牆畫的力量@Art

蓬皮杜藝術中心梅茲分館首度在歐洲呈現美國觀念藝術家Sol LeWitt（1928～2007）的回顧展《牆畫：1968~2007》，一直延續至7月29日。該展由透視專家Cécile Degos親自操刀，將嚴格依照Sol LeWitt作品的比例，全盤考慮作品尺寸和感知效果，精心編排整個觀展流程。展廳分隔而又連貫的各空間內，牆面或游弋著直線虛線，如光芒萬丈；或綿延著黑白的曲線，如波浪洶湧；或漂浮著鉛筆勾勒的正方體，讓人恍惚面對一頁幾何作業本；或斜拉著幾組平行的粗線條，讓人找不到平衡，隨即又跌入一套圓圈組成的漩渦。

一列敦實的黑色正方形、三角形、梯形、矩形和圓形依次排列，撐滿一圍三堵牆面，組成《Wall Drawing＃346》。這組作品曾於1981年2月在巴黎Galerie Yvon Lambert畫廊由藝術家本人率隊完成，隨即1982年由蓬皮杜藝術中心購買收藏。在另一幅作品《Wall Drawing＃340A》中，幾何圖形鑲嵌在更大的正方形中。包裹的大正方形用橫線條繪出，而其中的各種形狀是豎線繪成：這就是LeWitt的幾何遊戲。他一直在探索的是有限系統的可能組合，其中重複的形式和模塊被設計成一個故事本身。

Sol LeWitt，1928年生於哈特福德，獨子，對1930年代經濟大蕭條有清晰的記憶。他的父親是名醫生，但LeWitt卻從小喜歡繪畫。成年後，迫於母親的壓力，他去了雪城大學，Sol LeWitt不否認這是一種妥協，「起碼那裡離家夠遠」。但他並不喜歡雪城，大量從戰場上回來的老兵也湧入大學，僅16歲的他一時找不到自己的位置，也不喜歡過於學院派的藝術教育。「我從來就不擅長模特寫生，畫石膏像！學院體制後來有些變化，稍微輕鬆自由一些，我有了進步和提高，但是，院長還是建議我去試試別的領域。」他曾笑談自己四年的大學生涯。
1953年，Sol LeWitt回到紐約，身無分文。為了生存，他進入卡通和插畫學院（如今的紐約視覺藝術學院），申請了政府補助，以此過活。很快他就厭倦了學院打雜的生活，嘗試從事其他工作。他甚至在貝聿銘的建築事務所工作了一年，第一個任務是花六個月時間設計信頭的logo。在那期間，他重拾畫筆，投身抽象表現主義。「我堅持了足夠長的時間發現還是不行。但這至少讓我繼續畫畫。」經歷結婚、離婚後，他搬到西百老匯的一間loft，「我重新回到失業的狀態，我真正開始了。」

「我不是強烈地想要成為一名藝術家，而是找不到一條真正的出路。當一名藝術家，多少是一種反叛的方式，一種個人的自主的活法，一種反抗我生長的中產階級家庭的行為。至少，比起去做鞋墊或者工廠工作，做藝術家稍微特別一點。」為了成就自己的藝術家之路，他頻繁地參訪畫廊，喜歡莫蘭迪的靜物，喜歡德庫寧和早期的波洛克；他很少光顧MoMa，或者大都會美術館，直到他獲得一份在MoMa圖書禮品部擔任銷售的工作。

「那是一份絕好的工作。在美術館閉館后坐在辦公室里，什麼也不用做，只要人在那就可以了，我看了當時所有的展覽，還看了不少電影，但是大多是在電視上。」很快，他開始對波普藝術感興趣，「那時候波普藝術家開始做一些有趣的作品，我很喜歡利希滕斯坦，現在也是，還有沃霍爾，但我並不關心他們的主義，只覺得他們是嚴肅的人，在做一些有趣的事情。」
直到60年代後期，LeWitt才形成明確的藝術主張。他把所有對於藝術實踐的闡述彙集在《觀念藝術條例（Alinéassurl』artconceptuel）》（1967）和《關於觀念藝術（Phrases surl』artconceptuel）》（1969）兩本著作中，后均成為觀念藝術（Conceptual art）的奠基之作。他說：「我從不反對美，我認為美是美妙的。我始終認為美是主觀的，絕對私人化的。不協調、不和諧、不對稱同樣也可以很美。」他公然宣稱極簡主義已死（a dead end），藝術的本質在於觀念。「觀念是藝術作品中最為重要的部分…藝術需要摒除情感（emotionally dry），從技巧中解脫，應該隨性、有品位，應該主觀和異想天開。」

