒目突出，她本人穿著金色和服端坐其中。並立牌告示：一個金球價格2美元，強調藝術品可以像熱狗一樣叫賣。在被雙年展組委會請出去之後，她穿 著猩紅色的緊身衣攤開雙臂躺在鏡球中間，風頭超過所有參展藝術家。
1967年，當得知無法獲得預期的展出機會之後，她開始自己演出，草間彌生的標誌性圓點蔓延到千奇百怪的物體表面之後，又鋪到了現場行為表演的裸體之上。 “在華爾街的紐約證交所旁，四個裸女正隨著鼓手敲出來的節奏扭動著，而草間彌生在她的律師陪同下，正向她們裸露的身體上噴著藍色的波爾卡圓點。警察迅速驅 散了他們。”
1968年，草間彌生瘋狂組織“人體炸裂”的系列裸體集會後，迅速成為美國媒體追逐的對象。她化著濃妝，披著長發，穿著自己改制的怪異服裝，依傍“自由女 神”像，或在中央公園的“仙女愛麗絲”雕像處恣意地表演，人潮從四面湧來。每個觀眾需要付2 美元“門票”。藉此行為藝術，草間彌生獲得不菲的收入。 1969年，在紐約MOMA的一次展出之後，這個日本女人成為《紐約時報》的封面人物，其頭版圖片的副標題卻是“但這是藝術嗎？”。
平日里，草間彌生內斂而安靜，年輕東方女性的面孔在紐約藝術界非常新鮮；但在行為表演中，她瘋狂而投入，徹底釋放甚至是裸露登場。她的一些老朋友開 始背棄疏遠她，認為草間彌生為求成名已經把自己降格到非藝術家行列。遠在日本的草間彌生家人得知她在公共場合的放蕩言行後深感恐懼，終止了和她的聯繫。
美 國藝術家約瑟夫·柯內爾的出現給草間彌生的人生增添浪漫色彩。柯內爾是近代美國著名藝術家、雕塑家和實驗電影先鋒人物。 “第一次見到他時，他穿著一件奇怪的外套，我被嚇壞了，以為自己見到的是一個幽靈。他每天寫信給我，打無數個電話給我，在電話中呼喚我，以至於有人問我， 電話是不是壞掉了。我說，不是的，是因為他一直在和我通話。”草間彌生後來回憶，柯內爾有一天，竟然給她寫了14封信。自上世紀60年代認識後，兩人一直 相伴，直至1972年約瑟夫·柯內爾去世。
愛人的去世給草間彌生沉重的打擊，她的精神問題越來越嚴重。 1973年，約瑟夫·柯內爾去世的第二年，草間彌生從紐約回到東京，離開藝術家與評論家，逃出媒體視野，獨自一人在精神療養院生活。有人猜測，草間彌生把 自己關進精神療養院，是在約瑟夫·柯內爾去世後的一種自我懲罰。她為博取盛名而進行的瘋狂行動感到後悔，認為自己更應該聽從約瑟夫·柯內爾的意見，把更多 的精力放在作品上。
人們還是喜歡看到藝術家痛苦和心力交瘁的，比如有時我們帶著傷感卻津津樂道於梵高在世時的慘淡，似乎他活著的痛苦不濟更加反作用出作品的神奇力量。在查閱資料時，也都會提及草間彌生是個精神病院裡的藝術天后。
在 紀錄片《草間彌生之我愛我自己》裡，她以近八十歲之齡，要一筆一筆地完成五十幅大型組畫，體力上的負荷極其重，畫到第四十九幅時，她說下世再不要做畫家， 因為實在太辛苦了。但是當問她來世想做什麽？草間彌生仍然回答答：“畫家。我想我上一世也是畫家。這是一個生生世世的約定，即使疼痛，也永不言悔，頂多只 是孩子氣的埋怨。”她擁有創造的力量，且強大得足以面對永恆迴轉，尼采筆下的超人，也不過如此。 “我覺得沒有人比我有才華。我一直把所有的時間都用在藝術上，並且把我最原始的意念和想法全部用到了代表草間彌生的作品上。”
草間彌生的創作被評論家歸類到相當多的藝術派別，包含了女權主義、極簡主義、超現實主義、原生藝術（Art Brut）、普普藝術和抽象表現主義等。但在草間對自己的描述中，她僅是一位“精神病藝術家”（obsessive artist）。從她的作品中可以看到，她企圖呈現的是一種自傳式的、深入心理的、性取向的內容。
此外，草間也發展出自己獨特的“繁殖”特色，她有許多作品都以蕈類聚生的造型出現。在1990年代之後，草間加入了商業藝術的領域，與時裝設計界合作，推出了帶有濃厚草間風格的服飾，並開始販賣許多藝術商品。
為蘭蔻設計的化妝包，為AU設計的手機，以及為LV設計的服裝、手袋、飾品，都在熱賣，昔日紐約轟轟烈烈的“前衛女王”至今依然引領時尚。
@Source: http://www.hiesquire.com/cultureart/1/6/5/6/16561_1.html
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