正因為強調觀念，LeWitt開創了極富個性的創作方法。當他創作作品時，會把事先設計好的操作手冊或者錄音資料交由助手們，由他們嚴格按照既定步驟加以完成，他只提供創意，別人負責執行。他選擇了牆壁作為自己作品的主要載體，「我覺得直接在牆上創作更自然。牆及其本身的屬性，高度、寬度、色彩、質地，都是牆畫不可或缺的一部分。不同的牆面將產生不同類型的繪畫。」而在創作層面他依然堅持自我，「壁畫在素描造型方面正在進行一場十足的革命，但我就是想用色彩，這似乎是一種退化。可誰又在乎呢？如果總是被別人的想法牽著鼻子走，那你會變的越發僵化。除非徹底的解放自己，否則註定失敗。」

1968年以來，Sol LeWitt創作了數以千計的牆畫。從最初單調的垂線、直線構成畫面，到出現連綿不絕、設計精妙、形狀規整的圓、三角形等幾何元素。作品用色愈發大膽艷麗，材質的選擇包羅萬象，從鉛筆、粉筆、蠟筆、中國水墨到油彩都有所涉獵。

總體而言，黑、白二色是Lewitt牆畫概念的核心，即使是在那些色彩最為絢爛的作品中也一樣。策展人、獨立藝評家Béatrice Gross解釋說：「籌備的草圖通常用鉛筆勾勒，后按原作指定顏色和深度塗色。黑色和白色真正構築了藝術家的作品：他早期的作品主要使用鉛筆，後期偏愛石墨。」根據所使用的材料和繪畫技藝的不同，黑白表現出強烈的對比，而各種灰度的微妙變化加強了光影的效果，會讓作品更富生機。

本次展覽中出現的作品《Wa l lDrawing #879》，又名《LoopyDoopy》，標誌著藝術家實踐的劇烈轉向。它有別於初期系統化和模式化的典型風格，是LeWitt作品中的一個異類。但是如何才能遵照繪製說明和圖表在牆上再現這些不規則的曲線？展覽把一張LeWitt的手繪原稿的複製品翻拍在透明膠片上，再投影至牆面，繪圖師由此才能追蹤這幅流動而有機的作品的曲線幅度。

此外，在與LeWitt Collection的密切合作下，展覽還將呈現《作為收藏家的Sol LeWitt：藝術家和他的藝術家們》，展出藝術家本人的私人藝術收藏品。這些珍貴藏品通常都是以物易物交換而來，而非直接購買。在他近4000件藏品中，涵蓋20世紀六七十年代的極簡藝術和觀念藝術，原版照片和當代的雕塑、澳大利亞土著藝術、19世紀日本和紙和Gerrit Rietveld的傢具。本次展覽將極具突破性地首次在歐洲集合LeWitt的兩百餘件私藏，主要是珍貴的紙上繪畫作品和不同藝術家的攝影。

LeWitt曾說：「我從不認為藝術是社會這個蛋糕上那層糖霜。美學和倫理其實是一回事，我之所以按我的方式來做，是因為對我來說，這是必要的。我不畫人，因為我覺得不道德，而我在牆上畫線，因為對我這是符合倫理的行為。」當你看見LeWitt的作品，無需思考是否率性，內涵是否雋永，都無法迴避這些簡單的幾何線條、顏色塊面，帶來的視覺衝擊，而這恰恰就是LeWitt牆畫最為強大的力量。

@Source: iWeekly·周末画报